ARTE DA TERRA

Este recanto da nossa página é dedicado à cultura do

Rio Grande do Norte, seus poetas, escritores e artistas.

Elino Julião, cantor

Elino Julião nasceu em 13 de novembro de 1936, no quente sertão do Seridó, na cidade de Timbaúba dos Batistas - RN. Filho de Sebastião Pequeno, tocador de cavaquinho e Concertina. Foi menino butador d'água junto ao seu estimadíssimo jumentinho "Moleque", no sítio Tôco, onde cantarolava batendo numa lata as modinhas que aprendia na festa de Sant`Ana em Caicó - RN. Na casa grande da fazenda , onde se reuniam os moradores da redondeza, Elino Julião fazia a alegria da rapazeada. Costumava sair da fazenda descalço e a pé, rompendo 18 km de caatinga para bater a famosa " peladinha " em frente à Igreja de Sant`Ana na cidade de Caicó e articular-se, claro, para cantar na sede do Caicó Esporte Clube, no domingo à tarde. Cantar para Elino, já era êxtase.

Nos anos 50, destemidamente o garoto de 14 anos "pegou morcego" no caminhão de Artur Dias e veio para Natal, se escondeu no bairro das Quintas e logo garantiu seu espaço para cantar no Programa Domingo Alegre da Rádio Poti, junto ao radialista Genar Wanderley e no animado Forró da Coréia, onde hoje é o o Estádio de futebol Machadão, forró esse que o inspirou a compor um dos seus grandes sucessos: "O forró da Coréia''.

Com Dominguinhos

Menino esperto que trouxe no sangue as raízes do autêntico "forró pé de serra" do sertão nordestino, vem registrando e divulgando com originalidade e alegria a cultura e as tradições dos folguedos populares nordestinos há mais de 4 décadas. Criador de grandes sucessos da música popular Nordestina tais como: O Rabo do Jumento, O Relabucho, Maria Home, Puxando Fogo, Na Sombra do Juazeiro, A festa do Senhor São João, Cajueiro de Pirangi, Filho de Gaiamun e muito outros.

Discografia

Clique e ouça as músicas:

O burro - O rabo do jumento - Na sombra do juazeiro

Meus amigos,

O Rio Grande do Norte - em particular o Seridó - perdeu um dos seus maiores artistas. Elino Julião morreu nesta madrugada, vitimado por um aneurisma cerebral. Tinha 71 anos, uma vasta discografia e mais de 1000 composições. Desnecessário dizer que foi um dos mais legítimos representantes da nossa cultura popular.

Estamos de luto: o Rio Grande do Norte, o Seridó, Caicó e Timbaúba dos Batistas, sua terra Natal.

Pêsames a todos,

Roberto Fontes

Morre Elino Julião

Notícia publicada por Paulo Jr. no site http://www.semopcao.com.br/

A música do Rio Grande do Norte está de luto. Ontem, dia 20 de maio, o cantor Elino Julião faleceu às 21h30, em seu apartamento, em Natal.

Natural de Timbaúba dos Batistas-RN, Elino foi um grande divulgador do autêntico forró pé-de-serra no Nordeste, com inúmeros CDs gravados e shows realizados em vários Estados pelo Brasil.

Elino Julião era bastante querido em todo o Brasil

No último sábado, Elino realizou um show no Forró da Lua, na Lagoa do Bonfim, em Natal, ao lado de Dominguinhos.

Segundo familiares de Elino Julião, provavelmente, o cantor faleceu em virtude de um aneurisma cerebral, não descartando problemas cardíacos.

Conheça mais sobre Elino Julião

Com Sivuca e Miúcha

Elino Julião nasceu em 13 de novembro de 1936, no quente sertão do Seridó, na cidade de Timbaúba dos Batistas - RN. Filho de Sebastião Pequeno, tocador de cavaquinho e Concertina. Foi menino butador d'água junto ao seu estimadíssimo jumentinho "Moleque", no sítio Tôco, onde cantarolava batendo numa lata as modinhas que aprendia na festa de Sant`Ana em Caicó - RN. Na casa grande da fazenda , onde se reuniam os moradores da redondeza, Elino Julião fazia a alegria da rapazeada.
Costumava sair da fazenda descalço e a pé, rompendo 18 km de caatinga para bater a famosa " peladinha " em frente à Igreja de Sant`Ana na cidade de Caicó e articular-se, claro, para cantar na sede do Caicó Esporte Clube, no domingo à tarde. Cantar para Elino, já era êxtase.

Jackson do Pandeiro, Genival Lacerda... e o penúltimo Elino Julião)

Nos anos 50, destemidamente o garoto de 14 anos "pegou morcego" no caminhão de Artur Dias e veio para Natal, se escondeu no bairro das Quintas e logo garantiu seu espaço para cantar no Programa Domingo Alegre da Rádio Poti, junto ao radialista Genar Wanderley e no animado Forró da Coréia, onde hoje é o o Estádio de futebol Machadão, forró esse que o inspirou a compor um dos seus grandes sucessos: " O forro da Coréia ''.

Menino esperto que trouxe no sangue as raízes do autêntico "forró pé de serra" do sertão nordestino, vem registrando e divulgando com originalidade e alegria a cultura e as tradições dos folguedos populares nordestinos há mais de 4 décadas. Criador de grandes sucessos da música popular Nordestina tais como: O Rabo do Jumento, O Relabucho, Maria Home, Puxando Fogo, Na Sombra do Juazeiro, A festa do Senhor São João, Cajueiro de Pirangi, Filho de Gaiamun e muito outros.

Visite o site de Elino Julião clicando AQUI

Mariane Oliveira, escritora

Mariane começou a desenvolver seu talento para poesias, aos 10 anos, quando fazia a quarta série do ensino fundamental. A professora de literatura incentivava seus alunos para escreverem em prosa ou em verso. Quando ela chegava em casa, mostrava para seus pais, Weber e Adriane Oliveira.

Um dia sua mãe pediu para que ela fosse guardando todas essas poesias para no futuro lançar um livro.

Com as poesias prontas, chegou a hora de ilustrá-lo. Daí então teve a magnífica ajuda de seu tio "Airton Júnior" designer gráfico, que com todo carinho se inspirou nas poesias de Mariane para dar aquele toque especial nas ilustrações.

O livro foi todo custeado pelos pais, impresso e editado aqui mesmo em Natal.

Suas inspirações foram crescendo, com o apoio dos pais que a levavam frequentemente à bibliotecas e livrarias, para ler e saborear poemas de personalidades como "Cora Coralina, Vinícius de Morais, Cecília Merireles, Ricardo Cunha Lima, e os nossos potiguares Diógenes da Cunha Lima e o imortal Luiz da Câmara Cascudo.

Além disso, herdou o dom de seu avô Guaracy Queiroz de Oliveira, jornalista e advogado militante, e de seu bisavô, o poeta do Vale do Assu, Oliveira Júnior.

A idéia de lançar um livro não passava pela cabeça da pequena Mariane nos seus apenas dez anos de idade. Ela achou tudo muito estranho, mas acabou concordando e adorando a idéia. Hoje com doze anos, já pensa em lançar seu segundo livro. Mas, não sabe ainda quando isso irá acontecer. Vai depender da inspiração.

O livro, lançado em setembro de 2004, traz 23 poesias que abordam temas do cotidiano infantil. A autora criou personagens e usou a imaginação para transmitir ao leitores seus sentimentos, de forma a incentivar as crianças para a literatura.

O livro foi bastante divulgado na época do lançamento. De lá pra cá, Mariane teve a oportunidade de lançar o livro com tardes de autógrafos em vários lugares. Inclusive, com direito a autógrafos na Bienal Internacional do Livro, relizada ano passado em Natal. Lá ela teve a oportunidade de trocar livros e autógrafos com esctirores como Marina Colassanti, Zeca Camargo, Diógenes da Cunha Lima dentre outros.

Teve também uma divulgação nacional e foi citado nos "Programa do Jô" (Soares) e Ana Maria Braga.

Cefas Carvalho, escritor

Por ele mesmo (no Orkut):

Uma pessoa que ganha vida a vida com as palavras (e tem nelas um de seus maiores prazeres) mas que é péssima na hora de se auto-definir. Talvez eu ainda não saiba exatamente quem sou. Talvez saiba, mas tenha consciência de que cada pessoa tenha uma visão diferente de mim e que, portanto, nenhum perfil feito às pressas se encaixará na imagem que gregos ou troianos têm de mim. Ademais, já escreveu Cecilia Meireles: a vida só é possível reinventada...

E suas preferências literárias:

O fio da Navalha, de Maugham, O Jardim do Éden, de Hemingway, Dom Casmurro, de Machado de Assis... e quase tudo de Balzac, Maupassant e literatura francesa do século 19, além de um pouquinho de Sade e os malditos franceses, que ninguém é de ferro.

Pela amiga Veruska Sayonara:

Na verdade, nem sei se Cefas aprecia este tipo de tietagem.

Mas tive a sorte de trabalhar com ele, que é, sem dúvida, um grande talento jornalístico - e uma ótima conversa.

O perigo de trabalhar com Cefas, inclusive, é esse: vc só querer ficar conversando com ele.

Em entrevista ao jornal TRIBUNA DO NORTE:

O jornalista e escritor Cefas Carvalho tenta quebrar a barreira imposta pelo mercado através da internet. Ele integra um grupo de escritores com raízes na grande rede (“Verborrágicos!”), mas curiosamente, ainda usa a velha máquina de escrever na produção bruta. “Na máquina você tem mais liberdade para criar. Tem essa coisa mais lúdica. Tem coisas muito boas porque a máquina não trava nem ninguém te fala que você digitou o arquivo errado. O ruim é que você pode derramar café no texto (risos). Mas depois passo tudo para o computador”, afirmou.

Ele se diz “apaixonado” pela escritora Cecília Meireles e conta que foi incentivado a publicar seu “Reinvenções” depois de dois romances. “Conheci o pessoal do site e comecei a receber convites para publicar os textos na rede. Aí peguei os poemas recentes e outras pérolas de 20 anos atrás que estavam guardadas. Embora não siga nenhuma escola e tenha um estilo livre, posso dizer que sou lírico com muita referência de Cecília Meireles, a quem eu venero”, afirma.

Nascido em São Paulo, mas com raízes paternas em São José de Campestre, Cefas Carvalho trabalha com a rotina. “Escrevo sobre o que vejo, sinto. Raramente vou mais longe. Nesse livro estão 45 poemas e algumas pérolas”, diz.

E pelo jornalista Carlos Peixoto:

Cefas Carvalho, depois de incursões pelo romance (Ponto de Fuga, Três, Carla Lescaut e Os puxadores de piano), toma o rumo da poesia e lança (...) Reinvenções (109 páginas, R$ 15,00, Ed. Potiguar Notícias). Leitor voraz de Shakespeare, Hemingway, Somerset Maugham, Florbela Espanca e Cecília Meireles, Cefas confessa ser homem de um só compromisso: a palavra impressa.

Encantamento

De repente, tantos encantos...

Um olhar sorrateiro

Um sorriso de soslaio

E eis conjurado o encantamento...

Incenso? Cinzeiro? Versos passionais?

Vinho branco derramado

Espargido em roupas e peles

E o desejo leva o vestido negro ao chão...

De repente, tantos encantos...

Uma vontade satisfeita

Uma saudade abafada

E eis conjurada a distância...

Anchela Monte, poeta

Anchella Monte Fernandes Ribeiro Dantas, filha de Henrique Fernandes Silva e Maria Salete Monte Fernandes, nasceu em 15 de outubro de 1957, em Fortaleza, Ceará, onde morou apenas um ano.

O pai militar foi transferido para Natal, cidade na qual a família viveu até a ditadura, cuja instalação em 1964 provocara a mudança para São Paulo - primeiro residindo em Santo André, depois em São Pedro.

Nesta última, concluiu os estudos primário e ginasial e construiu amizades que ainda perduram. De volta a Natal, em fins de 1974, concluiu o ensino médio na colégio estadual Winston Churchill, começando logo em seguida a cursar letras na UFRN.

Em 1996 tornou-se especialista em Educação no núcleo NEPEC, na UFRN. Professora de Língua Portuguesa, desenvolve atualmente dois projetos de leitura na escola municipal Professor Ulisses de Góis: "O Autor é Leitor" e "Poesia Potiguar em Cena".

Publicou "Passagem" ( 1976 - ETFERN, RN ), "Ato" ( 1978 - edição mimiografada ), "A Trama da Aranha" ( 2001 - Sebo Vermelho ) e agora está lançando "Temas Roubados", também pelo Sebo Vermelho.

O livro Temas Roubados será apresentado no próximo dia 4 de maio, as 18h na Galeria de Arte Demétrius Coelho, na rua Seridó, 493, Petrópolis.

A obra apresenta poemas líricos, trabalhando a intertextualidade através de temas resgatados da obra de poetas admirados pela autora. Dentre eles, a presença marcante da poética potiguar: Demétrio Vieira Diniz, Iracema Macedo, Francisco Ivan, Deífilo Gurgel e outros.

Em 2004 e 2005 a autora foi premiada em segundo lugar no Concurso Literário Luís Carlos Guimarães, da Fundação José Augusto.

Outros poemas trabalham livremente os temas, tirando das vivências cotidianas a matéria poética, como ocorre nos poemas abaixo.

DuSouto, banda

Definir a música do grupo potiguar DuSouto, que lançou seu primeiro álbum durante o festival Mada (Música Alimento da Alma) - que aconteceu em maio de 2005 em Natal, na capital do Rio Grande do Norte -, não é uma questão de nomeclatura. Isso porque, sem purismos e sem preconceitos, são muitos os gêneros usados pelo grupo para criar uma sonoridade que já não é tão nova ou inédita, mas que termina cristalizando um novo estilo, com espírito indie, diferente de tudo já feito.

Definitivamente não é modismo, já que o novo pop brasileiro vem se moldando com as mais diversas influências. Sem restrições, no caso do DuSouto elas incluem o samba, a bossa nova, o reggae, o baião e principalmente, o coco. Mesclado a esses ritmos "tradicionais", o grupo usa como base algumas vertentes da "moderna" música eletrônica, como o jungle, o dub e o drum'n'bass. O resultado é uma profusão de grandes idéias, que com seus minimalistas detalhes eletrônicos e percussão vigorosa seduz à primeira audição.

Não é apenas a diversidade rítmica do DuSouto que torna a sua música superlativa. Nas letras e nos samples usados revelam-se temas e citações que confirmam a pluralidade brasileira, que vão desde um ponto de candomblé, em "Ie Mãe Jah", até a bossanovista "Nem o Mar Sabia", com Os Cariocas, em "Do Lado de Lá", passando por Luiz Gonzaga ("Deixa a Tanga Voar"), em "Black Point", e Chico Antônio ("Luquinha da Lagoa"), em "Tá na Roda", além de um trecho do Artigo 1º da Declaração dos Direitos Humanos, lido por Jardes Macalé no espetáculo "Banquete dos Mendigos".

Todas as músicas do DuSouto foram criadas, editadas, produzidas e arranjadas coletivamente por seus integrantes: Paulo Souto e Gustavo Lamartine (vocais), Gabriel Souto (groove box, MPC e picapes) e Fídja Novaes, Edmundo de Jesus e Cacau Arcoverde (percussão). Além deles, o grupo também tem como integrante o VJ Júlio Castro, que usa cenas captadas da Cidade do Natal, de animações e de fotos para transformar em imagem o que as músicas dizem.

Numa última análise, a música do DuSouto é indefinível por não ser previsível, chata; nem traz experimentalismos assustadores, surpresas incompreensível. É um música liberta de rotulações, suave ao mesmo tempo que empolgante, emocional. O prazer de ouvi-la está no equilíbrio das referências atualizadas.

Suceso lá fora

Neste mês de abril de 2006 o Rio Grande do Norte foi surpreendido com uma notícia relevante para a banda. Uma das composições do grupo foi escolhida para fazer parte da trilha sonora do game Copa do Mundo Fifa 2006, produzido pela Eletronic Arts. Abaixo, a notícia publicada na comunidade DuSouto no Orkut:

Trilha traz Sergio Mendes e Du Souto

A Electronic Arts divulgou ontem a trilha sonora do jogo Copa do Mundo Fifa 2006. Assim como suas edições anteriores, desde 2003, artistas brasileiros estão presentes. Agora é a vez de Sergio Mendes, ao lado do grupo Black Eyed Peas, cantando Mas Que Nada, de Jorge Benjor; e o grupo potiguar De Souto, com a música Ié Mãe Jah.

Todo ano a Electronic Arts lança uma nova versão do jogo de futebol para computadores e videogames. Na versão deste ano estão na trilha boTECOeletro (Coco Nutz Mass), o DJ argentino Nero e Carlinhos Brown (Nabika) e Marcelinho da Lua (Tranqüilo.

É política da Electronic Arts colocar artistas consagrados ao lado de novatos nas trilhas de seus jogos. Em anos anteriores já estiveram juntos Ivete Sangalo com o hit Sorte Grande e o grupo Inverga + Num Kebra, com Eu Perdi Você.

A empresa, a maior do mundo no ramo de jogos, começou a incluir músicas em seus jogos na versão do jogo para a Copa da França, em 1998. Foi graças ao jogo que a música Song 2, do grupo Blur, virou um sucesso planetário. O jogo é vendido aos milhões ao redor do mundo.

Por isso mesmo Gustavo Lamartine, integrante do grupo De Souto, do Rio Grande do Norte, está entusiasmado. "É uma ótima notícia está que você está me dando", disse. Lamartine ficou sabendo da inclusão da música pela reportagem do Jornal da Tarde, bem às vésperas do lançamento do primeiro disco do grupo, também chamado De Souto.

O grupo foi formado há um ano, em Natal, por, além de Lamartine, Paulo e Gabriel Souto. Gabriel é DJ, Paulo faz baixo e voz e Gustavo é guitarrista. Em apresentações ao vivo o grupo ganha mais um baterista e um VJ. "Nós fazemos música eletrônica em cima de drum'bass com pegadas do Nordeste e embolada", explica Lamartine.

O jogo ainda não tem data de lançamento definida.

Iê mãe Jah *   Iê mãe Seu filho não é mais um vagabundo Sentado na beira da praia Vendo o sol do novo mundo   Eu sinto dentro do peito Um sentimento profundo Eu sempre agradeço Todo seu apreço Não sei se eu mereço Só sei que reconheço Eu peço pela paz Que eu prezo cada vez mais Eu peço pel'aquilo Que vem e que vai   Paulo Souto Ie mãe Eu vim foi mais depressa Só pra te encontrar Eu vim pedir a sua benção Na beira do mar Para poder seguir O rumo que eu quero Na minha reza Sempre peço Pra iluminar   Ie mãe Eu vi falar Que foi lá no estrangeiro Sua onda é tão forte Que balança o mundo inteiro Eu lhe reconheço E ofereço E cada vez mais Eu lhe peço paz    * Música escolhida para fazer parte da trilha sonora do game Copa do Mundo Fifa 2006, produzido pela Eletronic Arts. Clique AQUI para acessar o site da Eletronic Arts.

Samba Souto   Esse samba É um samba muito Souto Ele é feito a fumaça Quando se espalha no ar   Já estou bamba Já estou ficando solto Esse samba muito louco Samba, bamba, balançar   Ó minha nega Samba, bamba muito louco Já estou ficandusouto Samba, bamba, balançar   É esse samba Ele é feito a fumaça Ele dança e balança Quando se espalha no ar   Lado de lá Gustavo Lamartine Abri uma janela Alguém cancela Eu estava do lado de lá   Abri outra janela Alguém cancela Eu estava do lado de cá   Eu estava do lado de lá Eu estava do lado de cá Estava parado, sentado Olhando abismado O mundo do lado de cá   Eu estava do lado de lá Eu estava do lado de cá olhando abismado O mundo do lado de lá

Escute as músicas: Iê mãe Jah e Samba Souto.

Se você quer ver mais informações sobre a banda, acesse o site clicando AQUI.

Rafael Galvão, poeta

Este poeta de 10 anos de idade, aluno do sexto ano do ensino fundamental do Colégio Marista de Natal revela através do livro “Poemas da minha infância” uma tendência que varia do lirismo, ao social e místico, o que demonstra a sua capacidade de explorar diferentes temas.

Qualquer coisa é motivo de inspiração para o autor: o mar, a família, a guerra e até o mensalão.

O resultado deste súbito estalo criativo resultou no convite para participar na 19ª Bienal Internacional do Livro em São Paulo, um dos três maiores eventos editoriais do mundo em cartaz no pavilhão de eventos do Anhembi em março deste ano de 2006. A edição independente mostrou 25 poesias ilustradas pelo próprio autor, pois além da poesia, Rafael ocupa parte do seu tempo desenhando e já participou de duas exposições em eventos locais.

Dividido entre os compromissos de escola, onde foi eleito líder de sala pelo segundo ano consecutivo, atividades esportivas e sociais, o autor já planeja um outro livro, ainda neste ano.

Lívio Oliveira, escritor e poeta

Advogado e escritor, nascido em em Natal, em 16 de agosto de 1969, Lívio Oliveira começou a escrever na

adolescência, inspirado pelas leituras de autores como Fernando Sabino, Manuel Bandeira, Augusto dos

Anjos, Fernando Pessoa.

Daqui do Rio Grande do Norte, diz que o influenciaram nas primeiras letras Vicente Serejo, Marize Castro,

Américo de Oliveira Costa, Dorian Jorge Freire.

Lançou seu primeiro livro em 2002, "O Colecionador de Horas" (poesia), pela AS Editores. Foi também neste ano que lançou

uma pesquisa sobre livros e bibliófilos do nosso Estado, que intitulou "Bibliotecas Vivas do Rio Grande do Norte".

É também do mesmo ano "Telha Crua", livro de poesias vencedor do prêmio Othoniel Menezes que contém, também, os dez poemas vencedores do prêmio Luís Carlos Guimarães.

Além dos dois prêmios, recebeu duas menções honrosas no concurso Zila Mamede, de Parnamirim, e obteve um terceiro lugar no prêmio de poesia da Justiça Federal.

Foi membro da Comissão de análise do prêmio Othoniel Menezes do ano de 2005 e é o atual presidente aclamado para a diretoria provisória da União Brasileira de Escritores, seccional do RN.

No meio da tarde

No meio da tarde, resolveram voltar.

Vieram buscando o caminho antigo, após a bifurcação, atalhando o caminho em volta do açude. Parecia fácil.

A noite ia caindo. A pouca experiência dos meninos não aconselhava estender o tempo de pisada. A casa grande não ficava assim tão perto.

Na conversa dos imberbes surgiam os fantasmas guardados, os medos do escuro repentino. Cada fala era de um arauto de pavores infantis, presos interiores das almas dos infantes.

Suas pernas eram só tremores e a estrada se prolongava, crescendo, crescendo. O barro pisado, prolongando-se sinuosamente, inquietava mais.

A terra seca já não queimava sob as solas dos pés ingênuos. Pedras de fogo não se faziam mais sentir quando encaixavam entre os dedos descalços. O medo é que se agigantava. Perguntavam o porquê da incauta decisão. Meninos da cidade, não sabiam bem os segredos do sertão.

Surgiram dúvidas quanto ao roteiro mais acertado. Cadê o açude?

No meio da dúvida a Cruz de Miquilino, cravada à margem, arrodeada por uma coroa de flores plásticas, bizarra imagem. Miquilino tinha morrido ali mesmo, vítima de bala pequena de companheiro, caça imperita de avoantes. Acertou-lhe o frontal. A morte de Miquilino tinha abalado todo mundo, os moradores da fazenda, o povo da “rua”, como chamavam a cidade próxima, pequeno município de igreja só. Dona Inhana, sua mãe, quase enlouquecera de dor: – Por que fizeram isto com meu menino? Meu menino Miquilino? Doze anos, ai, ai, ai! Miquilino, ai, ai, ai!

Talvez o batráquio que atravessou longitudinalmente não tivesse tido a intenção, mas causou, causou mesmo, pânico e arrepios nos meninos, aqueles dois. Mais arrepios do que os que estavam acometendo aqueles corpos brancos e imberbes de filhos da cidade grande. Ah! Ali naquela terra, todo estranho bem nutrido e corado era rico, filho de rico, eleito por Deus. Principezinhos desta terra!

Não havia ainda sinal do açude, nem da porteira que terminasse a agonia dos dois moleques. Um choro baixo, nervoso, já tinha sido iniciado por um deles. O outro, ainda querendo mostrar um pingo de coragem, reclamava: – Faz isso não, Rodolfo, seja homem! A gente já chega!

Os passos apressados, atravessados pelo gemido de Rodolfo, na luta para encontrar o mundo pequeno da fazenda, apressavam os coraçõezinhos tensos, aos saltos, na esperança de encontrar o rumo da fazenda, da casa alva, da rede áspera, menos áspera que o cinto do pai bruto, ligeiro no golpe, marcas avermelhadas ardendo depois. Costas e bundas ressentidas no outro dia! Dor no espinhaço!

Prosseguiam no ritmo alucinante. Às vezes queriam correr. Pouco prudente. Melhor caminharmos juntos e evitarmos surpresas, ataques de alguma fera, medo de aparições vivas ou mortas!

Algum sinal surgiu. Da entrada da fazenda. Já eram mais de três horas de caminhada. Graças! Luz de lamparina lá longe, nos longes daquele tempo. O cheiro de esterco de gado, os ventos nas algarobas, a terra seca entrando nas narinas e sublinhando os lábios de poeira e mormaço. A audição perfeita do cancão de fogo. Tudo, toda dor, todo medo, já se abrandavam. À frente, a imagem do vestido branquinho da mulher jovem que ainda lavava no açude, quase escurecendo. Era Severina, Severina do Queijo, como era conhecida, pela sua atividade matinal de ajudar no coalho, no cozimento, no preparo do queijo, cujas raspas, com açúcar, faziam a felicidade da molecada toda.

Severina foi, então, o oásis mais feliz daqueles dois. A salvação, a volta para o seu mundo. Nenhuma fera nos venceu! Nenhum defunto apareceu, com nariz cheio de algodão e olhos arroxeados! Estamos com Severina, salvos de onça e de alma!

Recolheram os medos nos bisacos. Ainda dava tempo até para um banho no açude. Meteram-se na água fria, gelatinosa, do açude. E foi aí que, além da salvação de suas vidas, Severina, lá perto da canoa aportada, sem avistá-los, salvou também suas mais profundas sensações. Já não lavava a trouxa de roupas, à parte. Banhava, lindamente, seu corpo rijo e moreno, apertando mais uma vez, muito forte, o ritmo dos dois corações de testemunha.

Vingt-Un no Álbum da Memória

Desde muito cedo me acostumei a ouvir, nas melhores rodas, entre os mais autorizados formadores de opinião, o nome sonoro, de origem francesa: Vingt-Un. Minhas aulas na Aliança Francesa de Natal já me davam o simples sentido da tradução. Era o vigésimo primeiro. A família certamente era enorme. No entanto, somente passei a ter noção de que colossal era a figura mesma do homem que se chamava em francês, quando estabeleci meus primeiros contatos com a cultura de Mossoró e com a obra imensa que aquele homem construía com suas mãos abençoadas. A Coleção Mossoroense, as pesquisas paleontológicas, a construção do saber em escolas e, hoje, em Universidade, frutos e mais frutos de seu incansável labor.

Partiu, então, Vingt-Un. Partiu-se um coração ao sol posto de Mossoró e do Rio Grande do Norte. Sua importância atravessou todos os rincões, estradas, veredas deste Estado. Foi longe, nos longes do Brasil. Vingt-Un representou para todos o maior sinal de paixão pela sua terra, pelos seus conterrâneos, pela sua obra e batalha na vida cultural. Foi e será sempre um exemplo de que o coração pode parar de bater, mas o amor se perpetua nas pessoas e nos objetos amados.

Vingt-Un amava a humanidade, e, por amar a humanidade, amava as exemplares obras do gênio humano. Vingt-Un amava os livros.

Certa feita, nos poucos e recentes, porém inesquecíveis e frutíferos, encontros que tive com o Mestre Vingt-Un Rosado, ele chegou a me dizer: – Eu não sou um escritor. Sou um organizador de títulos. Organizei, mais ou menos, uns seiscentos e cinqüenta livros e folhetos. A minha impressão imediata era a de que ele estava sendo irônico quanto à primeira parte da assertiva. Ora, como não era escritor o homem que escrevera parte imensa da cultura de Mossoró e do RN? Como não era escritor o homem que amava as folhas dos livros e pouca importância dava ao papel moeda na sua vida apaixonada? Como não era escritor o homem que punha seu suor e seu sangue no bico da pena que preencheu tantas páginas?

Vingt-Un, na verdade não estava sendo irônico, até mesmo porque não era dado a temperar sua inteligência com a pouca gentileza dos pedantes. Na verdade, o que fazia o mestre era erguer a humanidade além do homem. A cultura além do cultor. Vingt-Un era uma espécie de Atlas a erguer o mundo da cultura sobre os ombros. Vingt-Un não cabia num livro, pois era uma enciclopédia, a maior do seu país de Mossoró e do nosso mundo. Tudo isto vi, presenciei, privei, nos poucos instantes que com ele estive. Enorme gentileza. Figura paternal e poética. Quanta saudade teremos todos? Quanta falta fará à família, à família da cultura mossoroense, potiguar? Quantos Vingt-Un no século que ainda está nos seus primórdios? Tão avançado era que, no século vinte, já era “vinte-e-um”. No século novo é um só. Aquele que nos deixa, deixando como legado o que um bom pai deixa aos seus filhos: os livros, o saber, a cultura, a educação e o amor.

Agora, vendo o meu álbum em que guardo como preciosidade uma foto ao lado do mestre, vem-me a vontade de falar, falar bem alto para o seu ouvido sensível: Guia-nos, Vingt-Un, imortal que tu és, no caminho da sabedoria e da cultura nesta terra! Faz-nos um caminho para o céu a partir de tua montanha de livros! Naquilo que tu dizias ser prioridade, Mossoró, Rio Grande do Norte, Brasil e Mundo, põe tua mão leve e terna! Abençoa-nos, Vingt-Un!

Márcio Dantas, poeta

Poemas despojados de imagens

O livro de poesias Para sair do dia, do professor, ensaísta, tradutor e poeta Márcio de Lima Dantas foi o vencedor do Prêmio Literário de Poesia Othoniel Menezes, da Fundação Capitania das Artes, divulgado na semana passada. Márcio Dantas já tinha experiência na participação no Prêmio da Funcarte, quando recebeu menção honrosa com o livro Metáfrase, em 1999, seu primeiro livro de poesia, que depois foi publicado pela Editora da UFRN. Pelo primeiro lugar no concurso literário de 2006, o poeta receberá R$ 3 mil.

Para sair do dia é dividido em três partes: Livro I: Palimpsestos Bíblicos, que são poemas curtos baseados na temática bíblica; Livro II: Poemas Assim, que trazem poemas cuja temática veio das tradições budistas e o Livro III, no qual ele faz um diálogo com a tradição greco-latina. Neste segundo livro, Márcio Dantas explica que utilizou-se de um exercício diferente do primeiro que escreveu: ‘‘Fiz poemas curtos, mais objetivos e despojados de imagens e de metáforas. Embora isso não tenha nada a ver com evolução da minha escrita, e sim o com o exercício em si’’. Trabalhando diretamente com a poesia alheia - Dantas é professor do Departamento de Letras da UFRN, em Literatura Portuguesa e ministra cursos cujo conteúdo se volta para a poesia na língua portuguesa - a ‘‘interseção’’ entre seu trabalho e o exercício de sua poesia, segundo mesmo explica, é o aprendizado das regras, leis e funcionamento da poética. ‘‘Tenho uma postura construtivista. Vejo a poesia como conhecimento de uma linguagem e não como uma inspiração. Eu não me sento e fico esperando que os deuses me inspirem’’, brinca, e continua: ‘‘O poeta não pode se fixar numa dicção sob pena de ficar copiando ele mesmo. A poesia tem de ter uma dinâmica em si’’.

Necessidade

E embora o poeta transpareça uma plena consciência do seu fazer poético e tenha produzido um livro baseado em tradições literárias, não há em absoluto, um quê professoral ou uma arrogância em seu discurso. Quando indagado sobre o porquê de ele fazer poemas, a resposta é rápida e inerente à condição de quem escreve, na maioria das vezes: ‘‘Faço uso das palavras de Rilke (Rainer Maria) e digo que escrevo por uma necessidade. Talvez para elaborar minhas experiências, minhas vicissitudes, minhas alegrias, minha vida’’. E segue entregando o ouro: ‘‘Trabalho com notas, apontamentos. Meus livros (os dos outros) todos são anotados, gosto dos livros que têm margens grandes, porque escrevo nelas. E às vezes, dessas notas surgem idéias. E dificilmente um poema meu vem feito, pronto. Gosto muito de refazer’’.

O olhar alheio

E, ao que parece também, essa ‘‘necessidade’’ prescinde de grandes ambições. ‘‘Francamente, não crio muita expectativa com o leitor, nem com a humanidade. A gente vive numa correria muito grande e as pessoas não têm muito tempo para parar e ler. (Porque para se ler uma poesia, é preciso tempo). Se tiver três ou quatro, ou 10 ou 15 leitores, estou satisfeito’’, diz sem amargura, complementando que sua escrita não ambiciona ganhar dinheiro ou ficar nacionalmente famoso: ‘‘Se ficar por aqui pelo Rio Grande do Norte, já está bom’’.

Bônus

Nada de estereótipos de grandeza. Para Márcio Dantas, o poeta é um homem normal como qualquer outro. Talvez a única diferença que ele traga é: ‘‘Uma familiaridade com a palavra’’. Ele é pai de Luis Gabriel, de cinco anos; fez doutorado na Universidade da Sorbonne, na França, em Ciências Sociais, e lá passou quatro anos. E jura que foi sua última viagem. ‘‘Não gosto de viajar. E gosto dos dias iguais’’. Como tradutor, apresentou a obra da escritora paulista, Orides Fontela, à França, com a tradução dos livros, Transposição; Helianto; Alba e Rosácea. Atualmente está traduzindo outro livro dela para o francês: Teia. E além de aguardar publicação de Para sair do dia, ele também já tem pronto outro livro inédito, O sétimo livro de Elegias.

(texto publicado no jornal DIÁRIO DE NATAL)

Márcio Dantas: O poeta não pode se fixar numa dicção sob pena de ficar copiando ele mesmo

Retratos e silêncios de Maria Boa

Que coisa é um corpo e que coisa a história da sua passagem no mundo? (Osman Lins)

Todo mundo sabe que Maria Boa, antiga cafetina e proprietária de um reputado bordel da cidade, “o Cabaré de Maria Boa”, não gostava de ser fotografada, tampouco dava entrevistas. Difundiu-se a informação que era um artifício para proteger sua família, sobretudo as netas, estudantes em colégios de classe média da cidade, bem como uma maneira de resguardar os nomes da sua importante clientela, constituída de homens “de boa família”. Mulher distinta e discreta, depois de ataviada pelas aias, nas antológicas noites licenciosas, a abadessa permanecia na sua cela. Quando tomava conhecimento de alguém importante no Salão, dirigia-se solenemente, e com grande polidez, reverenciava o visitante: político, industrial, fazendeiro.

Para além da atitude ética de proteger sua família, o que faz parecer um jogo com a hipocrisia da sociedade, penso que, na atitude de se manter reservada, se inscreve um outro aspecto digno de ser ressaltado. Falo do mito que entorna a personagem Maria Boa, de certa maneira, criado e ritualizado por ela mesma, dimensão de fantasia para além do empírico vivenciado. Aquilo que Roland Barthes se refere ao deliberado anonimato de Greta Garbo como necessidade de preservar uma imagem da decadência física, abandonando o cinema e a vida mundana, pois a atriz desejava seu rosto preservado numa “ordem conceptual”, ou seja, integrante da Idéia, não da substância, com a inexorável perecibilidade de tudo que é da ordem do material.

Nas fotos que permaneceram, tirada durante uma festa na casa de uma colega também proprietária de famoso bordel, a Francisquinha, sobrevivente, hoje, de uma época de fausto das casas de recursos, deixa entrever, pela configuração do seu opulento corpo – atributo servente para apelidar seu codinome – um majestático porte natural que poucas mulheres das nossas classes dominantes conseguem alcançar. A maneira de passar as grossas pernas uma sobre a outra sugere uma naturalidade na qual o corpo se encontrava em harmonia com a alma. Havia uma presença de discreta elegância e acentuado charme, semelhante ao daquelas pessoas um tanto saudáveis, encanto que recende por meio de uma aura na qual o corpo queda-se confortável com o temperamento que o habita. A pele delicada e sedosa deixava entrever a fartura de sua saúde psicossomática.

Ora, a famosa meretriz sabiamente já acumulara uma certa fortuna, podia dar-se ao luxo de manipular o arquétipo da mulher enigmática e de difícil alcance, fazendo vigorar somente seus caprichos de mulher-dama requintada e respeitada entre as classes dominantes da cidade. O pudor fazia parte do jogo no qual o mito se alimentava. Até no nome o mito instalara sua oficina de imagens dinâmicas (Gaston BACHELARD), suplantando as formas e permanecendo preso a determinadas estruturas do imaginário. Astuciosamente se fez conhecer por “Maria”, o antropônimo mais comum no universo feminino, genérico e pouco dado a divagações semióticas. Ironicamente é o nome da mãe de Jesus... Quem não tinha conhecimento no Estado de uma proprietária de um requintado lupanar, e que se chamava Maria, a Boa? O mito, da constituição do éter, era aspirado por todos, preenchendo necessidades, ocupando lugares no espírito, imprimindo fantasias nos adolescentes, despertando em jovens mulheres as aventuras da carne, engendrando adultérios imaginários. Integrava, assim, o patrimônio individual e coletivo. Era necessária a existência dessa cortesã, lacrada num paradoxal anonimato: todos sabiam da sua existência, entretanto, não era vista por quase ninguém. Consagrou-se, sem que fosse necessário conciliar-se em demasia com o modus vivendi, contrário à sua própria forma de ganhar a vida. Intuitivamente fez uso dos meandros por onde o mito escorre suas autônomas imagens. Sabia muito bem não ser necessário o factual para que o humano buscasse, mesmo sem vê-la, toda a lombra de uma imaginação das formas, suplantadas, de longe, pela supremacia da imaginação dinâmica.

Em suma, como responder a partir, de um dos mitos principais que compõem o imaginário da cidade do Natal, à pergunta feita na epígrafe deste artigo? Penso que o autor recifense da obra-prima, o romance A rainha dos cárceres da Grécia, nos dá a resposta: “O corpo é uma história: a do seu próprio curso”.

Leontino Filho: a saga e o segredo de urdir os restos do lirismo amoroso

Todo mundo sabe o quanto se tornou difícil, nos últimos tempos, o manuseio de textos artísticos que lancem seus vetores à tradição da literatura ocidental conhecida como lírica amorosa. As linhas de continuidade as quais se vinculam o discurso poético sobre o amor, pelo menos nos moldes como fomos acostumados a senti-lo/representá-lo, e também como é difundido pela mídia, parece ter atingido o seu fastígio com as transformações que o século XX ferrou nos relacionamentos interpessoais, coisa que me parece sem retorno e que também, de outra parte, não deve causar transtornos, malgrado o desvelamento de uma hipocrisia insistente produzida por um discurso advindo das classes dominantes eivado de Ideologia, possibilitador da reprodução do status quo favoráveis àqueles mesmos que desde sempre estiveram no poder.

O que eu quero dizer é que o poeta Leontino Filho, nascido em Aracati, antiga cidade do Ceará, vivendo desde muito na capitania do Rio Grande, ainda consegue retirar leite das pedras, dada sua capacidade de lidar com a linguagem, haja visto seu enorme talento de suplicar metáforas à Érato, sim, isso mesmo, uma rara faculdade de extrair delicadas epifanias sobre o amor e todos os afluentes temáticos que o entornam. Ou seja, ainda as possibilidades do que ficou conhecido e estabelecido, muita vez equivocadamente, com a rubrica lirismo amoroso. Reparemos um bom exemplo do que acima me refiro, encontrado no livro Sagrações ao meio (1993): antropofagicamente/reclamo as minhas sobras.

Com efeito, várias qualidades são encontradas na poesia de Leontino Filho, que se mostra, sóbria, madura, em rasgos de originalidade e lampejos semânticos, numa linguagem elíptica, elegante, manuseando discretamente o vocabulário regional, sobrepondo com habilidade os versos parataticamente uns sobre os outros, olvidando o enjambement, desprezando, porém deixando implícita, a gramática do vernáculo na consecução do signo poético. Bom mesmo é constatar o quanto o poeta se encontra em contemporânea vibração com os modos de sentir das gentes/mentes multifacetadas que perambulam nas vias do presente. Melhor ainda: saber – coisa tão sutil e complexa - articular através da palavra poética o empírico no qual estamos imersos, posto que, mesmo a gente sendo capaz de um distanciamento crítico, como pretendia o poeta Fernando Pessoa, não podemos nos esquivar dos discursos que proferimos, das representações que fazemos das coisas e sobretudo das que somos objetos. Enfim, para não se arrastar muito o que tanto a crítica tem buscado: o isomorfismo entre vida social e expressão estética.

Ora essa, tudo o aí dito só poderia se sustentar por meio de um discurso, no mínimo, diferenciado da prática poética démodé e em voga nas terras brasileiras, cuja palatabilidade ao poético nem sempre se encontra condizente com as formas de agir e sentir atuais. Era só o que faltava. Uma sociedade que detém em seu éthos apenas alguns vestígios do rural, visto que alguns teimam em se ligar ilusoriamente ao “torrão natal”, na qual pipocam fenômenos e gentes já com visão cosmopolita, gostos sofisticados no vestir e no se comportar, sexualidades cambiantes, cosmopolitismo expressado na indumentária e no comportamento, etc; mesmo que sejam uns poucos, permanecer atado a uma ruma de besteiras sobre formas de amar ou de representá-la é, antes de qualquer coisa, ridículo. A arte, como todo mundo sabe de cor e salteado, ao longo da história, sempre salpicou nos cacos encontrados nos monturos das vivências, individuais ou sociais, faces amplamente complexas e ambivalentes do real.

Falava mesmo de quê, eu? Sim, de forma. O poeta Leontino Filho não utiliza em seus versos a capitular maiúscula nem tampouco o ponto final, sugerindo uma dicção solta, moldada num ritmo bem particular. A sugestão que nos imprime é de certa liberdade de pensar, de sentir o seu desejo pelo objeto amado, sem censuras. De outra parte, o discurso poético de Leontino se instaura num registro lírico amoroso de natureza muitas vezes erótica, manifestando-se através de blocos alinhados, como sendo espécies de monólitos, gramaticalmente plasmados numa linguagem coloquial, e que contém qualquer coisa de oracular, tingindo a palavra poética com as forças atávicas de dizeres ressoando afirmações que muito o aproximam de uma vidência.

Na última sessão do livro, “Circulares” - temos a junção, a síntese de Sagrações ao meio, na medida em que as duas formas fixas manuseadas com elegância pelo autor, ao longo da obra, agora retornam numa única página, ou seja, a quintilha na parte superior e o terceto na parte inferior. Cinco e três: números cabalísticos. Os cinco sentidos para usufruir as benesses eróticas do corpo, expressas nos estádios naturais de toda e qualquer coisa: que nasce, que cresce, que morre: as cidades armam/vinganças quase perfeitas/resta o meu vôo.

Numa outra subdivisão do livro, “Vazantes”, avulta em contida dicção, um belo uso da linguagem regionalista, sem, contudo, fazer do seu uso uma espécie de orgulho por deter uma das variantes lingüísticas do português falado no Nordeste. É como se fosse assim uma coisa tão natural que o leitor nem se dá conta. Porém, ao se servir de um vocabulário inerente a uma região desde sempre representada no discurso oficial como algo a ser sempre, consciente ou não, depreciada, mesmo que seja apenas para aparecer diante do outro, num puro movimento de insegurança, ou seja, a tão batida história de perpetrar o contraste para escamotear o velho sentimento de inferioridade tão inerente à sociedade brasileira, sim, mas de tudo isso resta, o benfazejo serviço de decantar tal linguagem, obrigando os dicionários a codificar nos seus verbetes usos de um costume emanado de uma diferença. Todo mundo sabe o que Graciliano Ramos, ao fazer uso de palavras restritas a uma região, prestou ao vernáculo, enquanto sistema aberto, enriquecendo a língua ao manuseá-la na literatura, lugar já estabelecido como sendo o objeto de estudo de filólogos e interessados na linguagem.

Enfim, o tratamento literário dado pelo poeta Leontino Filho à temática do amor no livro Sagrações ao meio pode ser assim iconificado: despojamento lingüístico e profecia, a serviço de uma erótica refinada, bem de acordo com a maneira de vivenciar os relacionamentos interpessoais mais íntimos consoante as usanças nos últimos tempos.

Carlos Newton Júnior, poeta

Poeta bem menos cerebral e filosófico que Fernando Mendes Viana, mas não menos intenso e habilidoso, Carlos Newton Júnior, em Poeta em Londres (editora Bagaço), mantém suas linhas de força próximas (apesar do lirismo algo bandeirano) na dicção de João Cabral de Melo Neto e do cordel nordestino (as heranças ibéricas). Poeta de qualidades incomuns, também ficcionista e ensaísta, ele se inscreve na tradição com a simplicidade e a clareza de um clássico. Ritmicamente complexa, sua poesia ainda é marcada por um contraponto entre o popular e o erudito. Assim, no mesmo passo que explora a “estrofe sonora dos repentes”, realiza poemas em homenagens a Rimbaud (“a vida é breve, breve é o poema / e todo o seu mistério, breve ainda / o som que se articula junto às rimas / e o valor ilusório dessas gemas // em que puseste as mãos de ser maldito”) e a Eliot (“Na esquina dos poetas”, que sem favor algum está entre os mais belos poemas brasileiros do nosso tempo), à pintura de Canalleto e a uma alegoria de Bronzino, imagem que o remete a outras imagens, azul que o remete a outros azuis, ou seja, ao soneto famoso de Carlos Pena Filho.”

O Poema

O poema “Na Esquina dos Poetas” está no livro Poeta em Londres, editado pela Edições Bagaço, do Recife, em 2005, e lançado na Bienal Nacional do Livro de Natal do ano passado. É o oitavo livro (entre poesia, ficção e ensaio) de Carlos Newton, que tem apenas 40 anos de idade, é arquiteto, professor universitário (UFRN) com mestrado e doutorado em Literatura, citado em várias universidades do continente e com trabalhos publicados em revistas especializadas do Brasil e em antologias na Espanha e Portugal:

“Este,/cujos ossos estão sob os meus pés, / é T.S.Eliot, que foi poeta / nascido na América, londrino / de espírito, de corpo e coração. / Cantou como ninguém esta cidade / irreal, tão cinzenta, tão sem vida, / sob a fulva neblina da manhã. / Seus olhos, que deixaram o Mississipe, / já não existem sob a terra fria, / e assim os seus cabelos, os seus músculos / e tudo mais que nele se movia. / Foi mestre em seu ofício, mas aqui, / entre tumbas de reis e de rainhas, / onde as letras não valem mais que as armas, / restou-lhe tão-somente este pedaço / de chão para conter sua lembrança / e acomodar, quem sabe, os ossos gastos. // Aqui, / nesta chamada esquina dos poetas, / neste último sítio de encontros, / já não há mais intrigas literárias / e os poetas relaxam em sossego, / sem disputar os louros com seus versos. // Eis-me aqui, brasileiro neste inverno, // passando sob os arcos e vitrais, / sentindo frio entre essas pedras frias / (os ossos não transmitem mais calor) / enquanto espero que essa chuva passe. // Inda nem era abril, o mais cruel dos meses, / e a multidão fluía sobre a ponte: / entre tantos, os tantos japoneses / com suas filmadoras, suas câmeras, / querendo registrar o menor gesto, / o mais pequeno esgar de uma cidade / imóvel e habitada por fantasmas. // De um lado a outra dessa grande ponte / caminhavam, e eu também, sem pressa, / fluía a pensar em outros rios, / os rios de Recife e o Potengi. // Então eu ri pensando em Natal, / a Londres nordestina dos mitômanos, / em seus falsos poetas, seus jornais, / e ainda rindo eu fui até o metrô / e abandonei Westminster para sempre.”

(por André Siffrin in jornal Coluna de WM, do jornalista Woden Madruga, publicado no jornal TRIBUNA DO NORTE de domingo, 12 de março de 2006)

Isaías Ribeiro, artista plástico

Nasceu no Rio de Janeiro/RJ em 1964 e veio para Natal muito novo. Uma de suas primeiras incursões foi

pintar nus, trabalho ao qual se dedicou no final dos anos 80.

Hoje, investe na liberdade e na ironia determinada pela arte pop. Aqui, estamos no mundo da comunicação, da velocidade, da ironia, da história em quadrinhos, da segmentação de temas, objetos, situações e sentimentos.

O mundo, hoje, é um fragmento discursivo, um detalhamento tenso e poético onde o gráfico e o pictórico se complementam numa linguagem atual e instigante. Isaías fala de um mundo ainda sem forma, de uma idéia cuja concretude formal ainda não se estabelece.

Arruda Sales, artista plástico

José Antônio Arruda Sales nasceu em São José do Mipibú. Autodidata, seu trabalho era inspirado na literatura de Cordel. No início de sua carreira trabalhava com tinta acrílica, dando aos seus quadros um colorido forte e vibrante. Atualmente trabalha com cores chapadas e busca expressar em suas telas o sagrado e o profano.

Arruda já participou de varias exposições, foi o único potiguar a participar do Dicionário de Art Nais, livro que foi lançado na Itália e traduzido para quatro idiomas. Uma de suas telas encontra-se no Museu Trembje, na antiga Iugoslávia, país que reconheceu o trabalho do artista, condecorando-lhe com uma comenda.

"Arruda Sales penetra, num mundo que a maioria dos espectadores conhece apenas superficialmente, mas que ele, arguto observador da condição humana, conhece muito bem os travestis, ou melhor, as "Drag Queens" que caricatamente nos transporta para o imaginário dos palcos, onde as luzes ofuscantes não podem esconder os dramas de cada um. Não que o pintor tende a a esconder isso, com sua pintura alegre mais dramática. Ao contrário, ele trata seus personagens como se fosse saltimbancos soltos no picadeiro da vida, exuberantes, provocativos, transmitindo toda a gama de ilusão, para ele e para nós, do artista que cada um é em potencial. Homem vestido de mulher? E dai ? Não é uma tradição milenar? Por que então não captá- los pela pintura como o faz corretamente Arruda Sales?"

Carlos Alexandre, cantor e compositor

Foto: Ana Amaral/DN

Durante sua trajetória artística, Carlos Alexandre colecionou sucessos. Morreu no auge da carreira, num acidente automobilístico

Distante do centro urbano natalense, há 40 anos nascia a Cidade da Esperança. Como o próprio nome guarda em seu significado, surgia um aglomerado populacional que trazia consigo a fé, o desejo do lar, até pelo fato de ser uma experiência pioneira do modelo de moradia para a população de baixa renda. Naquele momento Natal recebia de presente o primeiro conjunto habitacional da América Latina. Conjunto que abrigou e ainda acolhe nomes que fizeram e a continuam construindo a trajetória da capital potiguar. Entre eles está Pedro Soares Bezerra, nome pouco conhecido do grande público, já que na vida artística ele era batizado como Carlos Alexandre, cantor que morreu em um acidente de carro em 1989.

Ídolo popular, ninguém poderia representar melhor o bairro. Carlos Alexandre era um retrato das pessoas de Cidade da Esperança. Humilde, simples, mesmo depois que alcançou o sucesso e passou a ter remunerações mais expressivas não trocou Natal pelo Sudeste, centro da arte e cultura do país, muito menos deixou o bairro que o recebeu quando ele saiu do município paraibano de Jacaraú, onde morava com a família que o adotou aos 2 anos de idade, e veio para a capital potiguar que lhe presenteou com os caminhos da carreira musical. Durante 10 anos ele morou na ‘‘Esperança’’, somente nos três últimos anos de vida fixou residência no Jardim América e depois na Zona Norte.

Sucesso

Nascido em Nova Cruz, ele alcançou o sucesso aos 21 anos, talvez tenha sido um dos norte-rio-grandenses que mais brilhou na música nacional. Deixou 200 composições gravadas em três compactos e 14 LPs (sendo dois LPs e quatro CDs uma homenagem póstuma feita pela gravadora RGE). Com esses trabalhos ganhou 15 discos de ouro e um de platina. Para se ter uma idéia da dimensão de seu sucesso, a viúva do cantor, Maria Solange de Melo Bezerra, 48 anos, até hoje, 17 anos depois de sua morte, sobrevive com os recursos provenientes dos direitos autorais que ainda recebe, ‘‘a música dele ainda é tocada e regravada. Em todo o Brasil se escuta Carlos Alexandre. Recebo direitos autorais até de rádios de Portugal’’.

Solange foi sua companheira durante toda a sua carreira e também a sua maior incentivadora. Eles se conheceram em 1976, quando Carlos Alexandre, aos 19 anos, veio para Natal fazer uma cirurgia e não mais voltou para Jacaraú, ficou morando e trabalhando com os irmãos de criação que eram comerciantes. ‘‘a casa do irmão dele ficava na rua da casa da minha mãe, na Cidade da Esperança. Ele trabalhava como vendedor na padaria de um dos irmãos. Nessa época já gostava de cantar, seus ídolos eram Elvis Presley, Roberto Carlos e Evaldo Braga. A noite ele ia para frente da minha casa e ficava cantando e tocando violão. Juntava muita gente’’, recorda-se Solange.

Relacionamento

Nessa época ele já estava interessado em namorá-la, mas Solange tinha um outro namorado. ‘‘Até que na virada do ano de 76 para 77 meu namorado não apareceu. No dia 1º de janeiro ele me disse que havia feito a música Arma de vingança para mim e nós começamos a namorar’’. Ela conta que aos poucos foi modificando as roupas, o cabelo e o jeito do namorado, como o intuito de levá-lo até a casa do então radialista Carlos Alberto de Sousa, ‘‘ aquele era um ano de campanha, Carlos Alberto ia ser candidato a vereador e gostava de ajudar muito aos pobres. Na primeira vez que fomos até a casa de carlos Alberto, Carlos Alexandre ficou nervoso. Insisti e fomos novamente até a Rádio Cabugi, onde Carlos Alberto tinha um programa. Lá ele cantou Canção de um paralítico e Arma de vingança. Carlos Alberto adorou e na hora já fizeram um trato, no qual Carlos Alexandre cantaria na campanha e se ele ganhasse, Carlos Alberto se comprometia a levar todos os artistas que o ajudaram para gravar um disco em São Paulo’’, afirma. Até então ele era conhecido como Pedrinho, passou a utilizar o nome artístico de Carlos Alexandre por sugestão de Solange, ‘‘eu tinha um afilhado com esse nome e achava lindo. Fiz a sugestão e ele gostou’’.

A campanha foi vitoriosa e o trato foi cumprido. Em janeiro de 1978 Carlos Alexandre junto com Gilliard, Edson Oliveira, entre outros artistas embarcaram para São Paulo, para gravar seus discos pela RGE. Carlos Alexandre gravou um compacto que vendeu R$ 100 mil cópias. O cantor foi então chamado pela RGE para gravar seu primeiro LP, ainda em 1978, Feiticeira, que o consagrou vendendo R$ 250 mil cópias. Esse disco também foi gravado em castelhano. Carlos Alexandre viajou o país com seus sucessos, Feiticeira, A ciganinha, Vá pra cadeia, entre tantos outros. Em algumas viagens Solange, que casou-se com o artista em fevereiro de 78, o acompanhava, ‘‘ia sempre quando ele ia gravar. Ele vinha para Natal para gastar o que ganhava fora. Dizia que Natal era a sua cidade, o lugar para descanso e para lazer’’, lembra.

Acidente

Para Solange o cantor era uma pessoa simples, amável, não guardava mágoa de ninguém e tinha muitos amigos. Ela ainda conta que o artista era um pouco namorador, mas logo justifica a atitude do marido, ‘‘também bonito e gostoso como era’’. Além de companheira, Solange ainda era a responsável por confeccionar as roupas de seus shows. Juntos eles tiveram três filhos: Germina de Melo Bezerra (através do nome da filha ele homenageou a sua mãe de criação), 27 anos; Carlos Alexandre de Melo Bezerra, 24 anos; e Carlos Adriano de Melo Bezerra, 21 anos. Hoje o filho do meio, que é conhecido como Carlos Alexandre Júnior, está seguindo os passou do pai e vem fazendo diversos shows pelo interior do Nordeste.

O cantor morreu em 30 de janeiro de 1989 em um acidente de carro entre São José de Campestre e Tangará, quando voltava de um show em Pesqueira, em Pernambuco. O velório ocorreu no ginásio de esportes de Cidade da Esperança e o enterro, que reuniu milhares de fãs foi no cemitério de Bom Pastor, no dia 31 de janeiro. Segundo matérias publicadas na época, ele foi sepultado ao som da multidão cantando Feiticeira. ‘‘Até hoje sinto muito a falta dele. Ainda guardo a camiseta suada que ele vestia antes de viajar. As últimas palavras que disse a ele foram: leve um pedaço do coração e deixe um pedaço do seu’’, recorda-se.

(texto publicado no jornal DIÁRIO DE NATAL em 12 de fevereiro de 2006, ocasião em que completou 17 anos da sua morte)

Principais músicas:

A Ciganinha

Arma de Vingança

Canção Do Paralítico

Cartão Postal

Encontro Por Telefone

Feiticeira

Final De Semana

Índia

Já Troquei Você Por Outra

Mulher Igual A Minha (Só Em Outra Geração)

Mulher Traiçoeira

Por Que Você Não Responde

Se Você Fosse Por Mim

Senhor Delegado

Sertaneja

Timidez

Vá Pra Cadeia

Letra da principal música de Carlos Alexandre.

Feiticeira

Feiticeira, feiticeira

Feiticeira é essa mulher

Que por ela gamei

Feiticeira, feiticeira

Eu não posso negar o feitiço

Que ela me fez

Eu vivia sozinho, sem ter um alguém

Para me consolar

Vivia sofrendo, tristonho da vida

Somente a chorar

Ela me apareceu

E com apenas um toque de sua magia

Acabou com a tristeza

Acabou com a tristeza

Me trazendo alegria

Feiticeira, feiticeira

Feiticeira é essa mulher

Que por ela gamei

Feiticeira, feiticeira

Eu não posso negar o feitiço

Que ela me fez.

Nadelson José Freire, fotógrafo

Nasceu em Natal em julho de 1936, estudou no colégio Marista e depois no Atheneu. É engenheiro formado pela Escola Politécnica da Universidade Católica de Pernambuco e casado com a artista plástica Nilzete Moura Freire.

Após a conclusão do curso de engenharia, teve sua primeira atividade profissional integrando a assessoria técnica do CED - Conselho estadual de Desenvolvimento, em 1961.

No mesmo ano, foi admitido como engenheiro do DER, Departamento de Estradas de Rodagem do Rio Grande do Norte.

A partir daí, ocupou diversos cargos na área der planejamento rodoviário até sua aposentadoria.

Nos anos de 1964 e 1965 ministrou aulas de desenho topográfico na ETFRN, atual CEFET.

Em 1970, foi aprovado em concurso público para professor da UFRN - Universidade Federal do Rio Grande do Norte.

Iniciou-se em fotografia aos 12 anos de idade, ainda nos tempos de fotos em preto e branco. Amante da natureza, ainda adolescente, graças às férias em cidades, praias e engenhos do interior, vindo em seguida, as viagens ao alto sertão de pernambuco, a serviço do Departamento de Açudagem, bem como as viagens proporcionadas pelo DER, a todas as regiões do nosso Estado, teve a oportunidade de fotografar paisagens, nascer e por do sol, marinhas, salinas, vegetação do semi-árido nordestino, açudes, cerâmicas, carros de bois e a decadência dos engenhos de açúcar.

A tudo isso, a oportunidade de conhecer grande parte do Brasil, bem como países europeus, norte, centro e sul americanos, veio a somar a experiência na arte de fotografar.

A partir daí, dedicou-se à natureza, fixando-se em fotografar flores, frutos, folhagens, árvores floridas e secas, troncos e raízes, utilizando-se das técnicas da macrofotografia, para utilização como modelos para pintura à óleo e aquarela pela sua esposa e os alunos do ateliê de artes plásticas do Espaço Cultural Claude Monet.

Implantou o arquivo fotográfico e elaborou dezenas de edições de material gráfico com as principais obras executadas pelo DER/RN.

Fotografias publicadas em livros:

- Natal que eu vi, Lauro Pinto, 1971

- Mulheres do sertão, Maria Conceição de Góes, 2001

- Neblina na vidraça, Anna Maria Cascudo Barreto, 2005

Premiações em concursos:

- Jornal A Ordem/Fotocine Clube do Rio Grande do Norte

- Museu do Açúcar - Recife/PE, 1970

- Premio Luciano Carneiro/Diário de Natal, 1971

- Secretaria de Educação e Cultura do Rio Grande do Norte, 1972

- Diário de Natal/Fuji - Secretaria Municipal de Turismo de Natal, 1976

- Revela Brasil/Yazigi Internacional, 1996

- Espaço Cultural Cascudinho, 1998

Mostras:

- Restaurante Xique-Xique

- Justiça Federal do Rio Grande do Norte

- Cemitério Morada da Paz

- Amoarte - Natal Shopping

- Infraero/Aeroporto Augusto Severo - Natal/RN

- Núcleo de Arte e Cultura da UFRN - Galeria Conviv'Arte

Carlos Fialho, escritor

Publicitário e jovem escritor, Carlos Fialho é o criador do projeto Jovens Escribas, que está conseguindo com que os novos escritores publiquem suas obras, discutam a entrada no mercado e viabilizem suas produções.

Carlos Fialho e o projeto Jovens Escribas:

"Quando eu estava escrevendo meu primeiro livro, percebi que não havia muitos escritores jovens por essas bandas."

Resolvi então pesquisar pelo Rio Grande do Norte se havia outros da minha idade, produzindo literatura. Descobri então, diversos autores, todos muito talentosos e produzindo literatura de qualidade em diferentes estilos.

Convidei então outros 3 escritores além de mim e combinamos de lançar uma coleção composta por um romance, um livro de crônicas, um livro de poesias e um livro de contos. Além disso, ficamos de dar continuidade ao projeto e lançar uma edição com uma coletânea de autores locais, incentivar outros jovens a também publicarem e diversos outros projetos que pretendemos viabilizar.

Nascia assim, em 2004, o Projeto Jovens Escribas e o seu primeiro lançamento "Verão Veraneio - Crônicas de uma Cidade Ensolarada", foi o livro de estréia.

Agora, em 2006, dois anos depois, temos nosso projeto aprovado na Lei Djalma Maranhão e o patrocínio da Art&C. Com isso, está sendo possível a publicação de nossa coleção: Em janeiro, lançamos o romance "Lítio" de Patrício Júnior; em fevereiro sai "É Tudo Mentira! Histórias Inverídicas de um Autor Falso e Fingido.", crônicas de Carlos Fialho; em março é a vez dos "Contos Bregas" de Thiago de Góes; e em Abril, publicaremos "Escolha o Título" com as poesias de Daniel Minchoni.

É tudo mentira!

"É Tudo Mentira! - Histórias inverídicas de um autor falso e fingido".

Crônicas de humor cotidianas, divertidas e, em muitos momentos, hilariantes. "É Tudo Mentira!" narra as situações mais absurdamente inusitadas que se possa imaginar. Personagens loucos, desajustados, neuróticos, canalhas e inescrupilosos, capazes de tudo para divertir os leitores.

A orelha do livro Verão, Veraneio, é de Nei Leandro de Castro:

De repente, este verão

O cronista registra o seu tempo como um fotógrafo. E entre os dois há outra afinidade: o cronista, como o fotógrafo, corre o risco de ser injustiçado, de ser pouco lembrado pela posteridade.

Claro que há que fotógrafos que se imortalizam com suas câmeras, sua sensibilidade, seus registros de paisagens, rostos, acontecimentos. Mas o êxito de um Robert Capra, um Cartier-Bresson, um Sebastião Salgado deve equivaler ao esquecimento de milhares de bons profissionais.

Na literatura, cronistas como Rubem Braga e Paulo Mendes Campos, para citar apenas dois grandes exemplos, ainda são incluídos no nosso registro, fazem parte da nossa lembrança, mas com uma freqüência que vai rareando à medida que o tempo passa.

Por que então os cronistas ainda teimam em queimar neurônios para nos oferecer – com mais ou menos brilho – o resultado de sua ingrata tarefa? Claro que as publicações diárias ou semanais estimulam essa prática, assim como tornam obrigatória a profissão do fotógrafo.

E por que, pergunto, um jovem autor resolve publicar suas crônicas que vêm sendo escritas há alguns anos?
Carlos Fialho, respondendo ou não a minha pergunta, me surpreende. Primeiro, por sua precocidade. Segundo, porque as suas crônicas são bem escritas, docemente sacanas, inteligentes, e nos dá a certeza de um escritor, que não há de ficar nos limites da crônica.

Os textos deste livro têm a idade e a linguagem de um garotão bem resolvido com ele mesmo. Os temas – gírias regionais, porres, rock, vídeo-game, paqueras, Natal, cinema, carnatais, carnavais, etc. – são tratados com graça e ironia, leveza e fino senso de humor.

Ao fim da leitura de Verão veraneio, eu pensei: mais cedo ou mais tarde, Carlos vai tentar o romance. Em seguida, ele me confirmaria: nos seus planos há lugar para tentativas de ficção. Parodiando o mestre Guimarães Rosa, eu lembraria que escrever um romance é muito dificultoso. É preciso uma disciplina de monge com soldado prussiano. É preciso conviver com certos personagens que se rebelam e não vão para onde os seus criadores mandam. É preciso saber que mais difícil do que concluir um romance é encontrar uma boa editora. Mas, acima de tudo, é preciso tentar.

Carlos Fialho, cronista, precoce, publicitário, devorador de livros, autor das crônicas deliciosas deste Verão veraneio, vai chegar lá. Esse garoto vai longe.

Natal, julho de 2003.

Textos de Carlos Fialho:

Galado

Morar longe de Natal nos faz sentir saudades de muitas coisas. Saudades da família, das gatations, dos amigos( principalmente dos canalhas, patifes e vigaristas), das praias (Pirangi, Ponta Negra, Redinha, Pipa), da Ribeira, das cachaças e tudo mais. Porém, tem uma coisa da qual tenho saudades mais do que tudo. Tem um detalhezinho que nos faz uma falta imensa: falar galado.

Falar galado nos faz sentir mais natalenses. É como se redescobríssemos nossas raízes cada vez que dizemos tão nobre palavra do nosso vocabulário regional. Aliás, galado é só nossa. Um natalense que nunca falou galado não é digno de confiança. Não o chame para almoçar na sua casa e, em hipótese alguma, deixe este enganador sair com sua filha. Os cariocas não falam galado. Isto é, em lugar nenhum do mundo além da grande Natal se fala galado. Se você sair daí e cumprimentar alguém com um singelo e bem intencionado “Digaí, galado”, invariavelmente ouvirá um “Como é que é rapá?” como resposta. Eles simplesmente não compreendem a beleza etimológica que define nossa identidade de natalenses.
Aliás, na entrada de Natal deveria haver uma placa com os dizeres “Bem-vindos, Galados”. Os grandes cidadãos natalenses receberiam a condecoração da “Ordem dos Galados” e os poetas potiguares escreveriam odes a este belo vocábulo.

Muito antes de toda esta celeuma em torno de remédios genéricos, nós já tínhamos inventado a primeira palavra genérica da língua portuguesa com conotações positivas e negativas, agradáveis e desagradáveis. Galado combina com tudo:

Para dar parabéns.

-Ei, hoje é meu aniversário.

-Parabéns, galado.

Para definir algo ruim.

-Como é que foi o jogo de society?

-Foi a pelada mais galada que eu já joguei.

Para denunciar um canalha.

-Aquele cara é legal?

-Não. Na verdade é um galado.

Ou o contrário.

-Aquele cara é legal?

-É. Ele é muito engraçado. É um galado.

Grandes teses seriam escritas por historiadores locais sobre a importância da palavra galado na construção da sociedade num contexto geopolítico do pós-guerra. Os lingüistas potiguares abordariam todas as variantes do termo e o impacto sobre o nosso vocabulário.

Galado é uma dessas palavras que nos dá prazer de falar. É quase indescritível. Só sabe quem já falou. Ah, como é bom falar galado! É uma palavra tão... tão... Sei lá, tipo, galada mesmo.

Verão veraneio

Está chegando o Verão. A melhor época do ano. É tempo de ir à praia, de deixar de lado os afazeres, de tomar muita cerveja, de comer ginga com tapioca e de esquecer de como se liga um computador, deixando deliberadamente centenas de e-mails sem resposta. Você volta a praticar esportes de cujas regras já nem recorda direito, como frescobol ou comer caranguejo. É perto do Verão que você lembra daqueles seus amigos que estão prestando vestibular, pois não quer nem saber de ficar de fora do circuito de churrascos. O veraneio começa oficialmente com o reveillon, que todo mundo passa em Pipa, e só termina quando a população de Natal volta do carnaval de Olinda. É um período curto de mais ou menos dois meses, mas tanta coisa acontece nessa época que parece bem mais. É uma verdadeira instituição em nossa cidade. Um período sagrado como o Ramadã para os muçulmanos ou a greve para os professores universitários.

O ponto de partida para esta época do ano já revela seu caráter mais que insólito. A virada de ano já é por si só um acontecimento. Você não quer perder nada da curtição em Pipa, então aluga uma casa por 5 dias para poder aproveitar o antes, o durante, e o depois, com direito às noites na “Calango’s” e a queima de fogos à beira mar. Contando assim parece uma maravilha, mas faltou dizer que a casa que você alugou não passa de um quarto pobremente equipado com cozinha e banheiro no qual mal cabem 6 pessoas, mas que você terá que dividir com outras 15, entre elas 5 mulheres com TPM que gritam o tempo todo. No banheiro falta água, a comida acaba no primeiro dia (inclusive os 273 pacotes de Miojo) e a única cama da casa fica em frente a um quadro de um homem nu pintado na Praia do amor e você, por motivos óbvios, se recusa a dormir nela. Com isso resta-lhe uma rede na área. Pelo menos é ventilado, você pensa. Só que a casa é tão escondida que o vento não consegue chegar. As muriçocas, no entanto, comparecem em peso e trabalham a noite toda. Elas trocam de turno com as moscas que pegam no batente de manhã bem cedo, transformando o rotineiro ato de dormir numa missão mais difícil que a Odisséia de Ulisses.

Ah, mas sempre tem a noite de Pipa. Delícias gastronômicas, muita bebida, agito e mulheres doidinhas para te dar. A comida fica caríssima nessa época, assim como a bebida e a entrada das boates. As mulheres são em sua maioria patrícias que não te darão a menor bola porque você não tem um Vitara com um super-som, não luta Jiu-Jitsu nem é diretor de bloco de Carnatal. Quando chegar a hora de ir embora você está uma pilha de nervos e tem a certeza de que nada pode piorar seu humor. É aí que você abre o porta-luvas do carro e lembra-se que trouxe dezenas de camisinhas mas acabou não usando nenhuma. Mesmo assim, no ano seguinte você será o primeiro a se entusiasmar em vir a Pipa no reveillon. “Mas com a condição que aluguemos a mesma casa e com a mesma galera. Ano passado foi bom demais!”

O veraneio é a melhor época para se paquerar. Por isso a maioria dos casais que termina seus namoros o faz antes ou durante o veraneio. São índices altíssimos comparados apenas aos obtidos às vésperas do Carnatal. Qualquer coisa é motivo para acabar o namoro.

- Amanda, não vou mais para o show do Falamansa com você. Vai ter Planet Hemp na Ribeira e é pra lá que eu vou.

- Tudo bem, não tem problema.

- Como assim não tem problema? Nós estamos combinando ir para o forró faz duas semanas. Eu não posso mudar os planos assim de uma hora para outra. Isso seria uma cafajestagem com você.

- Ah, mas não tem nada. Se você quer mesmo ir pro outro, vamos.

- Não. Não está certo. Eu não vou permitir que alguém aja com tanta desconsideração com você. Mesmo que esse alguém seja eu. Eu entendo que você queira acabar o nosso namoro.

- Mas, mas eu não...

- Eu vou sofrer, mas vou entender. Você está certíssima. Eu não mereço uma jóia como você. Não agindo dessa forma.

- Mas...

- Vou para a praia tentar me recuperar. Fui.

Todas as praias ficam cheias, se transformando no ambiente perfeito para conhecer as gatations. Sempre existem aqueles que, apesar de estarem veraneando em suas casas de praia, se recusam a chegar perto do mar por temerem que suas protuberantes “barrigas de chope” acabem com suas reputações, tirando deles qualquer chance com as gostosas da praia. Ah, as mulheres também têm problemas parecidos, mas no caso delas a grande vilã se chama celulite e não é causada pelos chopes, e sim, segundo os cientistas, pelas caipirinhas, tangeroskas e Kapetas.

Para esses grupos que não paqueram durante o dia há os shows que pipocam nesta época do ano, e os chamados points noturnos. Estes são barzinhos ou até sorveterias nas quais se pode encontrar lindas garotas de 12 anos, ficar puto e voltar pra casa revoltado com toda aquela pirralhada na sua praia. Porém nem tudo está perdido e o bom malandro sempre encontra as gatations e musas. Pois é, todo veraneio que se preze tem que ter uma musa. Existem certas exigências para a escolha. A musa tem que veranear na mesma praia que você e deve ser escolhida por uma comissão de amigos incumbidos da missão de fazer justiça à mais formosa e linda garota da área.

- Bem, vamos começar a votação. Eu voto na morena que tem a casa em frente ao cajueiro.

- Eu voto na galeguinha Shirley.

- Eu voto em Luanda.

- Essa não vale. Veraneia em Tabatinga.

- Mas está sempre por aqui.

- Não interessa. Escolhe outra.

- Tá bom. A galeguinha Shirley, então.

- Galeguinha Shirley.

- Galeguinha Shirley.

- Ok, Galeguinha Shirley escolhida a musa do Verão 2002 por 4 votos a 1.

Outra regra importante sobre as musas é que elas devem ser inacessíveis. Musas foram feitas para serem admiradas, não paqueradas. É proibido ser apresentado e inadmissível que se “chegue junto” de uma. Certa vez, o Aldenir quase foi expulso da turma por ter ficado com uma potencial musa. Seu argumento, porém, foi bastante convincente.

- Vocês votariam numa musa que tem coragem de ficar com um de nós?! Francamente!

Contudo, todo este clima de azaração não significa que você tenha que namorar a primeira gatation que caia na sua conversa mole. Começar um namoro em pleno veraneio é como ir a um aniversário e recusar-se a comer coxinha de camarão, casquinho de siri, brigadeiro e até mesmo o bolo, por manter-se fiel à empada. Não que isso seja pecado ou contra a lei, mas há os que sustentem que deveria ser. O governo poderia muito bem assinar um decreto proibindo o início de namoros do começo do ano até o carnaval. Apenas casais que já namorassem no mínimo dois meses anteriores a esse período poderiam continuar juntos. E mesmo assim receberiam incentivos para dar um tempo durante o veraneio. Medidas como essas impulsionariam o turismo no RN, pois, estando cheio de solteiros, o estado ficaria bem mais animado e a população mais disposta e saudável.

Bem, mas o fato é que as autoridades não tomaram nenhuma providência a esse respeito e você, idiota como é, resolve começar a namorar justamente agora. E para piorar a situação, a menina tem casa na mesma praia que você e vai fazer marcação cerrada. Vocês caminham juntos na praia à noite. Ela olha para cima admirando as estrelas. Você olha para baixo procurando um banco de areia qualquer para deitarem e se atracarem o quanto antes. Ela suspira e pensa como é ótimo estar com o amado à luz do luar naquele cenário maravilhoso. Você pensa nas camisinhas (as mesmas que não usou em Pipa) e se dá conta de que as esqueceu em casa. Neste momento passa uma estrela cadente no céu. Ela: - Que lindo! Você: - Que merda!

Casais de namorados durante o veraneio são adeptos das mais ousadas e insanas aventuras. Eles se juntam a um grupo de amigos e lançam-se em impensáveis desafios de War, Imagem e ação e Perfil. O War por exemplo, exige nervos de aço. São momentos de muita tensão e puro stress que têm início quando os participantes se desentendem a respeito das cores dos seus exércitos favoritos e prossegue com discussões coléricas nas quais os jogadores, com dedos em riste, acusam-se mutuamente de estarem roubando no jogo. Já ouvi falar de um rapaz que tentou estrangular um amigo de infância por causa de uma distração.

- Os dados amarelos são pra defender! Entendeu?! Pra defender, porra!

- Argh... Gasp... So... Socorro!

O jogo invariavelmente acaba quando um dos jogadores, furioso por estar perdendo, arremessa o tabuleiro pelos ares e acusa todos de estarem conspirando contra ele. Mas não sem antes que alguém deixe cair no chão a sua caixinha de exércitos, espalhando peçinhas coloridas por todo o ambiente e matando o Yorkshire Terrier da dona da casa que morrerá engasgado com uma peça de dez exércitos. Como se vê, os jogos de tabuleiros são os esportes mais radicais do verão.

Um pouco menos arriscadas, mas igualmente emocionantes são as peladas na praia. Sem trocadilho, por favor. Refiro-me às informais disputas de boleiros a beira mar. Toda praia tem dois times tradicionais. Um é composto por veranistas. Estes utilizam uma bola dente de leite, traves de madeira ou canos e seguem regras próprias em suas peladas como escanteios, faltas, impedimentos, tempo técnico, arremessos laterais e uniformes oficiais. O outro time é o dos pescadores. Eles preferem um estilo de futebol mais simples, sem faltas, com 4 cocos substituindo as traves e mais um no lugar da bola. Na equipe dos pescadores sempre tem um zagueiro chamado Pedrão que tem como função garantir que os adversários acabem sem pernas (literalmente) a partida. Quando os dois times se enfrentam o saldo é sempre o mesmo. Placar de 10 x 0 para os pescadores, 4 veranistas com hematomas nas pernas, 1 com uma estranha pegada roxa do Pedrão na altura das costelas e um outro com o pé fraturado por ter tentado chutar a “bola”. Os derrotados prometem revanche para a tarde seguinte, mas em geral não conseguem chegar perto de Pedrão e sua turma e passam o resto do veraneio escondidos atrás de seus Rai-bans ou dentro de suas Pajeros.

Mas o esporte mais popular do verão ainda é o levantamento de copo. Ele ocorre nos mais diversos ambientes e circunstâncias, desde as simples barracas na praia aos sofisticados e caros bares nas avenidas; dos churrascos festivos aos quais você não foi convidado mas comparece mesmo assim, aos luais com violões e tochas acesas em mansões perto do mar aos quais você também não foi convidado mas também comparece. As modalidades então, são inúmeras e atendem a todos os gostos. Cana quando se tem pouco dinheiro, uísque quando se consegue entrar num lual chique, e cerveja, muita cerveja. Heineken no Circo da Folia, Bohemia na Blackmonday e todas as marcas nos churrascos. A pratica desse esporte acompanhada da dieta adequada proporciona um grande desenvolvimento do pânceps e do búcheps.

É no veraneio que você costuma receber uma grande quantidade de parentes de segundo, terceiro e quarto graus. Gente que você nunca ouviu falar, mas que chega inconvenientemente para ocupar vários cômodos da sua casa. Uma família formada por um casal, quatro filhos buchudinhos e chorões, uma babá, um cunhado e um papagaio que fica o tempo todo assobiando o hino nacional. Eles insistem que você os acompanhe nos principais pontos turísticos da cidade. Querem conhecer de tudo. Fazem questão de ouvir as explicações de Tom do Cajueiro e seus comparsas sobre a ilustre árvore, passear de buggy nas dunas de Genipabu (com emoção), parar no mirante dos golfinhos até verem um (fato que pode demorar dias) e conhecer os agitos “bacanas” da cidade como o Zás-Trás e o Forró com Turista. É a morte.

Por fim chega o carnaval. É hora de partir para a convidativa e sossegada Olinda. Terra de um povo simpático como “Seu Lunga” e vizinha de Recife, onde os esgotos a céu aberto renderam-lhe a alcunha de Veneza brasileira. Olinda exige uma cuidadosa preparação. Você finalmente acaba o namoro que havia começado no veraneio, compra uma fantasia para sair às ruas e aluga uma casa na parte mais movimentada. É claro que você trouxe muitas camisinhas (aquelas de Pipa, lembra?) e espera finalmente usá-las depois de muito tentar. Porém, você acaba o carnaval exausto, queimado de Sol, sem dinheiro (foi assaltado), sem ter comido ninguém e ainda vê sua ex-namorada semi-nua sendo carregada por um homem-aranha, um Bin Laden e um smurf para dentro de uma casa aos gritos de “Comida! Comida!”. E olhe que ela não parecia exatamente contrariada.

Quando você se dá conta o veraneio finalmente acabou. Você já pode começar a trabalhar e cuidar dos afazeres deixados de lado. É tempo de abrir a caixa de e-mails, revelar as fotos e voltar a ter uma vida normal. Ginga com tapioca e caranguejos só muito de vez em quando. Luais, churrascos de vestibular, peladas com pescadores, visitas de parentes, jogos de War, shows no Circo da Folia ou Blackmonday, só no próximo verão. É ou não é a melhor estação do ano?

Karlos Koolidje, fotógrafo

Erasmo Xavier, cartunista

Então arte é reproduzir servilmente o que vemos?

Desenhar é comparar?

Claro que não. Arte é agressão, é arrojo.

Erasmo Xavier, 1929.

Erasmo Xavier nasceu em Natal, no Rio Grande do Norte, em 1904. Era filho do artífice Joaquim de Paula Filho e Alice Xavier de Paula. Ainda menino, após a separação dos pais, seguiu para o Rio de Janeiro. Aí viveu até voltar para sua terra natal para tratamento, após ser acometido de tuberculose.

Na juventude teve o privilégio de vivenciar a efervescência da Semana de Arte Moderna de 1922, movimento que marcou a ruptura do domínio estético europeu sobre a cultura brasileira. Erasmo teria começado suas atividades artístiticas profissionais como cenógrafo, no Atelier Raul de Castro, que funcionava no galpão do Teatro Recreio, fazendo cenários para a Companhia de Manoel Pinto.

Mas Erasmo desenvolvia várias outras atividades. Ele foi, além de cenógrafo, fotógrafo, chargista, ilustrador, caricaturista, cartazista e articulista.

Com o seu talento em evidência logo Erasmo chegou a colaborar com as mais respeitadas revistas da época, tais como: O Malho, Fon-Fon, Careta e Tico-Tico, ao lado de gigantes da caricatura brasileira como J. Carlos e Raul Pederneiras.

Fica evidente, por sinal, a influência do estilo destes grandes mestres em sua obra. Traços limpos e bem definidos, contrastes acentuados, e elegância na composição do desenho.

A Cigarra

A Cigarra foi uma revista que, apesar de ter uma vida curta com seus cinco números publicados, marcou época na imprensa do Rio Grande do Norte, tratando de temas como literatura, música, cinema, esportes e sociedade. Nela, Erasmo teve a oportunidade de imprimir seu estilo modernista, como define Anchieta Fernandes, em Quadrinistas Potiguares (1973):

"Com Adriel Lopes ele viria a dar uma feição satisfatoriamente modernista à Cigarra, fazendo capas à la Tarsila do Amaral e caricaturas a la Di Cavalcanti, sem deixar de incorporar contribuições próprias de estilo à formação do coeficiente gráfico do traço caricatural na imprensa do nosso Estado. (...) Se salientar que, no meio das ilustrações daquele tempo, cheias de vinhetas ornamentais cercando até mesmo as fotografias, Erasmo se destacava pelas tonalidades fortes renovadoras, massas de contrastes do claro-escuro a marcarem os rostos caricaturado de personalidades conhecidas na cidade".

Na opinião abalizada de Anchieta, Erasmo teria todas as condições de realizar excelentes histórias em quadrinhos, dada a sua capacidade de compor cenas, como pode ser visto em suas ilustrações:
"Uma sua ilustração para Poemas de Engenho - um poema de Jayme Wanderley publicado no Nº 2 da Cigarra - dá bem a idéia de como ele teria se tornado um ótimo criador de um clima para histórias em quadrinizadas situadas no Nordeste, se àquelas alturas a nossa imprensa ilustrada contasse com uma equipe decidida como o GRUPEHQ (Grupo de Pesquisa de Histórias em Quadrinhos). E se tomou para a primeira capa da Cigarra o tema aeronáutico, teria tido também facilidade em seguir rumos de narrativa quadrinizada se tivesse conhecido a série de histórias em quadrinhos à que o impulso da aeronáutica deu origem na Itália, ou sos heróis aviadores que nasceriam e se multiplicariam nos anos seguintes, sempre baseados em heróis verdadeiros de provas aviatórias reais".

Charles Chaplin no traço elegante de Erasmo Xavier

Infelizmente Erasmo morreu muito jovem. A tuberculose, a temida "peste branca", ainda sem cura naquela época, interrompeu sua brilhante carreira. Erasmo morreu em 23 de abril de 1930, entretanto, sua obra está devidamente registrada, embora não plenamente reconhecida, e o seu pouco tempo de vida serve, contudo, para ressaltar a grandeza do seu talento que, nos seus quase 26 anos de existência, foi demonstrado de forma mais do que suficiente.

Textos publicados no site do chargista Ivan Cabral

A seguir, reportagem publicada na revista Preá por ocasião do centenário de nascimento de Erasmo Xavier.

O centenário de um precursor

Quinze anos depois de ter escrito “Erasmo Xavier – O elogio da loucura”, pela Editora Clima, a jornalista Rejane Cardoso não tinha mais praticamente nenhuma esperança de recuperar alguma peça ou documento do acervo de Erasmo Xavier de Paula, artista plástico, cenógrafo, caricaturista, ilustrador e fotógrafo amador, que em outubro deste ano completará cem anos de nascimento.

Ilustração publicada em “O Malho”; A noiva Áurea; Erasmo Xavier; e Mário de Andrade

Em agosto, quando já começara a pensar numa exposição em Natal, para marcar a passagem do centenário de Erasmo, o acaso colocou na sua frente, numa feirinha de antiguidades, na Praça Benedito Calixto, em São Paulo, a revista “O Cruzeiro”, nº 16, de 1933, cuja capa é assinada pelo artista plástico potiguar. Erasmo Xavier não pôde ver essa capa impressa. Estava morto desde abril de 1930. Viveu pouco, mas intensamente. E o seu legado não se perdeu graças à tenacidade e paixão da sobrinha Rejane Cardoso, que com ajuda de amigos e parentes recuperou não apenas parte do acervo, mas, principalmente, a história fascinante e trágica deste que pode ser considerado, na opinião do jornalista Vicente Serejo, o pioneiro da arte moderna no Rio Grande do Norte.

Segundo Rejane, a primeira pessoa que teve faro jornalístico para perceber a importância de Erasmo Xavier, foi o marido (Vicente Serejo). Ela conta que no início da década de 70, o tio Otacílio Cardoso descobriu alguns artigos assinados pelo artista plástico no jornal “A República”. Entusiasmada com a descoberta, começou a busca por originais de desenhos, fotos e manteve conversas com quem o conheceu.

Em 1986, foi ao Rio de Janeiro pesquisar na Biblioteca Nacional. “Só na sexta-feira, último dia programado para a busca, depois de ter passado página por página (umas dez mil) das quatro revistas dos anos 28, 29 e 30, é que encontro duas charges assinadas claramente, na revista ‘O Malho’. Só não chorei com vergonha da bibliotecária! Junto com alguns desenhos encontrados na mala que vovó (a mãe de Erasmo, Alice Xavier de Paula) guardava debaixo da cama, começamos a ir montando o quebracabeça”, relembra Rejane.

O quebra-cabeça montado resultaria no livro “Erasmo Xavier – O elogio do Delírio”, relato instigante, recheado de substancial iconografi a, sobre a curta e aventurosa vida de Erasmo, um homem sempre bem humorado, elegante, irreverente e boêmio que só bebia leite.

Erasmo Xavier de Paula nasceu em 31 de outubro de 1904, na Av. Rio Branco, na Ribeira, filho de Joaquim de Paula Filho e Alice Xavier de Paula. Foi o primeiro de quatro filhos. Iniciou os estudos no Grupo Escolar Augusto Severo, onde foi contemporâneo do expresidente da República Café Filho. Por volta de 1917, partiu para o Rio de Janeiro, para estudar interno. Nos anos em que passa no Rio, trabalhou, em 1922, na grande exposição que comemorou os cem anos de independência; Encenou o préstito dos “Pierrots da Caverna” (sociedade carnavalesca); participou da encenação de “Bonecas da Avenida”, no Teatro Recreio; excursionou com a Companhia de Teatro e Teéris Tan-Tan; Colaborou nas revistas “O Malho”, onde publica charges de página inteira, “Fon-Fon”, “Careta” e “Tico- Tico”. Foi amigo do grande caricaturista J. Carlos, com quem trabalhou em “O Malho”.

Em 1928, chega em Natal para se cuidar de uma tendência para a tuberculose, por recomendação do doutor Clementino Fraga. Inicia colaboração para a revista “A Cigarra”, que seria lançada em novembro daquele ano por Adherbal França, mesmo mês e ano de lançamento de “O Cruzeiro”. A Cigarra durou apenas cinco números e tinha seus clichês feitos no Rio e em São Paulo. Ele fez as capas de todos os cincos números e a maior parte das ilustrações. Escreveu também artigos e um conto “O Agente nº 192”. Em 1929, ornamentou o Aero Clube de Natal para o carnaval, com o tema “A caverna de mephistófeles”.

Por coincidência, 1928 é o ano em que o escritor modernista paulista Mário de Andrade visita o Rio Grande do Norte, tendo como cicerone Luís da Câmara Cascudo. Tanto Rejane quanto Serejo acreditam que houve contatos entre Mário de Andrade e Erasmo Xavier. As fotos são uma evidência. O potiguar tira fotos de Mário na visita que este fez as ruínas do engenho de Cunhaú. Numa das fotos, Mário aparece ao lado do crítico Antônio Bento. Erasmo também faz um retrato de Mário, em nankin sobre papel, de 27,2x23,9 cm. Esse encontro, na opinião de Serejo, gerou uma influência na formação da personalidade artística de Erasmo, voltada para o Modernismo.

“Erasmo Xavier é uma figura intrigante dentro do que poderíamos chamar ‘um estado de espírito modernista’, advindo das aspirações da Semana de 22”, ressaltou o crítico Marcos Antônio de Moraes, em artigo publicado no jornal O Estado de São Paulo, em fevereiro de 1991. Ainda segundo o crítico, a produção de Erasmo em “O Malho”, “A Cigarra” e no jornal “A República”, “mostra um espectador crítico e interessado nas inovações que o teatro ia assimilando”.

“Espírito modernista” esse entranhado tanto na obra quanto na vida cotidiana de Erasmo, como bem provam o uso do gramaphone e da máquina fotográfica, objetos que simbolizavam, no início do século passado, a modernidade por excelência.

Visionário, em artigo publicado em 1929, em “A República”, com o título “Anúncio é dinheiro”, destaca a importância do cartaz para a publicidade e decreta: “Hoje, por assim dizer, a fórmula ‘tempo é dinheiro’ podia ser substituída por esta outra: ‘anúncio é dinheiro’.

No Rio, também trabalhava para casas comerciais como a Mesbla, na época natalina, fazendo desenhos de Papai Noel. Para Vicente Serejo, Erasmo bem que poderia ser o patrono da publicidade potiguar. Outros artigos como “Teatro é cenografia”, “Teatro nacional”, “A cenografia e o teatro moderno”, mostram um artista antenado com a vanguarda. “Arte é agressão, é arrojo”, decreta em um dos seus textos.

O perfil que o irmão Genival Xavier traçou de Erasmo coincide com os relatos dos contemporâneos e as fotos deixadas pelo artista plástico: “Erasmo era um tipo alto, moreno, de olhos negros, comunicativo. Vestia-se elegantemente (paletó e chapéu palheta) e torcia pelo Botafogo. No Rio tinha uma vitrola e gostava de música popular brasileira. Gostava de ser fotografado e de fotografar sua noiva Áurea e seus amigos. Tinha uma máquina caixão 6x6 e mais adiante uma kodak fole 33mm. No dia 25 de março de 1930, às 16 horas, o caricaturista partia do Rio de Janeiro para fazer sua última viagem para o Norte. Sua partida foi de navio, embarcou no armazém nº 12. Estavam presentes sua noiva Áurea, sua irmã Eymar com seu esposo Paulino Ribeiro, Raul de Castro, o poeta e escritor Olegário Mariano e eu. Foi uma partida triste. Suas últimas palavras foram: ‘Breve eu volto’. Deu um beijo na noiva e pouco depois o navio partia”.

Jamais voltaria. Viria a falecer em Natal, de tuberculose, em 23 de abril de 1930, menos de um mês depois de ter deixado o Rio de Janeiro, aos 26 anos incompletos. “Erasmo Xavier, que desapareceu tão prematuramente na madrugada de ontem, era uma das mais lindas esperanças da arte norte-rio-grandense”, registrou nota publicada em “A República”, em 24 de abril de 1930. O que era absolutamente verdadeiro.

Em maio de 1948, Câmara Cascudo resgata, em uma de suas “Acta Diurna”, que publicamos na íntegra, a grande figura humana e artística que foi Erasmo Xavier.

Acta Diurna

Câmara Cascudo

(Especial para o Diário de Natal – 4 de maio de 1948)

Há dezoito anos passados falecia nesta cidade do Natal um jovem desenhista de talento, Erasmo Xavier de Paula. Lembro muito desse desenhista de grandes olhos negros, vivaz, lépido, alegre como uma andorinha, cheio de sonhos e de planos, andando depressa, sempre armado com sua “kodak”, batendo “instantâneos”, encantado com a vida, com a luz, com a natureza.

Adherbal de França dirigia uma revista elegante, “A Cigarra”, que voou e cantou cinco vezes em 1929. Era cheia de fotografias, os contos e colaborações ilustradas. Cada número teve capa exterior com alegoria onde vivem elementos da paisagem ambiente, sugestiva, leve, original. Todos esses desenhos eram de Erasmo Xavier.

No Rio de Janeiro trabalhava para os jornais e revistas, tendo não apenas mercado para a sua produção, mas a simpatia e admiração e procura dos editores.

Tinha um traço fino, airoso, de suprema elegância, com um alto senso decorativo e ornamental. Era um sabedor de equilíbrio e da ciência da cor. Sabia colorir, combinando, ajustando os efeitos, contrastes, complementos, antagonismos.

Adoecendo, Erasmo veio para Natal, descansar, retemperar-se, trabalhar num ritmo menos vivo. Adherbal de França ensaiava “A Cigarra”. Erasmo ficou imediatamente solidário. Foi o ilustrador dessa linda revista, ilustrador dedicado, teimoso no auxílio enamorado da tarefa que escolhera.

Num Carnaval encarregou-se do salão do Aero Clube e encantou-o. Pela inspiração modernista, pelo arrojo das cores, pela disposição das massas, pelo inusitado do conjunto, o trabalho era magistral. Ninguém o superou. Mas o desenhista, decorador, viveu depressa. A reserva vital esgotava-se como um comburente precioso e rápido na queima orgânica para manter a chama mais alta e luminosa.

Na agonia Erasmo apenas via cores, movimentos, leis, princípios estéticos. Nunes Pereira dizia-me que o jovem desenhista falava, entrando para a morte: – Este vermelho não arde como devia, é preciso um azul claro, doce, esses verdes estão desmaiados, esse amarelo deve ser ouro vivo... Devia estar diante de uma imensa tela, do tamanho do firmamento, riscando, marcando o quadro, tendo uma estrela em cada mão.Morreu a 23 de abril de 1930. Em outubro completaria vinte e seis anos...

Referências Bibliográficas:

Erasmo Xavier - O Elogio do Delírio, de Rejane Cardoso e Quadrinistas Potiguares, de Anchieta Fernandes

Manoel Dantas, escritor e pesquisador

Ah, que maravilha seria se dessem valor às palavras dos visionários! As facilidades da chamada vida moderna - que envelhece a cada instante - chegariam mais rápido e muitos problemas poderiam ser evitados. Melhor que um visionário, só mesmo um visionário bem humorado, desses futuristas, no sentido mais casto da palavra. Nada de previsões catastróficas e profecias assustadoras, mas soluções para as dificuldades existentes e as que ainda estão por vir.

Manuel Gomes de Medeiros Dantas era assim. Para ser considerado normal deveria estar vivendo sua juventude agora e não no final do século XIX. Nascido a 26 de abril de 1867, em Caicó, interior do Rio Grande do Norte, Manoel - ou Manuel como você poderá achar em alguns textos - foi advogado, juiz, educador, jornalista, político e precursor dos estudos de folclore em seu estado.

No volume I de Patronos e Acadêmicos (referente à Academia Norte-Riograndense de Letras), Veríssimo de Melo diz que Manoel, “na juventude, foi um revoluciário. Abolicionista e propagandista da República. Defendeu com ardor suas idéias na tribuna popular, fazendo conferências e divulgando seu pensamento na imprensa”.

Algumas vezes utilizando-se das descrições de Juvenal Lamartine, “que o conheceu de perto e muito o admirava”, Veríssimo enfatiza o bom humor e a força de vontade fora do comum do caiocense. “Ainda estudante, não podendo comprar O Direito das Cousas, de Lafaiete, resolveu o problema copiando à mão, os dois volumes da grande obra”.

As breves descrições de Manoel Dantas como jornalista, jurista, educador e estudioso das tradições populares encontrados no livro de Veríssimo de Melo merecem ser lidas na íntegra: “Como jornalista, - declara Lamartine, - ‘foi a mais completa organização jornalística que o Rio Grande do Norte já possuiu’. Dirigindo A República, tudo fazia, desde o editorial ao noticiário estrangeiro, muitas vezes inventando ‘greves de padeiro em Madri’, para suprir necessidades da paginação, nas oficinas. Deixou nesse aspecto, delicioso anedotário.

“Depois de formado, no Recife, em 1891, foi promotor e logo juiz substituto seccional. Cedo, porém, procurou outros rumos, que mais se coadunavam com a sua personalidade. Exerce a advocacia com desembaraço, pois possuía cultura jurídica, gostava da tarefa e tinha a vocação de servir. Por isso, muitas vezes foi explorado pelos seus correligionários, que não lhe retribuíam os serviços profissionais.

“Foi educador avançado para a época em que viveu. Durante vários anos, dirigiu a Instrução Pública no estado, introduzindo o ensino profissional agrícola. Foi o primeiro mestre a dar lições de lavoura mecânica, acrescentando as vantagens da adubação das terras, seleção de sementes, rotação e mecanização dos trabalhos do campo.

“Pioneiro dos estudos das tradições populares no Rio Grande do Norte, foi o primeiro a recolher e valorizar, na imprensa, os contos, crenças, lendas, superstições, velhos costumes. Era conversador extraordinário de graça e repentes, contando coisas na voz do povo, imitando expressões, atitudes, gestos dos outros”.

Fato marcante na vida de Manoel Dantas foi sua conferência no Salão de Honra no Palácio do Governo, a 21 de março de 1909. Cobrando ingresso dos espectadores, falou sobre Natal daqui a cinquenta anos. Muitas das então extraordinárias previsões se realizaram.

Publicou trabalhos jurídicos, Lições de Geografia, um estudo sobre a origem dos nomes dos municípios do Rio Grande do Norte e vários ensaios, reunidos depois de sua morte sob o título Homens de Outrora.

Faleceu em Natal, a 15 de junho de 1924.

(In Memória Viva)

Escreveu "O Rio Grande do Norte"; "Denominação dos Municípios", além de Três Ensaios sob a designação de "Homens de Outrora"; "Thomas de araújo" e "Padre Joaquim de Almeida castro - Frei Miguelinho, Traços Bibliográficos", conforme consta da Segunda Nota Explicativa, datada de junho de 2001, do autor, seu neto, Edgard ramalho Dantas; do livro "Homens de Outrora", editado pelo Sebo Vermelho, segunda ed., lançado pelo filho Dr. Osório Dantas, em Natal, agosto de 2001.

Todavia, a maior impressaõ de impacto do seu acervo cultural, foi sem dúvida a Conferência pronunciada no salão nobre do Palácio do Governo, em 1909, intitulada "Natal D'Aqui a 50 anos". Em tal palestra ele faz previsões maravilhosas e impressionantes em relação à evolução da Cidade-Presépio. O que mais impressionou foi de ter feito a previsão da telavisão - "em telinhas luminosas", em 1909, quando tal invenção do gênio humano começara a fazer as primeiras experiências em meados da década de 20, uns 15 anos adiante, conforme dados de Asimov, Isaac, 1993 - "Cronologia das Ciências e das Descobertas" e da Internet (doc. junto), duas fontes fidedignas.

Tal fato revela ter sido manuel dantas de um dom extraordinário o da Premonição!

Talvez o único da História do Rio Grande do Norte e raro em qualquer parte do planeta em possuir essa dádiva excepcional, o de ter revelado as maravilhas da Premonição.

O seu nome foi escolhido para patrono da cadeira n.26, da Academia Norte-riograndense de Letras.

Trecho da conferência "Natal D'Aqui a 50 anos":

"(..) Nos hotéis e cassinos, teatros ao ar livre, servido pelo telefone e a fotografia à distância, exibem telas luminosas, as óperas e outras peças de efeito que a esta mesma hora entusiasmam as casas de espetáculo de Paris, Londres e Nova York."

(In Os notáveis dos 500 anos, Jurandyr Navarro - Natal, 2002)

Rosa de Pedra, banda

Rosa de Pedra é o encontro de universos musicais... traz em si as propostas rítmicas e harmônicas de cada integrante, num espaço onde a música não reside em Estados, limites continentais, mas em estados de vida...

A leveza e o peso, o sacro e o profano, o concreto e o lúdico, o pós e o moderno, o vazio... O passear entre um e outro, a natureza, as contradições, o inusitado, a poesia...

O nome do grupo “Rosa de Pedra” remete ao primeiro livro de Zila Mamede editado em 1953, no movimento pós 45, tempo de rupturas e explosões interiores. A identificação com as passagens, o despir-se das formalidades, o olhar lançado ao que ainda pode ser visto, como síntese de respostas para ao que a humanidade representa nesse início de século. Como disse Carlos Pena Filho sobre este livro: “Não falarei de coisas, mas de inventos e de pacientes buscas no esquisito”. Além de outros significados: a própria rosa de pedra que (é parte do nosso meio natural) compõe a natureza humana e a dualidade dos substantivos rosa e pedra, que apresentados juntos nos possibilitam muitas reflexões.

Em julho de 2002, músicos de influências e referências mais diversas se encontraram, nasceu então uma nova proposta musical. Reuniões, pesquisa, ouvidos abertos, experimentos, inspiração e respiração geram as primeiras composições do grupo. Letras e canções do cotidiano, dos detalhes da vida, da inquietação humana, num grande caldeirão, temperados com maracatu, samba de roda, coco de roda, ciranda, partido alto, jazz, rock, sem que seja nenhum desses estilos... Ritmos e melodias que brotam de guitarras, percussão, baixo, vozes e violino, resultando numa sonoridade que entende o regional como universal. Depois de quase um ano trabalhando as canções num laboratório diário, em abril de 2003 acontece a primeira apresentação pública no evento “Rua da Cultura”, realizado pela UNP - Universidade Potiguar. A resposta e aprovação do público e da crítica local foram imediatas. Participando de eventos como CIENTEC 2003-UFRN (Natal), participação no show do grupo Jaguaribe Carne na Feira Nacional de Arte (João Pessoa-PB), Fórum Social Potiguar, apresentações pelo interior do RN, e outros palcos...

Na primeira edição do Fórum Cultural Mundial, junho/2004, a banda Rosa de Pedra foi a representante do Rio Grande do Norte na área da música. Um show no pavilhão de eventos do Anhembi, SP, sede do evento, onde sua música fez valer a ciranda potiguar com mãos do mundo todo.

As composições buscam caminhos entre suas poesias e novas sonoridades, com referências musicais como Chico Science, Jorge Benjor, Janis Joplin, Chico Antônio, Sarah Vaughan..., e referências poéticas como Fernando Pessoa, Iracema Macedo, Zila Mamede, Clarice Lispector, Nietzsche... e o que está no mundo dos músicos do grupo. No repertório de shows Rosa de Pedra apresenta ...do interior ao mar..., apresentado na Casa da Ribeira e no Teatro Alberto Maranhão no Circuito Cultural Banco do Brasil e FRAGMENTOS DO CAOS um dos 15 selecionados do COSERN MUSICAL 2005.

Os integrantes:

Ângela Castro – voz e guitarra

Bianca Maggi – percussão

Betão – baixo

Concita Alves – percussão

Michelle Ferret – percussão

Tiquinha Rodrigues – violino

Um universo que não se compõe apenas de verso. Um verso sonoro, inverso do óbvio, do interior que não existe apenas no sertão, do mar que não se acaba na esquina do continente. Rosa de Pedra, um interior que se estende pelas fronteiras do mítico, um mar que transborda em poesia e sonoridade para traduzir o homem como ser universal, agente filosófico e lírico desse mundo moderno em que o céu não tem estrelas porque a cidade apagou...

Rosa de Pedra

“Lírica combinada com batuques marcantes, resultando num som autoral e fora dos rótulos. ... O grupo conquista aqueles que gostam de som com personalidade, dançante e ao mesmo tempo com boas letras.”

Ruy Rocha – Jornal de Hoje Natal/RN

Contatos: rosadepedra@terra.com.b

Vingt-un Rosado, professor e escritor

Neste dezembro de 2005 Mossoró e o Rio Grande do Norte perderam um dos ícones da nossa cultura popular. Fundador da Coleção Mossoroense com mais de 3 mil títulos lançados, Jerônimo Vingt-un Rosado Maia, é considerado um dos maiores, senão o maior de todos os incentivadores de talento já vistos por aqui. Esse registro foi a forma que encontramos de homenageá-lo pelo que representou.

Abaixo, trechos da biografia de Vingt-un publicados pelo jornal O MOSSOROENSE, um depoimento de Deífilo Gurgel e uma sinopse de uma entrevista feita com ele pelo jornal O ESTADO DE SÃO PAULO. Divirta-se e conheça o homem.

D'O Mossoroense:

Da infância à condição de homem da cultura

Nascido em Mossoró aos 25 de setembro de 1920, Jerônimo Vingt-un Rosado Maia teve uma vida dedicada ao desenvolvimento da cultura e da educação de sua terra natal.

Sua formação educacional começou em 1928, quando iniciou o primário estudando com Egídia Saldanha e Delourdes Leite, para depois concluí-lo no Colégio Diocesano Santa Luzia, em 1931.

Na mesma escola cursou o ginasial entre os anos de 1932 e 1936. Após essa fase iniciou o curso de pré-engenharia no Ginásio Osvaldo Cruz, em Recife, nos anos de 1937 a 1938.

Formou-se em Agronomia pela Escola Superior de Agricultura de Lavras (atual Universidade Federal de Lavras), Minas Gerais, em 1944.

Após a formatura, em 23 de janeiro de 1945, iniciou o sonho de trazer o ensino superior para Mossoró num projeto que resultaria na instalação da Escola Superior de Agricultura de Mossoró (Esam) Vingt-un foi reservista do Tiro de Guerra 42, Mossoró, em 1936, e soldado padioleiro pela Cia Escola de Engenharia, de 1944 a 1945, em Lavras.

De volta a Mossoró iniciou a luta para a criação daquela que viria a ser a Escola Superior de Agricultura de Mossoró (ESAM), em 1967, hoje Universidade Federal Rural do Semi-Árido (UFERSA).

Antes desse feito, iniciou um outro marco de sua vida com uma progressiva prioridade: a Coleção Mossoroense, que começou a funcionar em 1949 e se tornou uma das maiores editoras de títulos do país, com destaque para as mais de 700 obras que analisavam a temática da seca.

Na luta contra o maior flagelo do sertão nordestino, a seca, ele deu outras duas contribuições, uma delas a luta para a construção das adutoras que viriam a abastecer Mossoró e a descoberta do petróleo que ajudou no progresso da cidade.

No campo da educação, Vingt-un foi professor de matemática e estatística, tanto no ensino ginasial quanto no superior.

Laços familiares

Filho de Jerônimo Rosado, patriarca de uma família de políticos, irmão do ex-governador Dix-sept Rosado, do ex-deputado federal Vingt Rosado e do ex-prefeito Dix-huit Rosado, Vingt-un enveredou para o campo da ciência e da cultura erudita, com destaque para a educação.

O nome Vingt-un, 21 em francês, explica-se pelo fato de o pai dele haver numerado a maioria dos filhos.

Casado com a assistente social América Fernandes Rosado Maia, desde 1947, ele trouxe a esposa de Minas Gerais para morar em uma casa de taipa na pedreira de São Sebastião, atual Governador Dix-sept Rosado, uma cidade até então sem energia elétrica e nenhum conforto.

Com ela, Vingt-un teve cinco filhos, dos quais quatro ainda vivos: Maria Lúcia, Dix-sept Rosado Sobrinho, Lúcia Helena e Leila Rosado. O quinto filho, Vingt-un Júnior, morreu em 1950, uma semana após o nascimento.

Amor pela escrita surgiu nos anos 40

Em 1940, com apenas 20 anos, Vingt-un ingressou na carreira de escritor, publicando a primeira história de sua cidade. O trabalho recebeu o título de Mossoró com tiragem de 500 exemplares e custou pouco menos de três contos de réis a dona Izaura Rosado Maia, mãe do novo literato e futuro "feiticeiro das letras", como certa vez o chamou o médico e escritor Raimundo Nunes.

A literatura passara a circular em suas veias quatro anos antes da estréia. O garoto se impressionara com uma série de palestras ministradas pelo saudoso historiador Luís da Câmara Cascudo, durante a semana da pátria de 1936, no Colégio Diocesano Santa Luzia (CDSL). Cascudo ali estava a convite do padre Jorge O'Grady de Paiva, diretor do Diocesano.

No seu livro, o jovem historiador se reportou a uma das passagens mais importantes da história mossoroense, a libertação antecipada dos escravos, como sendo uma "conjuração tipicamente maçônica, gerada e tornada vitoriosa dentro dos muros sagrados da Loja Maçônica 24 de Junho”.

Baseado nos fatos que apurou acerca da abolição, em 1953 Vingt-un pediu ao irmão Jerônimo Vingt Rosado Maia, então prefeito do “País de Mossoró”, que homenageasse a 24 de Junho com uma placa alusiva ao episódio. Vingt, sensível à importância da participação daquela loja no movimento libertário, presenteou-a com uma placa de bronze na qual está escrito: "Aqui nasceu a Abolição".

Além de inspirador, Câmara Cascudo foi também incentivador de Vingt-un. Certa feita, escreveu uma carta ao novo discípulo fazendo-lhe elogios e encorajando-o a vencer as dificuldades. Dizia Cascudo: “Você está na obrigação de ser o primeiro mossoroense que levantará do olvido (tirará do esquecimento) as tradições de sua grande terra. Vá para diante e não desanime com as ironias dos pessimistas, espécies de lesmas que nem andam e nem admitem que outros andem”.

Deífilo Gurgel

"Vingt-un, além do intelectual importante que ele foi, principalmente pelo trabalho de valorização de nossa cultura com a Coleção Mossoroense, foi muito mais. Eu o considero um homem do maior valor pelo seu comportamento dentro da sociedade. Um homem simples, sem maiores vaidades literárias ou culturais, que, no entanto, produziu o trabalho que produziu. A Coleção Mossoroense é uma maravilhosa publicação de trabalhos de todo o mundo. Ele também escreveu livros importantíssimos para a História.

Eu tinha por ele a maior consideração porque nas minhas andanças pelo RN, fazendo minhas pesquisas sobre cultura popular, entre 1985 e 1995, sempre que eu precisei de alguma coisa, eu ia lá na Esam e ele me dava. Já me deu gasolina, pernoite do motorista que andava comigo. Foi uma pessoa de destaque em todas as áreas, não só na cultural"

Deífilo Gurgel, poeta e folclorista

D'O Estado de São Paulo

Foto publicada no Estadão

O que você diria de um homem que toma dinheiro emprestado de agiotas para editar livros que não vende, mas doa? Isso no Brasil, um país onde se vende por ano menos de um livro por habitante e que registra um índice de analfabetismo funcional – pessoas incapazes de utilizar a leitura e a escrita para resolver situações do próprio cotidiano – de 30,5%.

Jerônimo Vingt-Un Rosado Maia montou assim, com empréstimos de agiotas, colaborações de amigos e vez por outra doações oficiais, a Coleção Mossoroense, a maior do Brasil, com 3 mil títulos.

“É um negócio de doido que começou em 1949”, conta Rosado, hoje com 79 anos, morador ilustre de Mossoró, no Rio Grande do Norte. “Um homem de juízo não faria isso”, brinca.

Dentre os 3 mil títulos da coleção, mais de mil são livros – e mais de 700 dedicados à seca. A Coleção Mossoroense é responsável pela maior bibliografia do País sobre a grande praga do Nordeste. “É a linha mais importante”, explica o criador da coleção.

“É uma verdadeira biblioteca sobre a seca”, atesta o geógrafo Aziz Nacib Ab’Saber, professor da Universidade de São Paulo e amigo de Rosado. “É quase impossível encontrar textos antigos, como sobre a seca no fim do século 19, mas a coleção do Vingt-Un tem.”

Um dos destaques é O Livro das Secas, que reúne estudos antigos e os mais recentes sobre o tema, explica Ab’Saber.

Dinheirinho emprestado

Muitos dos autores que publicou, Rosado conheceu pessoalmente. Ele promoveu a estréia no prelo de mais de 260 escritores. Rosado conta que até professores universitários de São Paulo, que precisam publicar obras para manter o índice de produtividade, apelam para ele. Mas dinheiro, que seria bom, chega pouco.

“Não recebo ajuda da Secretaria da Cultura ou do Ministério”, afirma. “Dinheiro para a cultura neste País é uma desgraça.”

Para financiar suas edições – em média de 300 exemplares por títulos –, Rosado começa passando o chapéu entre os amigos. “Eles doam R$ 10, R$ 20 cada”, diz. “São pessoas que respeitam a importância da coleção.” Quando a verba é insuficiente, ele apela para o inimigo número 1 do brasileiro endividado. “Tomo um dinheirinho emprestado de agiotas e dou um jeito.”

Recentemente a Sudene doou R$ 18 mil para a Coleção Mossoroense. Com a verba, Rosado diz que pretende reeditar Sesmarias do Rio Grande do Norte.

Os livros não dão retorno comercial, já que são doados. “Eles são distribuídos para estudiosos”, diz Rosado. Só uma vez por ano, em 25 de setembro, data de seu aniversário, que foi transformada em Mossoró na Noite da Cultura, os exemplares são postos à venda, na loja maçônica Jerônimo Rosado, batizada em homenagem a seu pai.

Vinte e um

Vingt-Un Rosado é o filho mais novo de Jerônimo, um farmacêutico que a partir da sexta criança parece que ficou com preguiça de batizar a numerosa prole e passou a enumerar os descendentes, primeiro em português, depois em francês.

“Quando seu Rosado começou a fazer gente tascou esses nomes”, conta o caçula, 21 em francês.

Com os mais jovens, o pai nem variava mais o primeiro nome. A partir do 15.º, todos os homens foram chamados de Jerônimo seguido do número correspondente, até Vingt-Un. Cinco mulheres, antes de seu ordinal, receberam o nome da mãe, Isaura. Um dos homens, o nono, também foi chamado Isauro. A família teve ainda um Tércio, uma Maria, uma Vicência, Laurentinos – três ao todo, só um deles numerado – e uma Laurentina.

O nome nunca incomodou os Rosados. “Na escola, a brincadeira era só na primeira semana”, conta Vingt-Un. “Depois os colegas se acostumavam.”

Graças a Jerônimo e ao sucesso político de sua prole o Rio Grande do Norte tem um município hoje com o curioso nome de Dix-Sept Rosado, batizado em homenagem ao 17, que foi prefeito de Mossoró em 1948 e governador do Estado em 1950.

Os nomes ordinais foram passados às novas gerações e já circulam por Mossoró Dix-Sept, Vingt e Vingt-Un Neto.

Uma biblioteca

Vingt-Un Rosado conta que se apaixonou por livros depois de ouvir uma palestra em Mossoró de Luis da Câmara Cascudo. “Ele envenenou todo mundo”, lembra. “Saímos todos apaixonados pela cultura.”

Aos 20 anos, Rosado escreveu sua primeiro obra, Mossoró, contando a história do município. A edição foi paga pela mãe. Apesar da paixão pelas letras, o caçula dos Rosados resolveu estudar agronomia. Formou-se em Lavras, onde conheceu a mulher, a socióloga América, de 78 anos.

De volta a Mossoró, ele deu uma importante contribuição à cidade. Convenceu o irmão Dix-Sept, candidato a prefeito, a incluir em seu programa a construção de uma biblioteca.

“Com cinco dias de empossado fez”, lembra Rosado. “Um homem que tinha só o primeiro grau.” Segundo o irmão caçula, o prefeito passava todos os dias por lá. A obra foi batizada em homenagem a um sargento da Aeronáutica, Nei Pontes Duarte, que não morava em Mossoró, mas todo mês, assim que recebia a aposentadoria, comprava um livro e mandava para a biblioteca. “Ele doou mais de 4 mil”, diz o editor.

Seguindo a tradição da família, que já se havia empenhado pela instalação de escolas no município, o Rosado mais novo fundou a Escola Superior de Agronomia de Mossoró, em 1967. Também candidatou-se a prefeito, um ano depois, mas não se elegeu. Foi derrotado por 94 votos.

“Não sei se a cidade perdeu, mas eu lucrei”, brinca. “Prometi na campanha fazer mil obras, eu ia me lascar.” A derrota foi para o currículo: candidato derrotado à Prefeitura.

Dois anos depois o editor candidatou-se a vereador. Foi o mais votado da história de Mossoró. “Acho que a cidade quis fazer reparação”, diz. Exerceu seu mandato de 1973 a 1977.

Nessa época a Coleção Mossoroense entrava em sua segunda fase. Quando começou, em 1949, era patrocinada pela Prefeitura. Em 1974 passou a ser vinculada à escola de agronomia, até 1994, quando passou para a Fundação Vingt-Un, dirigida por um dos cinco filhos dele.

Autores regionais

Nos últimos cinco anos, a Coleção Mossoroense tem editado em média 205 títulos por ano. Quando a obra é importante a tiragem é maior. “Algumas chegam a ter 3 mil exemplares”, explica Rosado. A coleção alcançou a marca dos 3 mil títulos com Viagem às Raízes, obra de Almino Affonso.

Além da reedição de obras importantes, como os estudos de botânica de Philipp Von Luetzelburg, Rosado orgulha-se de ter dado oportunidade a autores regionais que dificilmente teriam conseguido publicar um livro nas grandes editoras brasileiras.

“Ele é criticado porque não seleciona o que é publicado”, diz Cid Augusto da Escóssia Rosado, de 28 anos, parente de Vingt-Un Rosado e considerado por ele como um dos expoentes da nova geração de escritores de Mossoró. Cid Augusto considera a crítica injusta. “No Brasil não há espaço para novos talentos”, diz. “Bom ou ruim é relativo, em arte você pode dizer que gosta ou não.”

Como exemplo da contribuição de Rosado, Cid Augusto cita a edição das obras de Raimundo Nonato da Silva, um nome que o editor da Coleção Mossoroense cita com a mesma emoção e admiração que o jovem escritor da família. Silva chegou a Mossoró como retirante em 1919. Analfabeto, começou como engraxate. Terminou a vida como juiz. Escreveu 30 títulos na série Minhas Memórias do Oeste Potiguar. Entre os favoritos de Rosado está Memórias de um Retirante, em que Silva conta sua história. “Foi o maior memorialista de Mossoró”, diz Rosado.

Pé de boi

O inventor da Coleção Mossoroense mora em uma casa ampla, próxima à escola de agronomia. Ali está instalada sua biblioteca. Com problemas auditivos, não fala ao telefone, mas pessoalmente se comunica sem problemas. “É uma pessoa de cultura múltipa”, resume o professor Ab’Saber.

Em setembro de 1999, quando completou 79 anos, ganhou toda a edição de um jornal em sua homenagem. Empresas instaladas no município, como a Petrobrás e a concessionária da Volkswagen, e as prefeituras da região fizeram anúncios publicitários especiais para a publicação. Sua foto não está em todos porque alguns políticos resolveram aproveitar a ocasião para aparecer. Mas seu nome não faltou.

A criatividade de algumas propagandas é digna do pai de “seu” 21. A revendedora de automóveis chamou-o de “veículo da cultura”. Uma loja de materiais de construção descreveu-o como “a chave do sucesso da cultura mossoroense”. A Granja São Camilo declarou-o “mossoroense da gema”; a Câmara Municipal, “o legislador de nossa cultura”; e um posto de gasolina, “o carro-chefe de nossa história – Há 79 anos abastecendo de cultura os mossoroenses, movido pelo combustível da abnegação”.

Famoso pelos generosos elogios que faz a terceiros, Rosado devolve com humildade a homenagem. “Sempre teve muita gente inteligente em Mossoró”, diz. “Mas eu não estou nessa categoria”, afirma. “Sempre fui pé de boi.”

Carlos Humberto Dantas, poeta

Navegar é preciso se nos resta fôlego prendemos o destino (como por rotina), nossas pegadas se repetiam, o princípio e o fim (nos envolviam) como uma noite e seu avesso." CHD.

Carlos Humberto Dantas nasceu em Acari, Rio Grande do Norte, no dia 21 de dezembro de 1948, mas já aos nove anos de idade está residindo em Natal, onde cursa o primeiro grau no Instituto Americano Batista e Instituto Brasil. O segundo grau é feito no Colégio Salesiano. Transferindo-se mais tarde para o Recife, em 1968 entrou para a Faculdade de Ciências Econômicas de Universidade Católica de Pernambuco. A pós-graduação em Ciências Econômicas será feita na Universidade Federal de Pernambuco.

A partir do final dos anos 1960 e início dos anos 1970, Carlos Humberto Dantas vai participar de movimentos alternativos de Literatura no seu estado natal e também em Pernambuco, quer através da edição de revistas ou integrando-se ao grupo de Teatro da Universidade Católica de Pernambuco (Tucap). De volta a Natal, continuará a sua militância na área da produção cultural, lançando na Universidade Federal do Rio Grande do Norte o jornal Letreiro e ainda fazendo parte do seu laboratório de criatividade literária.

E foi exatamente através de uma Antologia do Laboratório de Criatividade lançada em 1980, que Carlos Humberto Dantas publica seus poemas, vindo, mais tarde, a sua estréia em livro de poesia individual, Sete canções da terra e outros poemas: este livro, lançado em 1986, havia ganho o importante Prêmio Fundação José Augusto, em 1982.

O poeta, embora se empenhe pela publicação de livros de vários escritores de sua terra, através da editora que fundou em 1995, Lugar dos Argumentos, conserva pelo menos três livros de poesia inéditos, todos eles distinguidos com grandes prêmios locais: Palavra puxa palavra (prêmio Auta de Souza de 1984), A palavra acesa (Prêmio Otoniel Menezes de 1986) e Lumiares ou lugar dos limites (prêmio Auta de Souza de 1992).

Além de sua editora, Natal dos Argumentos, Carlos Humberto Dantas mantém o Jornal Livro, publicação mensal, onde publica textos dos escritores da terra. O número de setembro de 1996 traz peça do poeta e dramaturgo Racine Santos Á luz da lua os punhais, estreiada em Coimbra, Portugal.

Subindo rio acima em direção a uma república sem medo

Rios sem medo

1. O rio (sereia) e seu canto torto

    feito de pedras e cascalhos (como cascavel)

    No medo do rio (a sombra é lodo)

    onde locas e musgos feito escamas

    O rio (faca) e o seu pânico frio

    de águas e correntes feito o mar

    No rio (que fique eterno) tudo é emblema

    como uma foto desbotada uma parede azul

2. Não passam, no rio, os tempos independentes

    há sempre um encurtar no dia-a-dia

    de caudaloso, hoje o rio, tem a lembrança,

    estamos a perder o fio da meada como um todo

    O rio só, como a cidade só, e ruas

    noturnas, como sobras sobre nós

    O rio em nós, como um farol,

    ou uma sirene a percorrer entranhas

3. Quem no rio ou no seu leito seco,

    navega, tirando da fibra o que lhe acrescenta?

    O rio mede em nós (como um república)

    o que o rio em nós tem de pátria ou de medo

    E sendo o que não medra (como fonte) o rio seco

    é lembrança (de um marlongínquo onde navegar)

    O rio como fala, e sua retórica de sonhos

    ou sua exterior paisagem de margens e cascalhos

4. Que rio é esse, se o ´país não esquece

    sua face caudalosa, como um pranto?

    Se o rio esconde o seu rosto desfeito,

    como o que poderia ser sem ter sido?

    De passo em passo, o rio tece sua, fisionomia,

    de ilhas prósperas num geral deserto

    Se navegar é preciso (nesse leito seco)

    estamos a esperar próximos ventos

5. No rio que engravida com o mar

    o amor não passa como sonho nem como fato

    Somados, são tantos em nós os rios,

    que suas margens se alargam (como enchentes)

    O rio, no entanto, não vê a cor (da dor)

    nem énosso esse espelho (de águas turvas)

    Assim, como o rio, levamos nas correntes,

    o que de aflição e medo nos contorna

6. O rio de sempre como oc mar (eterno)

    onde nada se altera e se renova

    O rio preso como currais de peixes,

    feito de coisas noturnas e abismos

    No rio que não há como uma república sem medo

    se perde a estação da águas e o rumo

    um rio só passado, como recordação,

    ou uma republica velha, que persiste

7. O rio burocrata, ou fina malha,

    uma trama só teia, como aranha

    O porto rio, ou a estação das idas,

    o rio que se despede como imigrantes

    Eis o rio interior, ou rio de dentro

    aquele que aflora só lembranças

    No rio como nó, ou trava,

    tudo se estanca como seca ou cólera

8. No rio diário, hoje, ou no rio estória,

    já não cabem dúvidas ou senões

    não é o rio infinito que nos nutre,

    mais parece um rio minguado, como um fio

    No rio sem vazantes, ainda estão,

    as marcas do plantio e suas trilhas

    O não rio, hoje nos absolve,

    como desejo oculto ou sonho

9. O rio fúria, isto é, como foi-se,

    pela raiz arranca e tudo leva

    Não se mede o medo, em suas águas,

    nas portas se fecham ou se guardam

    medra do rio o que é pântano,

    ou lodo, ou o que de mangue nos envolve

    O rio acata o que é norma ou regra,

    em suas águas se controla o que destoa

                        (Lumeares ou o lugar dos limites - inédito)

Poema sem título

E a pedra era

como toda pedra

a base da casa

e de outras coisas

que em torno da casa estavam.

A casa poderia ser o centro

como poderia ser o centro

a praça,

e tudo que era praça

e quase tudo que rodeava

era pedra.

Avelino de Araújo, poeta

Prazer - é com esta palavra que Avelino de Araújo define a sua poesia: “Sem prazer eu já teria desistido”. Desde o final da década de1970, entre saltos e sobressaltos, o poeta se dedica à poesia visual. O início se deu através da arte-postal. Desde então, Avelino publicou em mais de duas centenas de revistas, jornais e livros de todos os continentes, exceto a África. Entre essas publicações está a Kaldron, revista norte-americana, uma espécie de bíblia da poesia visual. Dezenas de sites abrigam os belos e instigantes poemas visuais do poeta. Ao som do disco Sketches of Spain, de Miles Davis, conversei com Avelino de Araújo, no seu apartamento, no bairro de Petrópolis. Não conhecia pessoalmente o poeta, mesmo admirando a sua talentosa produção. Surpreendeu-me o seu amor e a sua dedicação à poesia.

Em tempos de “apagão”, após atravessar o corredor semi-escuro que me leva até o poeta, chego ao seu apartamento. Lá está Avelino, todo vestido de branco. Ele é médico, oftalmologista, acabou de chegar do consultório. Portanto, nada distante da poesia, se uma das missões de um verdadeiro poeta for contribuir para que as pessoas vejam com os olhos livres, sem doenças, sem preconceitos. Verdadeiramente. Sofás brancos ambientam a sala, sobre eles estão recortes de jornais, correspondências de vários lugares do mundo – são convites para o poeta mostrar a sua poesia em exposições, antologias, revistas... Nas paredes estão, entre outros quadros, algumas reproduções de Miró, uma bela litogravura de Carlos Humberto Dantas, além de trabalhos do próprio Avelino. No coração desse poeta apaixonado pelas artes plásticas estão Van Gogh, Miró, Paul Klee e Jackson Pollock. Um quarteto inquestionável.

Na contramão da tradição, mesmo conhecendo-a profundamente – é leitor de Edgar Allan Poe, Dostoievski e Carlos Drummond de Andrade -, Avelino de Araújo publica os seus livros do seu próprio bolso. Desde o primeiro trabalho “Antropoemas”, publicado em 1980, impresso na Oficina Viva, do artista gráfico Venâncio Pinheiro, o poeta faz questão de se auto-editar, sem pedir ajuda a qualquer instituição pública ou privada, ou seja, prefere ficar distante do poder político e econômico. Talvez seja a sua maneira de dizer não para a desigualdade e injustiças sociais que ele vem denunciando em toda a sua obra. Avelino, sem fazer uma poesia engajada nem panfletária, desnuda e revela a gravidade de um mundo onde a humanidade perdeu o respeito e o amor pelo planeta. O extermínio dos indígenas, o preconceito racial, a matança dos animais a miséria e pobreza dos homens do Terceiro Mundo e os atos irresponsáveis praticados contra o meio ambiente são alguns dos temas tratados com inteligência e sensibilidade pelo poeta. Segundo ele, a sua preocupação com o social se acentuou durante a sua estada, na década de 1980, em Icó, no alto sertão do Ceará: “Ser médico no interior do Brasil ensina o que é realmente o Brasil”, afirma.

Nascido a 6 de fevereiro de 1953, no sítio Bom Lugar, Município de Patu, filho de Beatriz Avelino de Araújo e Francisco Canuto de Araújo, o poeta, após uma temporada em Caicó, veio aos 7 anos de idade para Natal. Aqui, tornou-se um freqüentador assíduo de bibliotecas, lendo de tudo. “A Biblioteca Câmara Cascudo, que estava sendo inaugurada naquela época, foi muito importante para mim. Foi lá que eu conheci os clássicos da literatura, como ‘Os irmãos Karamázovi’, de Dostoievski”, relembra.

A primeira tentativa no terreno da criação literária foi o conto, sob a influência do escritor norte-americano Edgar Allan Poe, enveredando depois por algo por ele mesmo chamado de “literatura espontânea”. “Eu sentava diante da máquina de datilografia e as palavras que iam surgindo na minha cabeça eu ia colocando no papel. Parecia uma escrita de um maluco, mas às vezes saíam coisas interessantes...”, diz o poeta.

Ex-aluno do Atheneu, Avelino de Araújo cursou a Faculdade de Medicina em Natal, indo, na década de 1980, para o Rio de Janeiro ser médico-residente em oftalmologia, na Santa Casa de Misericórdia. Em 1982, no Rio, projeta e organiza, a Mostra Internacional de Cultura Alternativa, no Centro Cultural Cândido Mendes, em Ipanema: “Foi um sucesso. Participaram 349 artistas de 34 países”, diz o poeta-médico que trocou o Rio por Icó: “Em Icó eu não tinha nem ventilador, nem geladeira, depois a minha mãe mandou uma que fazia um barulho terrível”,diz rindo. Porém, lá em Icó, mesmo com todas as dificuldades, a poesia não foi esquecida, Avelino adquiriu uma pequena oficina de serigrafia e passou a reproduzir os seus próprios trabalhos. Imprimiu nessa oficina, em 1985, “Oficina do Autor” o seu segundo livro.

No final da década de1980, o poeta voltou a residir em Natal, onde em 1989 realizou a exposição Acrílicos e Seriográficos, na Galeria da Biblioteca Câmara Cascudo: “ Gosto muito de artes plásticas, mas a poesia visual é mais fácil conciliar com o meu trabalho de médico. As artes plásticas pedem mais tempo, mais dedicação na fabricação”, ressalta Avelino.

Autor do belíssimo “Livro de Sonetos”, lançado em abril de 1994, único livro no mundo exclusivamente com sonetos visuais, o poeta é autor ainda dos livros “O Olho Nu”, publicado em 1995, “Cellulose Overture”, de 1996, e “Absurdomudo”, publicado em 1997. Avelino de Araújo editou também, de 1993 a 1995, o jornal Poezine, no qual publicava inúmeros poetas visuais.

Mesmo sendo o seu Livro de Sonetos objeto de estudo de tese de doutorado na Pontifícia Universidade Católica de São Paulo; mesmo a sua obra fazendo parte de uma tese escrita pelo húngaro Géza Perneczky, sobre os periódicos alternativos entre 1968 e 1988 – um deles é a revista Kaldron que publicou em sua capa trabalhos de Avelino; mesmo sendo um dos poucos brasileiros a participar, ao lado de Haroldo de Campos, Augusto de Campos e Décio Pignatari, do livro Os anos 90s, uma antologia, organizado e publicado na Rússia pelo intelectual russo Dmitry Bulatov; mesmo tendo sido elogiadíssimo, em público, na década de 1980, pelo poeta norte-americano Dick Higgins, do Fluxus group, o mesmo grupo que abrigou nomes como Yoko Ono e George Maciunas ; mesmo sendo admirado e incentivado por um dos maiores poetas visuais do mundo, o uruguaio Clemente Padín, o poeta Avelino de Araújo lamenta: “Existe um preconceito no Brasil e, principalmente, em Natal, de que a poesia visual é uma poesia menor. Enquanto o mundo quase todo incentiva e admira o meu trabalho, aqui em Natal eu sou quase desconhecido como poeta. Talvez seja porque eu não faço lançamento dos meus livros, eu os arremessos, conclui, brincando, Avelino.

O poeta diz também abominar os “bastidores” da arte. “Arte para mim é êxtase total. Sou capaz de passar horas apreciando uma obra de arte, lendo ou fazendo um poema..Mas odeio o ‘marketing’ em torno de alguns nomes e de algumas obras, não gosto das conveniências literárias, das igrejinhas, dos grupinhos. Não que eu seja puro, mas eu acho que a arte é algo muito belo e bom e que não deve ser corrompido”, diz, certeiro, Avelino de Araújo. Ainda sobre os “bastidores” da arte, prossegue o poeta: aqui em Natal, mesmo no meio dos que fazem poesia visual,há muito desunião, muito ciúme, muita inveja. O que é uma bobagem, porque não há nada mais subjetivo do que a poesia. Alguém pode não gostar do meu trabalho e gostar do de sicrano, e vice-versa, desabafa.

O poeta organizou ainda a Mostra Nacional de Poesia Visual, ao lado de Bianor Paulino, Falves Silva e J. Medeiros, realizada de 30 de maio a 14 de Julho de 1995, na Galeria Conviv’art da universidade Federal do Rio Grande do Norte. Participaram desse evento quase cem poetas visuais de todo o País.

Durante a nossa conversa- que se estendeu pela noite adentro - sempre ao som de Miles Davis, com Avelino me mostrando o seu acervo de poesia visual, composto por livros, revistas, jornais e cartazes, ficou muito claro que o poeta está chegando à sua maturidade mais agudo, mais claro, mais livre. Coisas que só a poesia e a solidão oferecem.

(Texto de Marize Castro - publicado no jornal TRIBUNA DO NORTE em 5 de agosto de 2001)

Opiniões sobre o poeta:

Marvin Sackner (USA)

Dono e fundador do "THE RUTH AND MARVIN SACKNER ARCHIVE OF VISUAL/EXPERIMENTAL POETRY" ( Miami ).

"Dear Avelino:

Thanks for sending me Abrapalabra. Your work is on the cutting edge of visual poetry. I liked your works in the book very much.

Congratulations on continuing to work at a superior level! "

February 4, 2002

Tarcísio Gurgel (RN)

Professor, contista e ensaísta

O campo da chamada poesia visual, é fértil na Literatura Potiguar, dando curso ao que há pouco clasificamos como tradição. E, as produções, quase sempre, de excelente qualidade. É o caso de, por exemplo, Avelino Araújo que realiza trabalho extremamente importante.

O seu Livro de Sonetos é uma pequena obra-prima, não havendo, aí, limites para as possibilidades de criação desse autor. E de forma mais nítida ressalta o seu talento, quando constatamos, no caso desse livro, que, na apropriação da forma poética consagrada por Petrarca, ele não procede movido por intenções parodísticas. O que ocorre, no incrível conjunto de sonetos visuais, onde as sugestões se originam de campos os mais diversos, ( dos grafismo ao Poema/Processo, daí ao recurso do enquadramento cinematográfico ) é uma recriação semântica dessa forma poética tão desafiadora e amada, que os parnasianos acabaram desgastando pelo uso exagerado. Mas, nem só de sonetos visuais vive a arte poética de Avelino Araújo. Igualmente extraordinária é a sua criatividade no volume intitulado Olho Nu, seleção de trabalhos de um autor, onde ressaltam colagens dentro de uma temática social. Desse poeta se pode dizer, sem temer o exagero, que o seu trabalho se inclui entre as mais importantes do Estado.

(In Informação da Literatura Potiguar - 2001)

Frederico Barbosa (SP)

Crítico literário, poeta ( ganhador do Jabuti ), escritor e ensaísta.

Caro Avelino:

Recebi o seu livro Abrapalabra e fiquei muito impressionado. Com a qualidade + inventividade/crítica dos seus poemas.

Esse e-mail vai para agradecer o presente e para (re)conhecer o poeta vigoroso que você é.

Um abraço grande,

Frederico Barbosa.

Ps.: Gostaria de colocar nas minhas páginas de links.

Dmitry Bulatov (Rússia)

Professor da Universidade de Kaliningrado, poeta, editor da antologia internacional "A point of view Visual Poetry: The 90's. An anthology"

Dear Avelino,

Thank you very much for wonderful works! I’m glad to see high level quality works! You are a great poet! In my last letter I thanks for your book and wrote you that I will use your works and materials in our book. We are planing to pressent this book to russian spectator in nov-dec. 97. It will be a large anthology. I will inform you about our finishing steps.

My best regards,

Your Dmitry.

Carta datada de 27/dez/1996

Manoel Onofre Jr., escritor

O jornalista Alexandro Gurgel, colunista do informativo eletrônico Natal Press, é quem nos apresenta Manoel Onofre Jr., a quem se refere como "o desembargador das Letras Potiguares. O texto foi produzido especialmente para o informativo:

"Manoel Onofre Jr., nasceu a 20 de julho de 1943 em Santana do Matos - RN. Em sua vida escolar passou por Martins, Natal e Mossoró. Diplomou-se em Ciências Jurídicas e Sociais pela Faculdade de Direito de Natal, em 1967.

Profissionalmente, foi professor de História, repórter e assessor jurídico. Ingressou na magistratura em 1970. Em 1989, foi promovido ao cargo de desembargador do Tribunal de Justiça do Rio Grande do Norte. Aposentou-se três anos depois, em 1992. O chamado das Letras foi mais forte e seu lado de intelectual e escritor venceu o de magistrado.

Seu primeiro livro, Serra Nova, de contos e crônicas, foi editado em 1964. Seguiram-se quase vinte livros, alguns de fundamental importância para a História da Literatura do estado: Chão dos Simples, Ficcionistas do Rio Grande do Norte, Guia da Cidade do Natal, O Chamado das Letras, A Palavra e o Tempo, MPB Principalmente e Espírito de Clã.

Ex-juiz de Direito, aposentado como desembargador, Manoel Onofre Jr. dedica quase todo o seu tempo para a literatura. São 23 livros escritos, entre ficção e pesquisa. Alguns o escritor não mais escreveria, outros são motivos de orgulho, como Chão dos simples, composto por mini-contos nos quais \"o real e o imaginário se harmonizam de maneira perfeita\", como bem disse Veríssimo de Melo, na apresentação do livro. \"Embora eu me considere um ficcionista frustrado, eu acredito ter colocado o melhor de mim mesmo em Chão dos simples, é um livro que recupera a minha vivência de menino no sertão”, disse Manoel Onofre numa entrevista à jornalista e escritora Marise de Castro.

Atualmente, Manoel Onofre Jr. é membro da Academia Norte-rio-grandense de Letras, ocupando a cadeira nº 05, cujo patrono foi Moreira Brandão e tendo seu 1º ocupante Edgar Barbosa. Sócio efetivo do Instituto Histórico e Geográfico do Rio Grande do Norte e sócio correspondente da Academia Mossoroense de Letras.

Com o livro Estudos Norte-rio-grandenses recebeu o prêmio Câmara Cascudo, em 1975. Escolhido o Intelectual do ano, em 1975, por uma comissão designada pelo jornalista Roberto Guedes, do Diário de Natal, dentro da promoção Homem do Ano. Recebeu o Diploma de Personalidade Cultural da União Brasileira de Escritores, entregue em solenidade realizada em maio de 1997, no auditório do Centro Cultural da Academia Brasileira de Letras. É Cidadão Honorário das cidades de Natal, Martins e Umarizal.

Alguns trechos do bate-papo entre o jornalista e o escritor:

Alex - O senhor é natural de Santana do Matos, mas a cidade de Martins parece ser sua Pasárgada, inclusive o senhor escreveu o livro Martins – A Cidade e a Serra. Como foi a vida em Martins? E até que ponto a cidade serrana é importante para o senhor?

Onofre – Na verdade eu nasci em Santana, mas com um ano e alguns meses eu fui para Martins. Toda a minha família é de Martins. Os ascendentes dos meus pais, são martinenses, meus irmãos também, mas como meu pai era promotor de justiça em Santana do Matos, em julho de 1943 eu vim ao mundo naquela cidade e só voltei lá depois de adulto. De maneira que a minha ligação sentimental é muito maior com Martins, porque foi em Martins que eu me criei e lá eu aprendi a gostar dos livros. Em suma, toda aquela magia e encantamento da infância e da adolescência, tudo isso eu devo a Martins, que é uma cidade privilegiada pelos encantos naturais, etc. Na época da minha infância, ela tinha características muito especiais, porque era uma cidade em decadência. Naquela época, podia se considerar como sendo uma daquelas cidades mortas a que se refere Monteiro Lobato no livro com esse mesmo titulo. Por ela estar isolada no alto da serra as estradas eram muito precárias. No inverno com lamaçais, o transito interrompia-se totalmente, só subia-se e descia-se ou a cavalo e a pé e às vezes nem a cavalo. Então era uma cidade muito isolada. E por conta desse isolamento ela conservava muito de toda aquela riqueza que vinha dos portugueses, da cultura ibérica. Aquele sertão bem característico, com a coisa ainda da idade média. É uma cidade muito especial. Eu tive esse privilégio. Eu até me lembro que Gilberto Amado, nas suas memórias, disse que tinha pena de quem não tinha nascido num engenho de açúcar. Ele achava que um menino num engenho de açúcar era um paraíso, mas eu digo que não troco engenho nenhum pela minha serra de infância. Essa é que é a minha espécie de Pasárgada que ficou e que me acompanha e pra onde eu vou, eu levo Martins comigo.

Alex – Inclusive, teve uma passagem de Mário de Andrade por Martins com Cascudo, que ele exclamou que Martins parecia com Teresópolis e Cascudo o advertiu: Não, é Teresópolis que parece com Martins.

Onofre – Isso me foi dito por Cascudo numa entrevista que eu fiz com ele pra Tribuna do Norte. Em 1967, eu era repórter da Tribuna e fiz uma entrevista, bem longa, com o mestre Cascudo. E ele me falou esse episódio de Martins. Ele disse que Mário de Andrade extasiou-se com a beleza do panorama, com o clima, com as frutas e disse: Mas oh! Isso daqui é Teresópolis. E Cascudo rebateu em cima da bucha: Não! Teresópolis é que é Martins.

Alex – O senhor morou em Mossoró ainda adolescente. Como foi essa época? Quais as memórias mossoroenses que o senhor guarda?

Onofre – Foi um período importante na minha vida porque foi na adolescência. Minha adolescência foi a fase das perplexidades diante de um mundo que ia sendo descoberto, dos conflitos decorrentes disso mesmo. Eu que até então tinha vivido junto aos pais, em Martins, fui jogado no Colégio Santa Luzia, sozinho. Então, me senti como se tivesse cortado o cordão umbilical. Foi de certa maneira um trauma. Junta-se a isso, que o colégio interno, foi inicialmente a minha experiência lá, o colégio interno é uma espécie de prisão. Então você, adolescente, distante de seu mundo, dos pais, dos amigos, de todo seu mundo sentimental e sozinho, naquele ambiente recluso. De maneira que foi uma fase de muita solidão, isso no começo. Mas quando meus pais vieram morar em Mossoró eu passei a estudar externo e comecei a me entrosar na vida mossoroense. Posso dizer que somente quando eu deixei o internato é que eu vim a me tornar um mossoroense adotivo, participando ativamente da vida da cidade, admirando os seus jornalistas, freqüentando a Biblioteca Municipal e eu até posso lhe dizer que os primeiros livros que eu li de ficção séria, não aquela ficção infanto-juvenil, que eu conhecia de Martins, esses livros mais sérios, eu comecei a ler em Mossoró, freqüentando a Biblioteca Municipal. Cinema, Martins não tinha cinema e eu quase não perdia uma sessão no Pax ou no Caiçara de Mossoró.

Alex - O senhor chegou a escrever algum livro, nesse seu tempo em Mossoró?

Onofre – Não! A primeira crônica que eu escrevi, meu primeiro texto, foi num jornalzinho que eu fundei no Colégio Diocesano Santa Luzia e o jornal se auto intitulava o “Órgão da Quarta Série Ginasial do Colégio Diocesano Santa Luzia”. Foi a primeira experiência. Esse jornalzinho, que eu ainda tenho uns exemplares, que eu guardo, circulou vários números e inclusive quando eu deixei Mossoró porque eu vim para Natal, ele continuou circulando, sob a direção de um colega, Ítalo Maciel e outros colegas como João Leôncio. Esse jornal me deu muita alegria porque me iniciou nas letras, me fez ver que havia outras pessoas do meu convívio que também eram entusiastas da literatura. Foi um estímulo muito forte, porque em Martins até então eu era, em termos de literatura, era sozinho. Menino lá em Martins, não sabia o que era isso, sabia o que era jogar bola e aquelas brincadeiras de rua, aquelas coisas folclóricas que sobreviviam na Martins da minha infância, mas em matéria de literatura só havia os livros do meu pai, na maior parte livros jurídicos, inclusive um livro de medicina legal que eu lia incessantemente e ficava curioso vendo as fotos.

Alex – E desse tempo de Mossoró, você fez amizade? Guarda alguma amizade até hoje? Como é seu contato com Mossoró hoje?

Onofre – No meu tempo de estudante tive grandes colegas. Me lembro aqui dos que eu já nomeie, Ítalo Maciel, tinha Francisco Dantas Pinto que é juiz de direito aposentado. Tinha o Carlos Fonseca, hoje é médico, em Natal. Tinha o João Leôncio Maia Pinto que também mora em Natal, escritor. Tinha o Dídimo Borges que era um intelectual também. Uma figura emblemática que era o Padre Sátiro Dantas que, se não me engano, era o vice-diretor, era o responsável pela disciplina no Colégio e eu, naquela época, olhava-o com uma certa distância, ele era muito enérgico, mas uma grande figura. Ele zelava pela qualidade do ensino, de forma que foi uma figura que me marcou. Ainda hoje é o diretor do Colégio Diocesano Santa Luzia. Outra figura, também dessa época, era o Cônego Sales, o seu perfil é diferente do Padre Sátiro. Ele era um bonachão, gostava de dizer piadas aos alunos com muito bom humor, era o professor de francês. Foi na verdade, a mola mestra da construção do novo colégio, inclusive quando eu cheguei em Mossoró, eu fiquei ainda no colégio velho, que ficava na Praça Antonio Joaquim, era um prédio bonito que foi criminosamente destruído e no meio do ano, se não me engano, foi em 1956, houve a mudança para o colégio novo, prédio novo que existe ainda hoje. O diretor do colégio nessa época era o Cônego Sales, uma figura humana, fazia sonetos, inclusive chegou a colaborar com o jornalzinho da quarta série e escreveu um livro sobre a história do Colégio Diocesano Santa Luzia.

Alex - Quando o Sr. Chegou a Natal, por volta de 1959, trabalhou como repórter e militava no movimento estudantil. Como foi essa turbulência jovial, em Natal?

Onofre – Era um movimento muito tenso, porque havia uma efervescência, uma política especial, que era aquela política estudantil. Essa política é semelhante, em ponto menor, a política partidária mesmo. Os órgãos principais eram a Associação Potiguar de Estudantes – APE -, que hoje, se não me engano é APES e o Centro Estudantil Potiguar. Como havia eleição para essas duas entidades, eram campanhas memoráveis. Havia também eleições para o Grêmio Estudantil do Atheneu. Além dessa atividade toda, sempre havia aquele movimento de estudantes para, por exemplo, obter redução no preço de passagem dos ônibus, redução no preço dos ingressos dos cinemas. Quando isso era negado, havia uma reação muito grande, passeatas. Tinha estudantes, embora não tendo uma liderança muito grande, do ponto de vista intelectual, mas eles tinham muito prestígio junto aos colegas. Era o caso, por exemplo de Manuel Filgueira Filho, Pecado, uma legenda entre os estudantes. Era uma pessoa muito simples, sem nenhuma instrução, mas um agitador nato. Não tinha nenhuma ideologia, mas fazia um movimento dentro da classe estudantil. Além dele havia outras grandes figuras, o Edmilson Felipe, como presidente da APE, hoje reside em Belo Horizonte. A gente participava de congressos da UBES e eu mesmo cheguei a participar de dois, um em Pelotas, outro em Goiânia. Estivemos na UBES para tratar de outros assuntos. A UBES que funcionava na sede da UNE, que depois a ditadura militar destruiu.

Alex - Quais as suas lembranças da vida intelectual natalense do tempo das Cocadas, no Grande Ponto natalense?

Onofre - As Cocadas, na verdade, foram uma verdadeira universidade, aqui vale dizer o clichê. Foi uma universidade realmente. Conheci grandes figuras, intelectuais nas Cocadas e ainda hoje são amigos meus e são nomes que se projetaram na vida intelectual do Rio Grande do Norte e tantos que não dá para mencionar. As Cocadas tIveram uma importância muito grande na minha formação.

Alex – O senhor formou-se em direito e enveredou pela carreira jurídica. Quando foi que escutou o chamado das letras? Inclusive é título de um livro seu. Como surgiu o interesse pela literatura potiguar? E quando começou a pesquisar?

Onofre – O chamado para literatura em geral foi na adolescência, mas especificamente, a literatura potiguar isso me preocupou desde os primeiros momentos, aqui em Natal. Eu fui como que apresentado à literatura norte-riograndense quando vim para Natal, que daqui eu podia ter uma visão mais geral. Eu sempre tive um senso de justiça apurado, talvez isso me tenha levado para a carreira jurídica, e esse senso de justiça me fez ver uma coisa gritante: o fato que nós tínhamos valores, grandes valores aqui no Estado, mas que a literatura nacional desconhecia inteiramente. Naquela época, os grandes nomes eram Zila Mamede e todos aqueles do começo dos anos sessenta, Sanderson Negreiros, Augusto Severo Neto, Luis Carlos Guimarães, Deífilo Gurgel, Dorian Gray, todos eles. E eu vi todos esses nomes aqui, da maior importância, como que soterrados na província. Aquilo talvez tenha sido a semente que fez com que eu passasse a me identificar, a divulgar a literatura do Estado. Através de levantamentos e de estudos, que não sendo propriamente estudos críticos na acepção mais rigorosa que se possa ter da crítica literária, mas que são estudos que ao meu ver podem ter contribuído para divulgar nossa literatura, não só aqui dentro, mas além fronteiras. Foi nessa época que surgiu o pesquisador. O primeiro livro é o resultado desse interesse. Por esses temas surgiu o livro Estudos Norte-riograndenses, que ganhou o premio Câmara Cascudo em 1975.

Alex - O senhor entrou na literatura escrevendo um livro de ficção, mas faz tempo que o senhor não publica uma obra ficcionista. O senhor parou de escrever ficção?

Onofre - Na verdade, o que eu mais gosto é da ficção, inclusive eu acho que setenta por cento dos livros que eu leio, são livros de ficção, romances, contos, novelas. A produção ficcional escolhida, depois foi reunida no livro Chão dos Simples. Eu confesso que passei a ter um interesse maior pela pesquisa, talvez motivado, até mesmo pelas funções que eu exercia, como juiz, que me levavam à pesquisa, pesquisa de jurisprudência, de doutrina para as sentenças e que terminaram me desviando também para a pesquisa literária. E é fato que eu acho que entrei por esse caminho, onde perdi o caminho da ficção e talvez pra mim fosse o mais importante. Essa é a explicação que eu me dou, mas não sei se realmente é a verdadeira, são coisas imponderáveis que a gente não pesca. Pode ser até também, essa coisa de deixar a ficção, tenha sido um bloqueio, uma espécie de inibição por achar que a ficção é uma coisa muito séria. A ficção e a poesia em literatura só se deve publicar se a coisa estiver realmente madura, for impossível deixar de publicar, porque uma pesquisa, do ponto de vista literário não tendo muita importância, ela sempre vai seu útil, ela trás uma grande soma de informações, dados, que alguém pode aproveitar, independentemente da qualidade literária. A poesia e a ficção têm que ser de primeira, têm que ser arte. É a pura arte. Tem que ser boa. Nada mais lastimável que sub-literatura. Isso me criou uma inibição, um certo receio, mas eu espero, anseio voltar à ficção.

Alex – No seu livro Literatura e Província o senhor afirma que seria temerário falar sobre a existência de uma literatura do Rio Grande do Norte, mas assim, uma literatura no Estado do Rio Grande do Norte, notadamente nas cidades de Natal e Mossoró. Afinal até que ponto se estende a literatura potiguar?

Onofre - Essa foi uma afirmação polêmica que até na reedição desse texto, aproveitado em Salvados, na segunda edição, eu suprimi esse enfoque. Eu achava que isso se prestava a muita polêmica e interpretações que não coincidiam com o que realmente eu queria dizer. O que eu quis dizer é que a literatura, toda e qualquer literatura, é um fenômeno nacional e só uma nação, um povo consegue ter sua própria literatura. Portanto, eu acho que a simples divisão administrativa federativa, de cada Estado, não dá todas aquelas características que pudessem refletir numa literatura, porque em essência, lato sensu, a literatura do Rio Grande do Norte é a mesma da Paraíba, do Ceará. Eu até admitiria se falássemos de uma literatura do Nordeste, porque já há uma diferenciação do restante do país. Agora, na verdade, há uma literatura no Estado, ela não é do Rio Grande do Norte porque o Rio Grande do Norte não é uma nação, nem tem aspirações de ser uma nação, como por exemplo, a Catalunha, os Bascos, que se orgulham de ter uma literatura própria, porque culturalmente aquele conjunto de características se reflete na literatura. Eu acho que no Rio Grande do Norte, não. Em essência o norte-riograndense é o paraibano, é o cearense, o pernambucano, a diferença é muito pequena. Aqui, nós temos, sob vários aspectos, uma literatura feita com valores daqui e que deve ser prestigiada, porque o eixo cultural Rio-São Paulo nos ignora, eles sempre adotaram essa posição de olimpicamente ignorar o que se faz no Nordeste, especialmente.

Alex - De acordo com o professor e escrito Tarcísio Gurgel, o livro Chão dos Simples conta causos de sertanejos onde ressalta a esperteza do matuto e um certo encantamento propiciado pela natureza. Até que ponto esse encantamento acontece no livro?

Onofre – Chão dos Simples é o livro de que eu mais gosto e ali está o meu sertão, através do meu sertão a minha visão do mundo que passa do regional para o universal. Eu só discordo de Tarcísio quanto à designação de causos. Aparentemente, são causos, eu sempre gostei muito de histórias ou como dizia Cascudo estórias com “e”. Mas os meus contos sempre vão além do causo. Tem algum sentido ali, uma outra leitura, uma leitura subjacente.

Alex – Numa entrevista à Tribuna do Norte, o senhor disse que mostrou um poema de sua autoria à Zila Mamede e ela não deu muita importância àquela poesia. Será que ela o desencorajou?

Onofre – É verdade. Zila me fez um grande favor. Na verdade, eu não tenho o dom da poesia. Tentei de uma maneira muito canhestra fazer um poema, em que usava, inclusive, o termo “embalsamado”. Quando Zila viu esta palavra, ela se horrorizou (eu deduzi pela expressão fisionômica dela), e me entregou o papel com o poema de volta e não disse mais nada. A partir daí, nunca mais poesia. Mas sempre tem um porém. Certo dia, escrevi uma coisa sobre Recife e mostrei a Jarbas Martins, meu ex-colega de faculdade, excelente pessoa e Jarbas disse: “Olha, isso aqui você poderia colocar em forma de poema”. E então graças a Jarbas, eu cometi um poema que foi publicado, num jornal de Recife, e me parece também que no jornal A República, de Natal. Além desse poema, eu ainda fiz outro, ainda me aventurei a isso, mas felizmente parei; desde então, mais nada.

O também escritor Veríssimo de Melo, escrevendo sobre Manoel, diz que “adaptando material folclórico em algumas de suas histórias curtas, o autor norte-rio-grandense parece também recriar o produto de sua vivência na Serra do Martins. (...) Manoel Onofre Jr. é escritor enxuto, de saborosa narração popular.

Suas histórias ou mini-contos divertem pelo toque de humor espontâneo. Como agradam igualmente pelo sentido humano e até dramático das situações que apresentam”.

Alguns livros de Manoel Onofre Jr.:

- Chão dos Simples, edição do autor, 107 páginas, 1998

- Guia da Cidade do Natal, Editora da UFRN, 138 páginas, 1998

- Literatura & Província, Editora da UFRN, 201 páginas, 1997

- O Chamado das Letras, edição do autor, 167 páginas, 1998

E uma poesia:

No Recife

Uma ponte desfere seu salto

sobre o dorso do rio que dorme.

Aquele edifício

paredão cinza e aço

decapitou as torres da Madre de Deus,

as sombrias torres barrocas da Madre de Deus,

dois chapéus eclesiásticos pendurados no azul

junto com as nuvens.

(poema de 1986)

Magnólia Revoredo, artista plástica

Como a própria artista define, a vida de Magnólia Revoredo é um verdadeiro arco-íris. Nascida em Nova Cruz-RN, com 24 dias de vida foi morar em Natal, Capital do Estado, passando toda a infância junto às aquarelas e tendo desenvolvido muito cedo o amor pelo desenho e pelas artes plásticas.

Ainda pequena era comum vê-la tentando reproduzir os grandes nomes da pintura como Leonardo da Vinci, Renoir, Monet entre outros. Aos sete anos iniciou sua escalada no caminho das artes, obtendo diplomação entre colégios da cidade. Aos quinze anos foi crescendo mais a paixão pelos pincéis e tintas, continuou a reprodução de maneira extremamente acadêmica, devorando tudo que via de enciclopédias e revistas sobre as artes e suas escolas.

Direcionou-se para outra profissão, formando-se pela UFRN no curso de nutrição. Após o término do curso praticou a profissão, porém reiniciou outro curso na UFRN, o de fisioterapia, que fez até o terceiro ano e trancou a matrícula.

Retomou aos antigos ideais, as cores, tintas e os pincéis, com os quais diz ter realmente se encontrado, iniciando um processo de crescimento contínuo que, ela afirma, jamais poderá ceder ao acomodamento, pois agora sua busca é pelo novo, belo e o ousado da arte. Como não fez faculdade de artes plásticas, resolveu trazer a escola para o seu mundo familiar e há mais de um ano tem aulas de história da arte com o professor universitário italiano Franco Gracile.

Fez cursos com professores de porte internacional, pois até então era autodidata. Seu estilo artístico é extremamente eclético. Magnólia diz que seu casamento com as cores e muito agradável. "Uso muito as cores alegres, pois sou uma festa", diz ela em gargalhada. O destaque fica também para as cores fortes (vermelho de cádmio, verde inglês, amarelo de cádmio, azul cobalto, branco de titânio etc).

A artista trabalha com técnica mista, indo de figuras abstratas, regionais, natureza morta, figuras humanas, marinhas etc. Em 2002 participou do salão da Marinha Naval, classificando-se pela Capitania das Artes do Rio Grande do Norte. Fez exposições coletivas e individuais no Natal Shopping, Amoarte, Atelier Claude Monet, Aero Clube de Natal, Artkasa e filiadas, stand do Biarritz e Feira Internacional de Artesanato Centro de Convenções do RN, entre outras.

Orquestra de Ceará-Mirim

Sonho recente da prefeita Edinólia Melo, a Escola de Música Márcia Pires já é uma realidade. Inaugurada há quatro meses, no dia 10 de junho deste ano, ela foi o berço da Orquestra de Ceará-Mirim.

A estréia da Orquestra aconteceu no último dia 10 de novembro no Clube Unisesp, em Ceará-Mirim, onde também aconteceram recitais dos jovens músicos matriculados na Escola. São 360 atualmente. Todos estudantes da rede de ensino municipal do município.

Além de se constituir numa grande atração cultural da cidade, a Orquestra, que funciona paralelamente à Escola, está proporcionando conhecimento e formação musical a meninos e meninas de sete a 17 anos.

“Talento não é nato é treinado e desenvolvido”, diz Shinichi Suzuki, criador do método utilizado na Escola, que tem como destaque a rapidez na apreensão da habilidade pelos alunos.

Em sua primeira apresentação, a Orquestra apresentou músicas de vários estilos musicais. Sempre de forma irreverente, ao estilo da maestrina e idealizadora do projeto, Márcia Pires.

Repertório:

The Wall, de Pink Floyd, Anna Júlia, de Marcelo Camelo, La Bamba, de Rithie Valens, Perpetual Montion, Twinkle,Twinkle, Litlle Star e Allegreto, de Shinishi Suzuki, e Song Of the Voina, de Folk Song.

Os componentes:

Violinos: Maria Eduarda Miranda da Cruz; Késia da Costa Celestino; Talita da Costa Celestino; Robson Roque Fernandes da Silva; Manoel Paulo dos Santos Neto; Mayse da Silva Oliveira; Cibele Maria de Freitas Cabral; Giuliano Silva Pessoa; Denise da Silva Nunes; Franciele Amanda de O. Justino; Amanda Cibele Pinheiro Lima; Lourena Kallahan S. Pequeno; Widany Karla Pereira de Lima; Mariana Ramos da Silva Araújo; Wydlene Pereira de Lima; Maria Lima de Souza; Lorena Enedino Maçal; Edivanda Maria Olavier; Moisés Veloso dos Santos; Wagner Henrique S. da Silva; Anselmo Moura de Carvalho Jr.; Vivian Kynara Gomes; Edilene Souza da Silva; Eulália Wilyane dos Santos; Rafael Paulino da Silva.

Violoncellos: Anny Caroline; Beatriz Xouza; Kefferson Tarciano; Malena Barbosa; Mariana Coeli; Maria Gabriela; Fabiana Priscila; Raquel da Costa; Daniele Santos; Amélia Catarina; Amanda Araújo.

Teclado: Josemar Rodrigues

Bateria: Joymax Andrade; Paulo Neto.

Baixo: Davi da Costa Celestino; José Luciano Souza.

Guitarras: Alan Bezerra da C. Barbosa; João Maria de S. Henrique, Rayninson Pereira do Nascimento

Violão: Daniele Nascimento; Emanuel Nascimento

Coordenação Artística e Regência: Profª Márcia Pires

Bosco Lopes, poeta

Bosco Lopes não tem biografia ele é poeta é poeta é poeta é poeta é poeta é poeta.

É.

PO!

É.

TÁ?

Do poeta Celso da Silveira, que acrescenta:

"breve nome de poeta de longo curso

marinheiro solitário e sem bússola

desse triângulo das bermudas

que é sua vida de poeta

embarcadiço de nau fantasma

mareando mares

maramando marias."

Outro contemporâneo de Bosco, o poeta Dailor Varela, complementa:

"Bosco é um doce anarquista, poeta mais por vivência do que por texto (...) Já tomamos muitos porres e cometemos muitas aventuras culturais (poema/processo, happeninngs e outras mumunhas) juntos."

O livro 400 nomes de Natal apresenta Bosco assim:

Funcionário público, "mais público do que funcionário", como costumava dizer, seu primeiro e único emprego foi na Fundação José Augusto. Mas o que realmente optou por ser na vida foi poeta, condição que o popularizou nas rodas boêmias do Centro da cidade, especialmente nos bares do conhecido "Beco da Lama", (rua Dr. José Ivo), famoso pela presença diária de boêmios e intelectuais.

Participou do movimento de vanguarda Poema/Processo em Natal, juntamente com Anchieta Fernandes, Falves Silva, Franklin capistrano e alguns outros.

Em 1973, lançou o "Projeto Zero", dentro da estética do Poema/Processo. Em 1987, lançou o livro "Corpo de Pedra" pela Fundação José Augusto, em que retorna ao poema verbal, alternando poemas de conteúdo social com o romantismo inspirado em musas reais ou ideais.

Era um personagem muito querido nos círculos intelectuais e boêmios que frequentava, onde o tratavam habitualmente como "poetinha".

Nos últimos anos, foi se tornando cada vez mais dependente do álcool, resultando disso que escrevere, para ele, tornou-se uma atividade esporádica, e mesmo a frequência a bares transformou-se numa rotina penosa em decorrência dos problemas físicos de que padecia.

Isto, apesar dos cuidados que lhe devotavam a mãe e uma tia, ambas anciãs, lutando inutilmente para afastá-lo da bebida que findaria por abreviar seus dias de vida.

Ao participar da antologia de crônicas "Nossa Cidade Natal", finalizou dizendo:

"Eu, também etilírico poeta, de pé no chão, aprendi o ofício da poesia para te dizer: muito obrigado, Natal, pelas dádivas que de ti recebo há 33 anos."

(Deífilo Gurgel, Nélson Patriota e Rejane Cardoso)

Nilzete Moura Freire, artista plástica

Nilzete Moura Freire nasceu em Natal onde realizou seus estudos secundários, universitários e pós-graduação.

Graduada em Letras em 1970, formou-se em Pedagogia em 1980. Logo depois, em 82, concluiu pós-graduação em Língua Portuguesa e Literatura Brasileira.

Foi também na Universidade Federal do Rio Grande do Norte que Milzete fez carreira. Sempre em áreas ligadas à Pedagogia, à Cultura e à pesquisa, tendo se aposentado em 1989.

Logo depois, fundou uma oficina de artes no Clube da Melhor Idade de Natal.

Depois, em 1996, fundou o Espaço Cultural Claude Monet, onde exerce a coordenação de cursos.

Desde 1997, tem participado de inúmeros cursos de pintura estudando diferentes técnicas e estilos.

Embora eclético, seu estilo é preferencialmente acedêmico, utilizando óleo sobre tela com destaque para os termas ligados à Natureza.

Desde 97, Nilzete já participou de mais de 100 exposições coletivas e individuias em galerias de arte, hotéis, shopping centers e feiras.

As mais importantes foram as individuais que promovei na Capitania das Artes, Fundação José Augusto, Teatro Alberto Maranhão, Espaço Cultural Claude Monet e Núcleo de Artes da UFRN, todas em Natal.

Elaine Valença, artista plástica

Artista plástica na área de pintura em tela, madeira e texturas especiais, utilizando óleo e acrílico em suas obras. Realiza também trabalhos em esculturas de aço e vidro.

Adepta dos estilos figurativo e abstrato, participou de vários cursos de aperfeiçoamento o que tornou seu trabalho requisitado por arquitetos e decoradores de nossa região, estando expostos em várias lojas de decoração e exposições regulares.

A partir de 1999, suas obras vêem sendo adquiridas por colecionadores de arte das cidades de Natal, Fortaleza, Recife, Rio de Janeiro, Brasília e Aracaju, como também dos países da Espanha, Portugal, Austrália, Itália e Suécia.

Atualmente suas peças podem ser encontradas na Gold Stone (Midway Mall) e Tutti-Belle.

Atividades Artísticas – Natal-RN

1976-1998 - Trabalhos em pintura em óleo sobre tela de caráter particular e por diletantismo;

1999 - Exposição com escultura de aço e vidro na Espaço Design Mostra de Arquitetura e Arte;

1999-2000 - Exposição com escultura de aço e vidro no show-room de produtos cerâmicos Eliane no Armazém Pará;

2000-2001 - Exposição de pintura em técnica mista e acrílico sobre tela no espaço cultural AMOARTE no Natal Shopping Center;

2000 - Exposição de pintura em técnica mista e acrílico sobre tela no Projeto Cultural Alvará das Artes na Justiça Federal;

2000 - Exposição de pintura em técnica mista e acrílico sobre tela no Espaço Cultural Claude Monet no Praia Shopping;

2001 - Coletiva in Maio: Trabalho em técnica mista e acrílico sobre tela realizada na Capitania das Artes da Prefeitura Municipal do Natal;

2000-2005 - Exposição Permanente: Trabalho em técnica mista e acrílico sobre tela em exposição permanente nas Lojas: Santorini Presentes; Tutti-Belle, decorações; Ornamento; Sofá Designe; Golden Stone; SCA móvei; e no Shopping do Artesanato.

Carmen Vasconcelos, poeta

Carmen Sylvia Alves de Vasconcelos nasceu em Angicos, no Rio Grande do Norte, em 21 de junho de 1965. Aos 14 anos, transferiu-se para Natal, para estudar no Instituto Maria Auxiliadora, uma tradicional escola da cidade. É formada em Serviço Social e Direito, pela Universidade Federal do Rio Grande do Norte, e trabalha no Tribunal Regional do Trabalho, em Natal. Tem publicado regularmente seus poemas em jornais e revistas literárias do Nordeste, obtendo grande repercussão entre os leitores. Seu livro de poemas, intitulado Chuva ácida, mereceu uma crítica muito elogiosa e inúmeros comentários que ressaltavam o impacto dos versos e a diversidade de seus temas.

Seus primeiros poemas foram publicados no jornal  “O Galo”, da Fundação José Augusto, de Natal. Ela também foi colaboradora da revista “Augusta”, de João Pessoa/PB.

A respeito dela, afirmou o poeta Luís Carlos Guimarães na orelha do livro “Chuva Ácida”:

O espaço é pequeno demais para uma avaliação de quanto é surpreendente e instigante a poesia de Carmen Vasconcelos, uma das mais promissoras revelações de poeta dos últimos anos.

“Chuva Ácida” tem apresentação do multi-artista Dorian Gray Caldas que enaltece o “cristal incandescente” da poesia de Carmen Vasconcelos: “... louvemos a poeta no brilho dos seus jovens anos. Como uma vestal, uma luz, um milagre pela dádiva que a poesia permite.”

Sobre seu último livro, Destempo, o escritor Cunha de Leiradella, escreveu:

Não há como duvidar.

A poesia de Destempo é uma poesia de verdadeiro impacto. Sem qualquer aviso e sem qualquer gradação, o leitor é colocado diante de poemas que se lhe grudam na pele e lhe desfibram a sensibilidade, seja pela força extraordinária com que gritam desesperos e angústias, seja pelo lirismo com que penetram no âmago da mais cristalina simplicidade.

Carmen Vasconcelos conhece bem o terreno onde semeia os versos de seus poemas. E sabe, como poucos, manter intacta a linha divisória entre arte e cultura, transfiguração e figuração, interpretação e cópia, significado e significante. E é, justamente, este equilíbrio, esse conhecer profundo do fazer poético, que faz o leitor mergular na essência da poesia em seu estado mais puro. Ler Carmen Vasconcelos não é só ler Carmen Vasconcelos, é olhar nossa própria imagem refletida no espelho das suas mais íntimas e contundentes intenções. No âmago, sou eu comigo mesmo, guiado por outro eu.

A consciência dos limites do ser, mesmo quando contraposta à morfia dos limites do estar, não se intimida.

Mas também não concebe. Pelo contrário, exige. Mas (e é aqui que Carmen mergulha no mais profundo do seu ser) exige concedendo, e é neste aparente jogo de contradições também aparentes que a realidade dos poemas de Destempo grita desesperos e angústias na mais cristalina simplicidade:

"Só chego às pessoas

para me render

às suas profundidades.

(...) Dentro de ti eu tenho sombras

praiadas nos meus olhos.

E não há nada além."

Tudo parece fácil, tudo parece simples, tudo parece ser.

E, o que é mais importante, é.

É. E é porque estamos diante de uma pessoa sem vãos e sem vazios. Completa. Mas é, acima de tudo e também, porque estamos diante de um ser que se mostra por inteiro, sem medos e sem pudores.

Totalmente completo.

Por isso, Carmen Vasconcelos é só poeta. É uma grande poeta. Das maiores da novíssima poesia brasileira.

Jean Sartief, a arte sem limites

Jean Sartief é natalense e  vem se destacando no cenário literário e artístico, regional e nacional com energia. Seu novo livro de poesias NA BOCA DAS TUAS PALAVRAS, e a exposição colagens - AOS TEUS OLHOS, a serem lançados no TCP - Teatro de Cultura Popular, 18 de outubro, às 19h, é uma mostra do  amadurecimento de seus escritos desde a publicação de Eclipse, em 2001 e do primeiro livro do bardo, Entre o Sol e a Lua, em 1997.

Sua estréia oficial nas artes visuais se deu em 1992 numa exposição coletiva a partir de um curso com o artista plástico Luís Anísio, na Fundação José Augusto. 14 anos depois, Sartief mostra o resultado de um dedicado e laborioso trabalho tanto na literatura como nas artes visuais.

Literatura

A temática que o motiva, tanto na literatura como nas artes visuais - fotografias, colagens, objetos, instalações e intervenções urbanas - tem como foco principal o emocional-afetivo.

Sartief percorre os amores e dores e todo o universo de nuances contido nesses extremos, mas inova ao transgredir o formato comum de versos, quadras, estrofes ou qualquer métrica utilizada o que já é perceptível tanto pela concepção gráfica como pela diagramação feitas pelo próprio artista. Ele segue uma linguagem contemporânea, onde a emoção prevalece sem cair no comum. Mas é justamente essa possibilidade de atingir o novo através do simples que o diferencia. 

Sua obra literária inclui um livro infantil e um de contos, ambos inéditos, que pretende publicar em um futuro próximo.

Premiações

Trazendo em sua bagagem o primeiro lugar no Concurso Zila Mamede - 2004, bem como a menção honrosa nesse mesmo ano e em 2005 pelo Prêmio Luís Carlos Guimarães, Jean Sartief mostra que seu caminho é próspero na literatura potiguar.

Nas artes visuais, ele tem se destacado nacionalmente e internacionalmente. 

Em fevereiro foi convidado a participar em São Paulo, da Bienal da UNE, com três trabalhos selecionados. Em maio, o artista participou do Salão 8 de maio na pinacoteca e na Capitania das Artes, em Natal, Rio Grande do Norte. Em junho, foi selecionado para representar o Rio Grande do Norte no Salão de Maio,  promovido pelo Grupo de Intervenção Ambiental - GIA, em Salvador, Bahia,  e, ainda no mês de junho, teve três fotografias digitais escolhidas para o VII Salão de Arte Digital de Cuba, ficando em exibição até julho. Nos meses de julho, agosto e setembro teve duas obras expostas no concorrido Memefest - evento de comunicação e arte que acontece simultaneamente na Alemanha, Estados Unidos e em diversos outros países, inclusive o Brasil.

Exposição

A exposição AOS TEUS OLHOS, que o artista apresenta junto com o lançamento do livro é resultado de suas experiências visuais com colagens - técnica que o fascina pela possibilidade múltipla de intervenção e experimentação. Nesta exposição segue uma linha simples, clean, mas subvertida pelas imagens e interferências. Sem grandes arroubos, performances ou estardalhaço, Sartief mostra em 13 obras colagens sobre madeira - 80 x 60 cm - a sutileza e a poética visual.

Programação do lançamento

A programação começa com a primeira edição do Projeto Bendita Poesia, do TCP. Nessa primeira edição, Jean Sartief estará interpretando algumas de suas poesias, seguido de um bate-papo com o público. Em seguida, o cantor Luiz Gadelha estará cantando algumas de suas composições e poesias do livro NA BOCA DAS TUAS PALAVRAS

Haverá exibição de vídeoarte do artista visual Manu, cujos vídeos são inspirados na poética de Sartief. Finalmente, será feito o lançamento do site do livro.

(O Teatro de Cultura Popular está localizado na rua Jundiaí, 641, sendo cobrado o preço de R$ 20 por pessoa. Para contatos com o artista pode ser utilizado o telefone (84) 32015397 ou o e-mail sartief@ig.com.br

Pelas tuas mãos.

Voltei sem os meus olhos,

Com as mãos vermelhas.

Cheio de pés,

Cheio de pólvora,

Cheio de vazio.

Não é mais a nossa hora

E vou implodindo 

Tudo o que achei

Ser riso,

Doçura e

Esperança.

Quebrando todo

Esse edifício

De mil andares.

Agora,

Ando descalço,

Bem perto do chão...

Desse cômodo buraco

Cavado com as tuas mãos.

João Luiz Miranda, artista plástico

O artista plástico João Luiz Miranda, carioca radicado no Rio Grande do Norte, vem se destacando cada vez mais no cenário das artes plásticas.

Desde criança revelava forte interesse pelo desenho e a pintura. Na adolescência começou a criar as suas primeiras talhas como autodidata. 

Realizou sua primeira exposição individual em 1999, no centro de turismo de Natal, durante um congresso de arquitetura. Irrequieto, produz de tudo um pouco, utilizando uma grande diversidade de materiais em suas obras, executadas em madeira, metais, resina, telas. Os seus trabalhos, depois de passarem por um estilo tradicional, exprimem hoje forte característica abstracionista. Seja em suas esculturas, nas talhas ou pinturas em acrílico sobre telas, o artista revela o seu fascínio por formas e cores, que compõe e combina com forte personalidade.

João já participou de varias exposições coletivas e individuais.

No ano de 2002, participou do VIII Salão de Arte Contemporânea do Rio de Janeiro, onde foi premiado pela Academia Brasileira de Belas Artes com o terceiro lugar, recebendo diploma e medalha de bronze, premiação idêntica à que obteve no VI Brasil Arte do Rio de Janeiro, também promovido pela Academia Brasileira de Belas Artes e pelo Teatro Municipal do Rio de Janeiro.

Neste mês de outubro, João Luiz de Miranda está com uma exposição de telas abstratas no restaurante Maturí que permanecerá  aberta até o dia 25.

Referências

“Alie-se à aquisição do nosso artista, a qualidade excepcional dos temas e das técnicas exercidas no pleno domínio do prazer artístico" 

"Acredito na sua arte, e por acreditar na sua arte sei que o homem e o artista haverão de atingir as metas prometidas e a consagração    definitivas.” (Dorian Gray Caldas, artista plástico).

 

"A obra de João Luiz Miranda é uma prova de que o tradicional e a criatividade porem se misturar". (Hayssa Pachêco, jornalista, DIÁRIO DE NATAL)

 

"João, você resolveu abrir as asas, voe, voe alto, firme e livre na sua arte, pois disposição, criatividade e talento não lhe faltam" (Ulisses Leopoldo, marcheteiro).

Fotos

1. As quatro imagens apresentadas na primeira linha abaixo são esculturas. As duas primeiras em chapa de ferro com pintura automotiva e as duas últimas em madeira (umburana); 2. As peças da linha seguinte são trabalhos em acrílico sobre tela; 3. Na linha inferior estão apresentadas quatro talhas, uma em cerejeira e as demais em mogno, duas delas com incrustações – uma em cerâmica e outra em metais.

Antônio Bento, escritor e crítico de arte

Antônio Bento (de Araújo Lima) nasceu em Araruna, Paraíba, em outubro de 1902. Faleceu no Rio em outubro de 1988. Viveu sua infância no engenho e fazenda Bom Jardim, no litoral do Rio Grande do Norte, sendo bisneto, neto e filho de senhores de engenho. Fez estudos ginasiais em Natal Iniciou o curso de Direito em 1920, no Recife, quando morou numa república de estudantes de Olinda, tendo como companheiros José Lins do Rego e Raul Bopp.

0 primeiro artista moderno que conheceu foi Vicente do Rego Monteiro. Transferiu-se em 1923 para a Faculdade de Direito do Catete, no Rio, formando-se em 1925. Conheceu Portinari em 1924 e Ismael Nery e DiCavalcanti em 1925. Em São Paulo, em 1926, trabalhou ao lado de Mario Pedrosa no Diário da Noite, como cronista musical Participou de pesquisas folclóricas com Mario de Andrade, fornecendo-Ihe temas nordestinos, inclusive as canções do Bumba-meu-boi. Para “Macunaíma" cedeu os cantos da dança dramática e conseguiu que Pixinguinha lhe fornecesse a macumba da Tia Ciata. Mario de Andrade colocou Antônio Bento e outros amigos, entre os quais Blaise Cendras, Manuel Bandeira, Jayme Ovale e Raul Bopp numa cena de magia negra, no Rio.

Desse modo Antônio Bento foi transformado em personagem de “Macunaíma". Alias, o próprio autor dessa rapsódia confessou que devia muito a Antônio Bento e a Mario Pedrosa o estímulo e a compreensão que o levaram a escrever essa obra-prima da literatura de vanguarda no modernismo brasileiro. Voltou para o Rio em 1927, ano em que foi eleito deputado estadual pelo Rio Grande do Norte. Participou da elaboração da lei pioneira que concedeu no Brasil o voto feminino. Foi reeleito para um segundo mandato, deixando de exercê-lo em face da revolução de 1930. Foi um dos redatores a participar da fundação do Diário de Noticias em 1930, onde trabalhou ate 1932, quando foi nomeado, graças a Lindolfo Collor, para o Ministério do Trabalho, juntamente com Olegário Mariano. Casou-se em 1932. Em 1940, foi nomeado Procurador Regional do Trabalho e mais tarde Procurador de 1a Categoria do Ministério Público da União. Trabalhou no Diário Carioca, de 1934 ate o seu fechamento em 1965, onde foi redator político e comentarista da segunda Grande Guerra.

A partir de 1945, assinou no mesmo órgão de imprensa apenas uma coluna diária de critica musical e de artes visuais. Manteve depois essa coluna no jornal Ultima Hora, de 1966 a 1970. A convite da UNESCO, participou em 1948 do Congresso de Críticos de Arte, realizado em Paris, preparatório da criação da AICA. Viajou novamente para a Franca em 1949, tornando-se um dos sócios fundadores da Associação Internacional de Críticos de Arte. Tomou parte em vários de seus congressos e assembléias. Foi eleito e reeleito duas vezes Presidente da Seção Brasileira da AICA, e durante muitos anos seu Presidente de Honra. Foi membro da Comissão Artística e Diretor do Teatro Municipal do Rio de Janeiro, entre 1960 e 1962. Sócio fundador do MAM do Rio, participou de três Bienais de Paris, como comissário e delegado. Integrou os júris nacionais e internacionais das Bienais de São Paulo e de Veneza. Visitou a Documenta de Kassel de 1972. Foi membro de vários júris do Salão Nacional de Arte Moderna e integrante da Comissão Nacional de Artes Plásticas da FUNARTE - 1978 e 1980. Com inúmeros trabalhos de analise e interpretação estética, consagrou-se como um dos maiores divulgadores da arte moderna em nosso país. 0 autor de Manet no Brasil, Ismael Nery, Abstração na Arte dos Índios Brasileiros e Milton Dacosta apresenta-nos agora o magnífico texto deste livro definitivo: Portinari.

Na segunda capa do livro Portinari, escrito por Antônio Bento, o escritor Mario de Andrade, escreveu:

"...um sentido possante, uma lógica viral de criação, um significado poético muito intenso, que lhe derivam de sua vibrante compreensão humana da vida, principalmente do seu nacionalismo..."

No livro 400 nomes de Natal, a jornalista Rejane Cardoso comenta a importância de Antônio Bento para o escritor Mário de Andrade:

"Mário de Andrade se confessou seu devedor, e em contribuição por tudo que aprendeu com esse neto e filho de senhores do engenho Bom Jardim, litoral do Rio Grande do Norte, imortalizou-o como um dos protagonistas de seu Macunaíma."

Neste ano de 2005, o jornal Tribuna do Norte publicou uma reportagem sobre a implantação do Instituto Antônio Bento, que foi inaugurado no mês de julho.

Os principais trechos da reportagem:

"... a família Araújo Lima está criando o Instituto Antônio Bento, que será instalado na sua querida Fazenda Bom Jardim, situada em Goianinha, onde ele viveu a infância.

O Instituto será composto pela bibligrafia do escritor, 12 livros, todos de análise e interpretação estética de artes plásticas, com exceção de "Poesias, Ponteios, Toadas e Cordel", e "Contos Hiper-Realistas"; retratos, pintados por artistas renomados, documentos, fotografias, e outros objetos que recontam a vida do escritor. O visitante ficará bem informado sobre a vida e obra de um dos maiores divulgadores da arte moderna brasileira. "O artista pernambucano Cícero Dias me disse, certa vez, que a pessoa mais informada sobre a arte brasileira chamava-se Antônio Bento", ougulha-se Lima. O trabalho de Bento sobre Cícero Dias (que no alto dos seus 92 anos, ainda reside em Paris), foi o que conferiu maior notoriedade ao crítico de arte, na França.

Resgatar a memória de Antônio Bento é somente uma das funçôes do Instituto. Como ele era uma pessoa bastante inteirada com as manifestações folclóricas - foi o mediador, por exemplo, do encontro entre o escritor Mário de Andrade e o cantador de coco Chico Antônio, que deslumbrou o modernista em sua visita à fazenda Bom Jardim em meados da década de 20 -, a instituição será sobretudo um Centro de Pesquisas das Manifestações da Arte Popular. Segundo Lima, ele descobriu o talento do cantador, e o levou para Bom Jardim, deixando-o bem à vontade para compor e cantar seus versos."

Maria do Santíssimo, pintora primitivista

Pintora primitivista que jamais compreendeu a importância e o alcance de sua obra, Maria Antônia do Santíssimo nasceu em São Vicente, RN, em 1890, e faleceu no mesmo município da região seridoense, em 1974.

Pobre, de hábitos simples, era voltada para as prendas domésticas, sem vislumbrar para o seu futuro nada além da cerca-viva, de paisagem de xique-xiques, dos açudes castigados pela estiagem. Pintava desde criança, inspirando-se na fauna e na flora da região. Fabricava seus pincéis a partir de palitos da folha do coqueiro e pintava com anilina sobre cartões simples. Os temas brotavam de vivências e lembranças recriadas por sua imaginação, em traços simples e de muita pureza.

São galos, pavões, pequenos animais domésticos, cajueiros, flores e frutos do sertão, tudo com um toque mágico de sua arte.

Em 1962, sem jamais sair de sua terra natal, Maria do Santíssimo viu sua carreira ganhar um grande impulso, graças ao pintor Iaponi Araújo. Até então, os quadros da pintora estavam restritos a pequenos oratórios, a velhos baús, e mesmo a paredes da sala de alguns coronéis da região.

O seu marchand, tão primitivo quanto ela, era o marido João Inácio.

Com o apoio de Iaponi Araújo, artista sensível e também seridoense, os principais centros de arte do País começaram a conhecer a obra de Maria do santíssimo.

A partir dos 72 anos de idade, Santíssima saiu do anonimato para ter sua arte vista, elogiada, consagrada como uma das melhores do País. Seus trabalhos foram exibidos em grandes museus brasileiros e na Trienal da Pintura primitiva de Bratislava, Tchecoslováquia.

Tem abras no acervo do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e de São Paulo, no Museu do Folclore do Rio de Janeiro, no Palácio do Itamarati, em Brasília, e no Museu de Pintura Primitiva de Assis, em São Paulo.

Faz parte do Dicionário de Pintores Brasileiros, com verbete escrito pelo crítico Clarival de Prado Valladares, que ressalta: "Artista genuína que transfigura rosas, cajus, aves e cravos em elementos abstratos, com a versatilidade e o deslumbramanro de um caleidoscópio."

Maria do santíssimo, imortalizada por sua arte primitiva e bela deixou de opintar aos 83 anos de idade, um ano antes de morrer.

Maria do Santíssimo recusou o papel cançon e a tinta guache que lhe ofereceram, porque, para ela, todo o sentido dos seus trabalhos, das formas dos galos, cajus, pavões e roseiras, somente se fixaria na anilina e no papel mais simples.

De suas pinturas emergiam a vida e seu cotidiano. "Os burros eram lembranças dos cavalinhos de carrossel, ingenuamente amarrados pelos arreios aos troncos das espirradeiras. Os melindres, pequenos galhos de uma plantinha doméstica criada em vasos, chamada alfinete, colocados nos cantos dos desenhos para complementar o equilíbrio das composições, pareciam penas-de-escrever, brilhando em verde. Sua temática floral registrava o conhecimento de sua flora de canto de muro: cravinas, cravos, malvões, espirradeiras, boas-noites e dessas flores de papel para enfeite dos santos nos altares, oratórios ou nas procissões de festas", registra Iaperi Araújo.

Em sua homenagem, a Universidade Federal do Rio Grande do Norte - UFRN e a Fundação José Augusto criaram os prêmios de pintura "Maria do Santíssimo", hoje, desativados. A Prefeitura Municipal de São Vicente deu seu nome à Biblioteca Pública da cidade.

A pintora consta como verbete dos seguintes livros: Aspectos de Pintura Primitiva Brasileira, de Flávio Aquino (Spala, Rio, 1978); Dicionário dos Artistas Plásticos do Brasil, de Carlos Cavalcanti (Ed. MEC/FUNARTE, Rio); Dicionário das Artes Plásticas no Brasil, de Roberto Pontual (Ed. Civilização Brasileira, Rio, 1971); Enciclopédia Delta Larousse; Festas Brasileiras por seus artistas, de Geraldo Edson de Andrade (Spala, Rio, 1980); e Maria do Santíssimo - uma pintora popular, de Iaperi Araújo (Ed. Gráfica Manimbu, 1966 e Editora Universitária, 2ª edição, 1981).

Exposições

· Exposição Individual na Galeria Villa-Flor, em Natal (1968)

· Exposição Individual na Galeria Renascença, em Natal (1970)

· Exposição na Galeria Goeldi, no Rio de Janeiro (1970)

· Trienal de Pintura Primitiva, em Bratislava, na Tchecoslováquia (1973)

· Salão de Verão do Jornal do Brasil, no MAM/RIO (1974)

· Exposição na Galeria Rodrigo Melo Franco, na FUNARTE/Rio (1979)

Ricardo Junqueira, fotógrafo

Ricardo Junqueira nasceu em Brasília, no dia 21 de maio de 1965, onde viveu até os 22 anos. Começou a fotografar em 1979 e tornou-se profissional em 1984, preocupado, desde o começo da carreira, em pesquisar e atingir resultados em que não só a técnica estivesse presente, mas também onde a expressão artística e a capacidade de criação tivessem voz.

Buscando aprimoramento profissional, em agosto de 1988, mudou-se para São Paulo, onde trabalhou em diversos estúdios com fotógrafos de publicidade sem com isso deixar de se preocupar com o lado artístico da fotografia, tanto que sempre procurou conciliar as duas vertentes de seu trabalho, seja empregando técnicas de pesquisa e métodos pouco convencionais em seu trabalho comercial, ou, sempre que conseguiu, usando os proventos deste trabalho comercial para subsídio do trabalho de expressão que se resume em algumas exposições e publicações.

De janeiro a agosto de 1991 coordenou o núcleo de pesquisa e montagem de portfólios e exposições da galeria Collectors em São Paulo.

Em 1992, deixou de ser assistente e conquistou sua fatia de mercado no disputado mercado da fotografia profissional de São Paulo onde publicou ensaios em diversos jornais e revistas, além dos trabalhos publicitários com agências como JW Thonpson, DPZ, Grottera, Parra, Stalimir, Great entre outras.

De 1993 a 1994 foi professor de fotografia na Escola Panamericana de Arte em São Paulo.

Em 1996, mudou-se para Natal, no Rio Grande do Norte, em busca de qualidade de vida e de conquistar novos espaços, é em Natal que reside e trabalha atualmente.

É filiado à Abrafoto Associação Brasileira de Fotógrafos de Publicidade desde 1999.

Ricardo tem formação em Comunicação Social (Publicidade) pelo Centro de Ensino Unificado de Brasília/CEUB.

Já foi assistente dos fotógrafos Roberto Donaire, Guy Weber, Oswaldo Forster, Erwin Brehn, Duda Oliveira, Ângelo Pastorello e, como free-lancer, de Tuca Reinés.

Principais Cursos e Workshops:

V Semana da fotografia - Composição em fotografia - Ivan Lima -Curitiba - PR - ago. 1986

VI Semana da fotografia - Montagem de Portfólio - Rosely Nakagawa - Ouro Preto - MG - ago. 1987

VI Semana da fotografia - Mídia Impressa Capa de disco - Felipe Taborda - Ouro Preto - MG-ago. 1987

Colóquio Latino Americano de Fotografia - Fotografia Urbana - Cristiano Mascaro - Oficinas Três Rios - São Paulo - out. 1990

Oficina Collectors - Nú na fotografia - Lucien Clergue - São Paulo - mai. 1991

Oficina Collectors - Obtenção de fine art prints - Luiz Simões - São Paulo - abr. 1991

I Seminário Internacional Fotografia Kodak - Fotografia comercial - John C. Stanton - São Paulo - abr. 1992

Mês Internacional da Fotografia - Fotografia de Autor - Joel-Peter Witkin - São Paulo - mai. 1993

II Seminário internacional Fotografia Kodak - Fotografia publicitária - Dean Collins - São Paulo - abr.1993

Semana da imagem - Senac/SP - Prod. gráfica - Mário Carramilo - Gráfica Burti - São Paulo - jul.1994

Semana da imagem - Senac/SP - Processos alternativos - Kenji Otta - São Paulo - jul.1994

Semana da imagem - Senac/SP - Qualidade Total - Marcos Ribeiro - São Paulo - jul.1994

III Seminário internacional fotografia Kodak - fotografia Digital - Dean Collins - São Paulo - abr. 1994

Marketing cultural Sebrae/RJ - Mário Margutti - Natal - nov. 1998 e mai. 1999

Exposições Coletivas:

Expoarte - Universidade de Brasília - Outubro 1985

''Rock Brasiliensis'' - Galeria Funarte/ Brasília - Jun/Jul 1986

Homenagem aos 10 anos da morte de JK Museu de Arte de Brasília - Set/Out 1986

Levante Centro-Oeste - Fundação Cultural do Distrito Federal - Mai 1987

Dois Fotógrafos Contemporâneos de Brasília - Galeria Funarte/Curitiba - Out/Nov 1987

Iconógrafos - 16 Fotógrafos Hoje - Escola de Artes Visuais do Rio de Janeiro - Abr 1990

Iconógrafos - 14 Fotógrafos Hoje - Museu de Arte Moderna de São Paulo - Jul/Ago 1990

XXI Bienal de São Paulo - Fundação Bienal de São Paulo - Out/Dez 1991

Língua em Babel - Mezanino da Sala Villa Lobos - Teatro Nacional de Brasília - Jun/Jul 1992

Ciclo Clic Clube de Criação de São Paulo - Out/Nov 1992

Outros Suportes - Mês Internacional da Fotografia - Galeria Documenta - São Paulo - Mai 1993

Panorama da Fotografia Contemporânea Brasileira 50 a 90 - Mês Internacional da Fotografia - Sesc Pompéia São Paulo - Mai 1993

Um Olhar Sobre Josef Beuys - Museu de Arte de Brasília - Fev 1994

Exposições Individuais:

Atopos - Eliana Carneiro - Sala Martins Penna - Teatro Nacional de Brasília - Ago 1987

Provisoriamente Paixões - Um Processo de Montagem - Galeria Le Corbusier Brasília - Abr 1989

Provisoriamente Paixões - Fundação Cultural do Distrito Federal - Mai/Jun 1989

Provisoriamente Paixões - Sala de Exposições da Aliança Francesa São Paulo - Ago 1990

Macbeth Mauser - Cenas de uma Tragédia - Sala Villa Lobos - Teatro Nacional Brasília - Abr 1991

Retrospectiva Teatro e Dança - Jogos de Cena - Teatro Sesc Garagem Brasília - Set 1990

Macbeth Ainda Mauser - Sala Martins Penna - Teatro Nacional de Brasília - Abr 1991

Herbarium - Li Photogallery São Paulo - Mar 1996

Herbarium - Espaço Cultural 508 - Galeria Rubem Valentim Brasília - Set 1996

Herbarium - Espaço Cultural Idea Haus - Natal Ago 1997

A Cara da Casa - Casa da Ribeira Natal - Jul. 1999

VIP - Espaço Emporium Cadeiras Natal - Out. 1999

Casa da Ribeira - Um Espaço e seus Passos Natal - Mar-2001

Contato: contato@ricardojunqueira.com.br

Kalliane Sibelli, poeta

Kalliane Sibelli de Amorim nasceu em Umarizal (RN), em 1982, e reside em Mossoró desde a infância. Aos 14 anos, começou a publicar poemas no jornal O Mossoroense, atividade que realiza até hoje. Graduou-se em Letras pela UERN em 2002 e, no ano seguinte, editou seu primeiro livro de poemas – Outonos – pela Coleção Mossoroense. É autora de três livros inéditos – O Espelho Avesso, Desenho Breve e Exercício de Silêncio – além de crônicas e artigos literários publicados no site da editora Queima-Bucha, no informativo cultural A Voz e no já extinto Jornal Literário Clandestino, de cuja fundação participou. Recebeu Menção Honrosa nas edições II e IV do Concurso de Poesia Luís Carlos Guimarães, promovido pela Fundação José Augusto, e, na V edição, obteve o primeiro lugar. Os poemas abaixo, que integram sua obra inédita, foram classificados nas edições II, IV e V do concurso.

Logo depois de vencer o V Concurso de Poesia Luís Carlos Guimarães, concedeu entrevista ao poeta Mário Gérson, do jornal Gazeta do Oeste, de Mossoró.

A íntegra:

Kalliane Sibelli de Amorim é primeiro lugar no V concurso Luís Carlos Guimarães de Poesia

Nascida em Umarizal, Kalliane Sibelli de Amorim é mossoroense por adoção, formada em Letras pela Uern, com habilitação em Língua Portuguesa. Desde muito jovem, reside na cidade com a família. Em 2002, lançou seu único trabalho em forma de livro, Outonos, pela Coleção Mossoroense. No mesmo período, participou, ativamente, do cenário literário da cidade, através do Clandestino, jornal cultural mensal. Em 2002, foi menção honrosa pela primeira vez no Concurso Luís Carlos Guimarães de Poesia e, em 2004, repetiu o feito. Hoje, é primeiro lugar no concurso que já se torna tradicional. Com projetos para o futuro, como a edição de dois novos livros de poemas, Espelho Avesso e Exercício de Silêncio, o último que terá o prefácio do poeta e crítico literário Raimundo Leontino Filho, Kalliane Sibelli comenta sobre sua poesia, o reconhecimento literário, dentre outros assuntos.

Gazeta do Oeste - Como foi ter ganhado o Luís Carlos Guimarães de Poesia?

Kalliane Sibelli - Em primeiro lugar, nem pensava em mandar os poemas. Este ano estava sem nada tão bom, pelo menos que achasse tão bom, porque sempre nos cobramos muito. Mandei e nem esperava ganhar. No sábado, dia 3, recebi a notícia através de um telefonema de Leontino Filho. Foi a mesma emoção de quando passei no vestibular. Muito bom. É um reconhecimento, de qualquer forma. Mas sempre temos de melhorar.

GO – Isso é inerente a todo artista?

KS – Do verdadeiro artista. Qualquer tipo de arte, seja qual for, estamos sempre buscando o melhor. Uma pessoa que se indaga nunca está completamente satisfeita, por melhor que escreva, estará buscando alguma coisa.

GO – Como foi o seu início com a poesia?

KS – Comecei através de um incentivo de uma professora minha, quando eu fazia a 8ª série. Produzi um poema pequeno e apresentei à professora. Então, ela me disse: “continue”. Às vezes, a palavra de um professor muda a nossa vida. Depois comecei a escrever coisas mui românticas, piegas. Com o tempo, a gente acaba melhorando. Há algumas pessoas que acham que só se deve escrever sob inspiração. Não é só isso. Precisa-se de leitura, de técnica.

GO – Sua poesia é mais inspiração ou transpiração?

KS – Pode-se dizer que hoje é mais transpiração. Mas acredito que temos de ser mais observadores. Quando sento para escrever, vem uma idéia, mas será que o som ficará bom, essa figura de linguagem enriquece o texto? Às vezes, há versos que escrevemos e ficam guardados, para depois serem re-visitados.

GO – E se dar o luxo de usar muita técnica e perder a sensibilidade...

KS – Não. Vi muitas pessoas criticarem o que escrevo, dizendo que era muito lirismo, muito romantismo, às vezes. Isso é uma característica minha. Não sei ser de outro jeito. Não consigo escrever para agradar a leitor fulano nem sicrano. Quem quiser me ler, terá de o fazer do jeito que sou.

GO – E qual o seu jeito?

KS – (Risos) Gosto das coisas cotidianas. Se me esforçasse, daria mais para a crônica. A poesia está mais dentro de mim do que fora. Às vezes, sou contraditória, mas dizem que isso é “mau-de-mulher”...

GO – De homem também...

KS – (Risos) O ser humano em si é um poço de contradições...

GO – Como foi sua experiência no jornal Clandestino?

KS – Foi muito positiva. Um período de produção. Conheci várias pessoas. Acho até que acabou produzindo muitos frutos. A Graciele está aí com o jornal A Voz. Eu fico incentivando meus alunos. O que eles escrevem, mando para o site da Pedagogia. E você, hoje escrevendo na GAZETA.

(Mário Gerson - Gazeta do Oeste)

Manoca Barreto, guitarrista

Desenvolvendo sua musicalidade na área do Jazz Fusion, Música Instrumental e arredores Manoca Barreto, conceituado guitarrista potiguar, nasceu em Natal/RN, em 12 de abril de 1964. Estudou inicialmente violão, optando logo em seguida pela guitarra elétrica.

Na década de oitenta, integrou a banda hard progressiva “Fluidos” com a qual gravou um disco compacto no Studio da Sonoviso (RJ).

Em 1987 passou a morar no Rio de Janeiro onde permaneceu durante dois anos e meio estudando Guitarra e Harmonia Funcional e Improvisação na Rio Música e Teoria e Percepção na Uni-Rio, além de atuar como instrumentista em shows e gravações.

Em 1989, de volta à Natal, passa a desenvolver seu trabalho como guitarrista em grupos instrumentais como “Trio Al-Mustafa”, “Banda Be Pop”, “Quartetoque” e o “Manoca Barreto Trio”.

Foi professor de Guitarra e Harmonia da Fundação Hélio Galvão, do Instituto de Música Waldemar de Almeida e da Toque - Escola Livre de Música e, desde 1998, é professor de Guitarra Elétrica e Harmonia Funcional e Improvisação da Escola de Música da UFRN, além de ministrar oficinas e cursos como professor convidado em diversos eventos.

Em 2002 concluiu Mestrado em Música pela Unicamp, onde desenvolveu pesquisa na área do seu instrumento.

No seu tão esperado álbum de estréia “Boa Nova” Manoca destila a sua musicalidade em 10 faixas acompanhado por um time escalado com alguns feras da região e comenta

"Aprendi a cultivar a paciência como uma das virtudes mais importantes para atingir objetivos. Tive que trilhar pacientemente os vários caminhos de uma vida musical tardia, enfrentando todas as dificuldades e desafios surgidos. Resisti e segui, nos graves e agudos dessa jornada. A opção me conduziu, por um lado, para a carreira acadêmica, com dedicação ao ensino às novas gerações, e, por outro, para a árdua missão de continuar, como músico, o aperfeiçoamento profissional. Trabalhar com a música e para a música é tarefa das mais difíceis, mas foi este o norte que decidi seguir, razão de ser do que de mais sagrado descobri em mim.

Durante anos sonhei e esperei pelo momento em que tivesse maturidade e tempo suficientes para realizar este projeto. Posso dizer que aqui está a síntese das minhas várias idades, dos locais e períodos por que passei, e, também, de tudo o que aprendi. Vê-lo concretizado é uma enorme felicidade para mim."

Bom Sinal

Guitarrista dos mais conceituados da região nordeste do Brasil, o potiguar Manoca Barreto faz o seu aguardado debut solo com o álbum "Bom Sinal", onde destila a sua musicalidade refinada em 10 faixas imersas no Jazz Fusion, temas instrumentais, brasilidades e arredores.

Faixas do álbum Bom Sinal

1. Da noite pro dia

2. Brincando no quintal

3. Bom sinal

4. Um lugar chamado Mangueira

5. Imagens

6. Serra do Martins

7. A dois meses de distância

8. Sambança (homenagem à Miltança)

9. Mudando o rumo

10. Minha Terra

Contatos para Shows e Cursos: m.barreto@digi.com.br ou Mudernage Diskos

Gutemberg Costa, escritor

Pesquisador, escritor, historiador, folclorista e conferencista. Estas são algumas facetas de Gutenberg Costa, nascido em Natal, no dia 8 de agosto de 1959. Sua paixão pela cultura popular remonta à infância, quando manteve os primeiros contatos com emboladores de coco e cantadores de viola, nos períodos de férias, em Pendências/RN.

Hoje, atua como sócio-correspondente do Instituto Histórico e Geográfico da Bahia, da Academia Mossoroense de Letras/RN, da Comissão Paulista de Folclore/SP, do Instituto Memória de Canindé e do Instituto Marrocos de Estudos Sócio-Culturais/CE. Integra o corpo de estudiosos da Sociedade Brasileira de Estudos do Cangaço (SBEC).

O escritor é membro de várias instituições científicas nacionais: Instituto Histórico e Geográfico do Rio Grande do Norte (IHGRN), Associação Estadual de Poetas Populares - Seção Natal e a Comissão Norte-rio-grandense de Folclore (CNF).

Possui 19 obras publicadas, dentre elas: "Natal: Personagens e Populares" - Edição Especial comemorativa ao 4º Centenário da Cidade do Natal; "A Presença de Frei Damião na Literatura de Cordel" - Homenagem ao Ano do Centenário de Nascimento de Frei Damião; e, a mais recente, "Presença do Folclorista Câmara Cascudo na Literatura de Cordel", que mereceu a Menção Honrosa no Concurso Nacional Câmara Cascudo.

Os próximos livros a serem publicados são: "Dicionário do Papa-Jerimum - Apelidos e pseudônimos do Século XVII ao XXI" e "Frei Damião: Algumas referências bibliográficas" (Em parceria com Mário Souto Maior).

Prêmios literários:

- 1º lugar no Prêmio Manoel Ferreira Nobre, 1998. Instituto Histórico e Geográfico do Rio Grande do Norte.

- Menção Honrosa no Prêmio Nacional Câmara Cascudo, 1998. Fundação Capitania das Artes.

- Troféu Caju pelo conjunto de sua obra referente à cultura popular, 1998. Promotor cultural Lula Belmont.

- Prêmio Direitos Humanos na Área de Folclore, 1998. CDHMP.

Sobre Gutemberg Costa:

Aluízio Mathias, poeta e escritor

Falar do escritor e pesquisador Gutenberg Costa é contar a sua trajetória incansável pela Cultura Potiguar. Gutenberg Costa trilha pelos caminhos da Literatura de Cordel, do Cangaço, da História das Lutas Populares do Nordeste, do Folclore e da Religiosidade Popular. Publicou inúmeros artigos em vários jornais e revistas especializadas sobre esses temas. Proferiu palestras em vários Seminários e Encontros Culturais, a convite de instituições do país afora. Criou, em 1994, juntamente com o Prof. Adrovandro Claro, o Projeto "Mandacaru" - edições de poesias de cordéis. Quando esteve na Fundação José Augusto, em 1995, idealizou o Projeto "Chico Traíra", criando condições para a publicação de trabalhos inéditos de cordelistas potiguares. Ainda em 1995, foi eleito Conselheiro Municipal de Cultura, em Natal. Foi consultor do Projeto "Poesia Circular II", indicando poetas populares e trovadores para aquela fase de edição do projeto em 1996.

Ático Vilas-Boas da Mota, presidente da Comissão Nacional de Folclore

Gutenberg pertence à geração dos novos expoentes potiguares dispostos a darem continuidade à obra dos seus coestaduanos - ilustres e prodigiosos - no afã de não deixarem no limbo do esquecimento o legado de nossa cultura popular, o qual, sem o cuidadoso zelo de sua parte e dos seus pares, estaria totalmente condenado à poeira do tempo.

Dorian Gray Caldas,  artista plástico e poeta

São inúmeros os estudiosos do cordel em nosso país, principalmente, os jovens das universidades desenvolvendo teses e estudos comparativos das abrangências do cordel das mais diversas especificidades. Destaco, em nosso Estado, estudos da importância dos de Gutenberg Costa. Ressaltamos, também, a contribuição de Veríssimo de Melo... e não esquecendo nunca a contribuição maior de Câmara Cascudo na abrangência de seus "Cinco Livros do Povo" e do "Dicionário do Folclore", obra maior da nossa formação étnica e antropológica."

Alguns livros:

Gutemberg Costa, além de inúmeros artigos publicados em revistas e jornais, já publicou, na área do Folclore, Gota de sangue num mar de lama (1992), Profetas do Nordeste (1994), Zumbi 300 anos depois (1995), O cangaceiro Antônio Silvino e sua presença no Rio Grande do Norte (1996), O riso da batina – anedotário histórico, folclórico e religioso da terra potiguar (1996), A presença de Lampião na literatura de cordel (1997), A presença de Frei Damião na literatura de cordel (1998), Santa Luzia e os olhos na religiosidade do Folclore (1998), A influência do cangaço na música popular brasileira (1998), Santo forte e lembrado, povo curado (1999) e Padre João Maria – o santo de Natal na literatura de cordel (1999).

Carlos Sérgio Borges, cenógrafo e artista plástico

Construir cenários, criar figurinos, pintar, moldar, costurar, esculpir, transformar um amontoado de espuma, ferro, tecido e madeira em arte. Esse é o desafio diário do artista plástico, cenógrafo e figurinista Carlos Sérgio Borges, potiguar de 42 anos responsável por boa parte do que vemos nos palcos do Rio Grande do Norte. Envolvido principalmente com a área da dança, Borges cria cenários e figurinos para espetáculos montados pela Escola de Dança do Teatro Alberto Maranhão, Ballet da Cidade, Studio Corpo de Baile e grupo Parafolclórico da UFRN, entre outros.

Com mais de 20 anos de experiência, Carlos Sérgio Borges apresenta suas crias para o período carnavalesco: a Troça do Sebastião, bloco tradicional que circula nas ruas da praia de Pirangi, será escoltada pelos bonecos gigantes ‘Rei Sebastião’, ‘Rainha Sebastiana’ e o ‘Pescador’. Mais ao sul do litoral, em Tabatinga, a prévia Aratu no Facho abre alas com um grande caranguejo de espuma, também criação dele. Para ajudar no cotidiano da profissão, ele ainda lança mão de conhecimentos em artes plásticas.

“Pensar em cenografia é imaginar o espaço, a ambientação e o roteiro que envolverá o ato cênico. Tudo tem que entrar em sintonia para o espetáculo funcionar, encantar e conquistar o público”.

Usando todo tipo de material para construir cenários e confeccionar figurinos, Borges lembra que o cenógrafo deve pensar em detalhes como saber se o cenário vai viajar, quais as condições de transporte e em quais locais a peça, ou show, será apresentado. “Geralmente o trabalho de criação é executado a partir de um roteiro. Se a concepção do diretor prevê uma caverna no palco, o cenógrafo tem milhões de possibilidades para construir uma - pode ser moderna, antiga ou estilizada, de papel, tecido ou isopor - por isso o trabalho deve ser feito em conjunto”, garante. Borges, que trabalha com o auxílio de uma equipe formada por costureiras, marceneiros, ferreiros e assistentes, disse que sua primeira missão é saber o que funciona e o que não funciona em cima do palco. “Algumas pessoas acham que temos uma varinha de condão. Precisamos de tempo para viabilizar um trabalho bem feito”.

Tudo começou em 1977, no ateliê de arte da ETFRN (hoje Cefet). Foi lá que desenvolveu sua aptidão para gravuras e passou a dedicar-se a uma linha mais surrealista. Tomou gosto e acabou formando-se em Educação Artística pela UFRN. “Em 1983, comecei a trabalhar com cenários para shows de música, depois passei a atender espetáculos de dança e teatro. Até que em 1989 mergulhei de cabeça no carnaval. Fui responsável por 3 anos consecutivos da concepção visual da Escola de Samba Imperatriz Alecrinense, ganhamos em 1989 e 1990, inclusive Babal era um grande parceiro da época”, lembrou.

Depois de uma grande decepção, em 1991, quando perdeu injustamente o título para uma escola que não tinha alegorias, decidiu se afastar do carnaval e hoje prefere trabalhar sob encomenda.

Seu envolvimento com a folia de Momo foi além e Carlos assinou por dez anos a ambientação do Baile das Kengas até 2003.

(Yuno Silva, jornalista)

Tradição popular em múltiplas cores

As danças, as tradições, os repentistas e todas as manifestações culturais populares que compõem o folclore estão presentes nos trabalhos em acrílico sobre tela do artista plástico, cenógrafo, figurinista, aderecista e roteirista de espetáculos de dança Carlos Sérgio Borges. Em sua última produção, apresenta ao público uma nova faceta de sua arte, deixando de lado os elementos decorativos, as cores, as formas para resgatar a cultura popular na exposição As Cores do Folclore, apresentada em agosto de 2005.

Acostumado em transmitir para as telas os traços do abstracionismo, essa exposição figurativista começou a surgir menos de um mês antes da abertura da mostra, quando o artista plástico recebeu a encomenda para pintar um boi, ‘‘Deste boi fiz 25 quadros, entre eles cinco bois, rendeiras, manifestações como o caboclinho, ararura, pastoril e outras danças folclóricas. Assim resolvi fazer uma homenagem ao Folclore. Tudo ficou pronto em 20 dias’’, afirma.

A exposição ele dedica a nomes potiguares como o folclorista Deífilo Gurgel, a fotógrafa Candinha Bezerra, o presidente da Capitania das Artes Dácio Galvão, o coreógrafo Dimas Carlos, o músico Jorge Negão e a Coordenadora do Centro de Promoções Culturais da Fundação José Augusto Isaura Amélia Rosado. ‘‘São pessoas que sempre lutaram e trabalharam para manter viva essa coisa tão bonita que é o folclore, através de lançamento de CD’s, livros, produzindo folhetos, fazendo música, resgatando as danças e estudando o folclore’’.

À medida que o artista ia pintando as obras ele afirma que aquele universo o remetia a sua infância. ‘‘Eu tinha uns 10 anos e a praia de Pirangi era uma aldeia de pescadores, meu pai era um dos poucos que tinha casa no local e não era pescador. Lá tive um grande contado com a nossa cultura, ajudava os pescadores a puxar a rede, corria atrás do boi e queria me esconder embaixo, tinha tribos de índio que durante o veraneio faziam os famosos ‘‘assaltos’’ aos veranistas, que era uma espécie de festa na qual o dono da casa oferecia comida e bebida. Eu saia atrás deles até Búzios, só voltava de noite para casa’’, conta.

Além do contato durante a infância com elementos do folclore, Carlos Sérgio durante toda a sua carreira como figurinista criou figurinos e acessórios para grupos folclóricos. Este ano o Grupo Parafolclórico da UFRN viajou para um Encontro Internacional de Folclore, na Espanha, com figurinos criados por ele. As suas obras abstratas também já traziam cores muito utilizadas pelo folclore nordestino. Todas essas referências o ajudaram a criar a exposição que tem 25 telas.

(Texto publicado no caderno MUITO do jornal DIÁRIO DE NATAL em agosto de 2005)

Grupo Parafolclórico da UFRN

O Grupo Parafolclórico da UFRN foi criado há 14 anos com o objetivo de pesquisar as manifestações folclóricas do Brasil e expressá-las através da linguagem cênica da dança popular. Embora caracterizado como um Projeto de Extensão Universitária, o grupo tem desenvolvido pesquisas e orientações de Estágio Supervisionado, articulando assim, ensino, pesquisa e extensão.

O termo “Parafolclórico” indica “que as danças folclóricas deixam de ser expressões espontâneas das vidas de seus praticantes para serem reelaboradas em ensaios, visando serem apresentadas em palcos ou outros espaços cênicos por artistas não necessariamente populares” (1).

Não se trata de uma falsificação do popular, mas sim de uma possibilidade de criação de novas estéticas, através das quais a cultura do povo é reelaborada em novos contextos. Acredita-se que a contemporaneidade não destrói o tradicional, mas lhe resignifica, combinando-o com novas informações, haja vista que a tradicionalidade sempre se renova (2).

E nesse sentido o Grupo Parafolclórico da UFRN tem sensibilizado seu público, especialmente os jovens, para as manifestações do Folclore e das Artes Tradicionais, entendendo que na contemporaneidade permitir a apreciação da estética popular torna-se indispensável para que as manifestações tradicionais sejam revalorizadas e pensadas como elementos da cultura essenciais para a contextualização de novas produções dessa mesma cultura.

Atualmente o Grupo Parafolclórico da UFRN busca ampliar o intercâmbio com outros grupos, nacionais e internacionais, visando solidificar seus objetivos de revitalização da cultura popular através da dança. Para tanto, tem na montagem e apresentação de espetáculos e coreografias a possibilidade mais significativa de divulgação do seu trabalho, a partir dos quais é possível perceber a concretização do elo entre ensino, pesquisa e extensão a partir do movimento do corpo dançante que torna-se comunicação direta com o público.

Constituindo-se de 30 componentes (em média), integra alunos, professores e funcionários da UFRN, além da comunidade em geral, que envolve-se e reveza-se nos trabalhos de pesquisa, apoio científico, direção artística, montagem coreográfica, ensaios, aulas de dança, administração de recursos, dentre outras funções.

A dinamicidade do grupo provém dessa opção de abertura, e até mesmo de uma certa rotatividade dos seus componentes, o que permite renovar-se, sem alterar a essência de suas propostas. Na sua trajetória, o grupo estreou dez (10) espetáculos assim entitulados: Recordações(1992); Calendário(1993); Nossa Cor(1995); Afro-Brasil(1996); Canguleiro(1998); É popular!(2000); Folguedos(2000); Folheando(2001); Guarnicê(2003) e Flor do Lírio(2004).

Com estes referenciais interpretamos as manifestações tradicionais e as expressamos através da projeção artística da dança, da música e do teatro promovendo, assim, a difusão destes conhecimentos entre a comunidade em geral. Nesses anos de existência o grupo tem produzido espetáculos e participado de eventos importantes como: Festivais Internacionais de Folclore na Alemanha, I Congresso Latino-Americano de Educação Motora em Foz do Iguaçu/PR, 50ª Reunião Anual da SBPC/RN, Festival Internacional de Folclore de Olímpia/SP, Festivais de Folclore em São Paulo, Rio Claro, Paulínea, Marília, São José do Rio Preto, Piraciaba/SP além de apresentar-se em Teatros, Escolas e Praças em Natal, no Rio Grande do Norte e em outros estados brasileiros. E como reconhecimento a nossa contribuição ao resgate da cultura popular a ABRASFESTFOLK – Associação Brasileira de Festivais de Folclore – durante o Festival de Folclore de Nova Prata/RS em agosto deste nos agraciou com um troféu de honra ao mérito.

Composto por 22 componentes, entre bailarinos, direção e músicos, o grupo apresenta em sua proposta coreográfica atual uma releitura do universo dramático que constitue o pastoril e várias outras manifestações do período natalino.

Suas coreografias são Pastoril Profano, Lapinha, Brincantes do Reisado e Jornada Pastoris.

O Grupo Parafolclórico da UFRN tem tematizado em suas danças o universo da arte do povo através de processos de elaboração cênica do universo dramático e da gestualidade dos mais distintos folguedos da cultura brasileira: jogos, teatro de bonecos, danças, cortejos, entre outros. A cada espetáculo, observamos, revemos e acrescentamos informações aos códigos estéticos visualizados nas artes tradicionais. É importante dizer que esses códigos não são apenas locais, mas universais à medida que comunicam uma história social e um universo de beleza contido em nuanças possíveis de serem observadas em várias culturas, como os cortejos de coroação dos reis do Congo, os autos de boi, as danças de roda, os rituais indígenas e as jornadas pastoris.

Uma arte que se combina com as informações de seu tempo e se refaz, no registro da oralidade, na memória de seus artistas e no corpo dos que viram ou ouviram as mais diversas narrativas. Uma arte que se faz também com as leituras de outros códigos estéticos, aproximando-se do imaginário de outros artistas que se apaixonam e se encantam com essa linguagem e assim compõem outros cenários. Os artistas da arte da rua e os artistas da arte do palco encontram-se no desejo de co-habitar em um universo capaz de transformar o prosaico em um mundo povoado por mitos, lendas, cores e gestos poéticos.

Flor do Lírio surge da emoção e das lembranças de quando dancei pastoril na porta da Igreja, das canções do velho Faceta que ouvia na infância, da magia da noite de Natal e do dia de reis, com o colorido de fitas e espelhos que jamais esqueci. Flor do Lírio é dedicado aos artistas e a arte popular.

(Petrucia Nóbrega - Coreógrafa)

Mais do Grupo Parafolclórico da UFRN em www.grupoparafolclorico.cjb.net

TaniaN, artista plástica

Nasci no sertão nordestino, em Alexandria, no Rio Grande do Norte, Brasil, em 12 de agosto de 1948. Aos 3 anos minha família mudou-se para a vizinha cidade de José da Penha, voltando a residir em Alexandria quando eu tinha 7 anos. Aos 11 ,fui estudar em Mossoró, também no Rio Grande do Norte.

Em 1966 conclui o colegial em Fortaleza e no ano seguinte entrei na Faculdade de Medicina da Universidade Federal do Ceará, concluindo o curso em 1972.

Mudei-me para São Paulo em 1973, onde me especializei em Saúde Pública, na Faculdade de Saúde Pública da Universidade de São Paulo. Trabalhei na Prefeitura de São Paulo, como médica sanitarista.

Fazer Artes Plásticas era um sonho que somente mais tarde decidi encarar. Na minha infância e adolescência admirava o artesanato colorido do nordeste brasileiro: bonecas de pano, tapetes e colchas de retalhos, objetos de barro, bordados, santos e oratórios em madeira... Essa paixão pelas cores me levou à pintura. Em Arte sempre fui fascinada por pintura, especialmente pela pintura moderna e contemporânea.

Dividida entre Arte e Saúde Pública, decidi entrar no curso de Artes Plásticas da Panamericana Escola de Arte e Design de São Paulo, em 1999, concluindo o curso em 2001. Foram meus professores, Ingres Speltri, artista plástico paulista, e Nino Patrone, arquiteto e artista plástico uruguaio, residente em São Paulo, discípulo de Joaquin Torres Garcia.

São também meus professores de pintura o artista plástico paulista Antônio Peticov, do NAC (Núcleo de Arte Contemporânea de São Paulo), Osmar Pinheiro, arquiteto e artista plástico paraense, e Marco Giannotti, artista plástico paulistano. Osmar Pinheiro e Marco Giannotti dão aulas na Oficina Virgílio, em São Paulo.

Escrever sobre minha pintura é muito angustiante. Ela não é racional. Qualquer texto me parece artificial e distante. Mas aceito o desafio.

Pintar é uma necessidade, um desejo de muitos anos. Não entendo porque só me permiti realiza-lo após tanto tempo! O que sei é que após iniciar-me na pintura, com orientação profissional, foi um caminho sem volta. Tenho uma compulsão: a pintura. O que quero fazer com ela? É o que tento descobrir diante da melhor angústia de minha vida.

Acho que a minha pintura é barroca como eu também sou barroca, como o Brasil é barroco. Se aceitarmos que a pintura é barroca ou clássica, já sou barroca por exclusão. Não sou clássica. Meu barroquismo é envolto em mantilha medieval. Vejo-me desconfiada, de cabeça encoberta em mantilha de renda preta, entrando na Igreja, como na minha adolescência. Até encantar-me com explicações da ciência sobre a origem da vida e abandonar a religião.

Em minha pintura há fortes elementos do expressionismo. É instintiva e expressa meus sentimentos. Sempre tive grande curiosidade pelo que se esconde nas cabeças e uma grande atração pelo que extravasa da cabeça quando não há nenhum espaço em seu interior. Queria fazer Psiquiatria quando cursava a Faculdade de Medicina.

E mais, minha pintura é Arte informal, imaginativa, gestual e espontânea. Quando finalmente decidi fazer Artes Plásticas era um momento de crise com a Saúde Pública. Eu era apaixonada por Saúde Pública. Quando decidi parar com Medicina estava apaixonada pela pintura. Gosto de pintar simplesmente entregando-me ao ato de pintar. Sem regras ou qualquer tipo de bloqueio.

Quando começo a pintar uma tela quero a intimidade. Não sei o que será a pintura, mas em cada tela tenho uma viagem. Até identifico as “paradas”, como numa viagem de trem...Quando eu ia de Alexandria para Mossoró, no trem que já não existe mais, eu sabia que o ponto de chegada era lá, mas nunca sabia o que aconteceria... porque era um ponto de chegada transitório. Acho que em minha pintura o ponto de chegada será sempre transitório. Sempre quero mais até não poder mais. É que a vida é bem maior do que eu – e eu queria ser do tamanho da vida. E é nessa diferença que está o meu desejo.

O lirismo e a provocação estão em minha poética, fruto da experiência de vida na caatinga do sertão nordestino, meu ninho, e na grande metrópole, onde vivo desde os 24 anos.

Caatinga e metrópole se confundem no jogo de linhas e sombras, de cores fortes, onde às vezes abuso do amarelo e outras do cinza, e sempre dos vermelhos e preto. Galhos secos, entrecruzados, ou traçados urbanos complexos e confusos são imagens recorrentes que se fundem. Essas paisagens me tragam e me envolvem, e fico pequena em seu emaranhado, que assusta e também promete encanto, magia e aventura. Tudo isso e ainda um labirinto de encontros e desencontros da mente humana? Embora em minhas pinturas não haja figuras humanas, elas estão presentes, de uma maneira bem pessoal.

A composição cromática de minhas pinturas é influenciada pela minha origem nordestina. Diz-se que a arte nordestina é multicolorida para se contrapor à paisagem árida e quase monocromática. São imagens coloridas das bonecas de pano, dos tapetes e colchas de retalhos de tecidos, do artesanato de barro e dos bordados feitos à mão ou mecânicamente, bandeirinhas de festas juninas e vestuário de danças populares e folclóricas. O solo tropical, de sol ardente, me leva à utilização excessiva de rosa, púrpura, laranja, amarelos e vermelhos. Eles representam, em minha pintura, o lirismo da aurora e do crepúsculo, e o temível sol de meio dia.

Da grande metrópole influenciam minha pintura “o mar de cabeças” de uma rua do centro da cidade em qualquer hora de um dia normal de semana, os lares improvisados embaixo de viadutos, os corpos dormentes envoltos em cobertores e papelão, aos montes, nas calçadas, a negligência com a exploração de menores nos faróis, a beleza da mistura racial, o encanto das edificações de diferentes épocas e estilos, a ousadia dos arranha-céus, os longos congestionamentos de trânsito, as luzes coloridas que piscam de placas luminosas e outdoors, convidando as pessoas para embarcarem em sonhos, e a multiplicidade de opções de sonhos...

No sertão nordestino ou na grande metrópole, tudo existe em excesso. Há excesso de vida e excessos na falta de viver. Esse excesso transborda em minha pintura, também envolta em pesquisa. Nos estudos de minha origem, tento compensar minha ausência do ninho, e busco inspiração nas mulheres indígenas e africanas escravas, de nomes ignorados, ausentes de nossa História oficial. Tenho necessidade de me apropriar de um conhecimento de minha história, da história de minha família e do lugar em que nasci, tentando reconstruir uma identidade que incorpore elementos submersos em uma colonização baseada na supremacia do colonizador. É o meu lado racional a serviço do imaginário. Essa busca é o que move minha pesquisa na pintura e incorpora uma obsessão no meu trabalho, que se manifesta na minha poética de cores.

Diálogo colorido

Há quem tenha a falsa idéia de que um artista plástico se volta para a arte abstrata porque não domina o desenho. Afinal, acredita-se que “fazer borrões” em uma tela seja mais fácil do que pintar um detalhado retrato. Nesse sentido, a resposta pode até ser afirmativa, mas, na verdade, a questão é outra.

Diante de uma obra abstrata, o espectador tem a oportunidade de tecer as considerações que bem entender. Muitas vezes é capaz de ver o que nem o autor viu, ou pensou, enquanto criava. A arte abstrata é, por isso, um convite à liberdade do fruidor, que vai observar, imaginar, relacionar, enfim, criar uma ligação com o trabalho do artista.

Uma das regras que o artista abstracionista deve seguir é, justamente, lidar com elementos que não estão presentes na natureza. Por isso, a pintora TaniaN não reproduz o que estamos acostumados a ver. Suas telas trazem um incessante diálogo que ela mantém com símbolos abstratos e seu trabalho tem revelado uma proposta de um relacionamento com a cor.

Inquieta, traz para a tela o microcosmo do processo de cores que se mesclam e induzem os olhos do observador a exposições sutis de luzes e sombras, de tons e meios tons, que se misturam e se multiplicam ao longo de sua obra.

TaniaN guarda a característica solar do nordeste brasileiro. Por isso, suas cores são vivas e vibrantes, mas não incomodam. Ao contrário. Estimulam o olhar. Convidam a participar desse jogo íntimo. Observador e artista.

Luiz Fernando Câmara Vitral, jornalista

Principais exposições

2005

Chapel Art Show 2005

27 de setembro a 2 de outubro de 2005

Escola Maria Imaculada (Chapel School) Rua Vigário João de Pontes, 537 Santo Amaro - São Paulo - SP/ Telefone (11) 5687-7455.

I Salão Nacional G. Matteo de Arte

12 e 13 de julho de 2005

Casa de Portugal Av. da Liberdade, 602 Liberdade São Paulo - SP / Telefone (11) 3342-2104.

Exposição coletiva da Cooperativa de Artistas Visuais do Brasil de 01/10 a 31/12 de 2005.

Local: Domaine de l´Amirauté - Deauville/ França

Exposição individual

17 a 29 de outubro de 2005.

Local: Bita Art Lofts - São Paulo/ SP.

2004

I Salão Aberto Paralelo a XXVI Bienal Internacional de São Paulo - Cooperativa de Artistas Visuais do Brasil/ Casa das Retortas - São Paulo-SP

2003

Masp Centro - São Paulo-SP

2002

Brazilian Euphoria, Latinarte Gallery, Miami - USA

2001

Patrimônio Paulista Recuperado, Associação Brasileira dos Artistas Plásticos de Colagem /Theatro São Pedro, São Paulo-SP

DESEJO DE IR tecnica: óleo s/ papel tamanho: 70 x 50 cm ano: 2000	2 MENINOS JOGANDO VIDEO-GAME tecnica: óleo s/ papel tamanho: 44 x 60 cm ano: 2000	MULHER tecnica: óleo s/ papel tamanho: 50 x 60 cm ano: 2000	CARANDIRU tecnica: acrílico s/ tela tamanho: 80 x 60 cm ano: 2001
MULHER tecnica: óleo s/ papel tamanho: 50 x 60 cm ano: 2000	CIDADE VII tecnica: acrílico s/ tela tamanho: 70 x 70 cm ano: 2003	SEM TÍTULO código: 0412004 tecnica: óleo s/ tela tamanho: 100 x 100 cm ano: 2004	SEM TÍTULO código: 0412004 tecnica: óleo s/ tela tamanho: 100 x 100 cm ano: 2004

"Alguns são mestres, outros são amigos, com quem vivenciamos experiências, muitos são admiráveis e fazem minha cabeça..."

Antônio Peticov, Dorian Gray, Flávio Freitas, Gilberto Salvador, Ingres Speltri, Ju Corte Real, Márcia Vinhas Fernandes, Osmar Pinheiro, Rô Simões

Mais sobre TâniaN em www.tanian.com.br

Hanna Lauria, artista plástica

Hanna nasceu em Natal/RN, em 17 de setembro de 1986. Desde os quatro anos de idade já esboçava suas bonecas e iniciou seu aprendizado de pintura aos 14 anos. Recebeu menção honrosa nos I e II Salão Jovem de Artes Plásticas da Cidade do Natal na Capitania das Artes.

Em nossas aulas de pintura, descobri uma artista nata, revelando seu mundo interior, criativo, de traços firmes, seguros, expressivos, livres de rigores acadêmicos.

O prazer de pintar, combinado com a garra de vencer barreiras, vêm confirmando a presença de Hanna no espaço artístico.

Cabe a nós, espectadores do seu talento visual, entender a singeleza da sua obra e reconhecer nela a sua prórpia identidade.

Ana Rique, artista plástica e professora de artes

Bonecas Vivas

Põe-se ao observador pelo menos duas vias para a abordagem dos novos desenhos de Hanna: vê-los como obras de um artista que se firma e cresce ou de uma criança que se firma e cresce. Eu não faço opção: vejo-os sob os dois prismas e me encontro diante de imagens literalmente encantadoras.

Como uma criança, Hanna discorre sobre seu cotidiano, fala sobre sua família, animais de estimação e de um ambiente ora organicamente prazeroso, ora rigidamente organizado para conter. Só que, nos dois casos, a imaginação flui, sem contenção.

Como artista, ela experimenta materiais e retira deles efeitos surpreendentes, como nos casos de aquarela e do desenho a pincel; mantém um registro gráfico personalíssimo, criando bonecas-personagens inconfundíveis, muito longe das influências que qualquer artista de sua idade poderia absorver de imagens televisivas, ou, como qualquer artista em formação, reter dos modos e cacoetes dos professores.

Uma artista, Hanna é ela mesma.

Vicente Vitoriano, mestre em Educação do Departamento de Artes da UFRN

Folcore, banda

Com uma nova proposta sonora, a banda FOLCORE sintetiza as novas tendências da música popular brasileira misturando tradicionais ritmos e sonoridades nordestinas com batidas eletrônicas, baixos e guitarras influenciadas pelo rock e hard core. O FOLCORE é a combinação da raiz poética nordestina com a sonoridade da música contemporânea.

É na atitude do rock, que os integrantes da banda passeiam em suas composições no primeiro CD intitulado Folcore. São 20 músicas que entre emboladas, batidas eletrônicas e hardcores, trazem letras inteligentes e fortes influenciadas nas melodias do embolador potiguar Chico Antônio - reverenciado pelo historiador Câmara Cascudo e pelo escritor Mário de Andrade.

Com o objetivo de divulgar esse trabalho em larga escala, o FOLCORE trocou de endereço: saiu de Natal (RN), há seis meses, e se instalou “de mala e cuia” no Rio de Janeiro. Com um CD, demo clipe, site e um clipping sobre shows feitos no nordeste em mãos, era hora de botar a cara à tapa.

O tempo parece pouco, mas nesses seis meses que está no Rio de Janeiro, a banda já contabiliza algumas vitórias: a estréia do clipe da música “Ollie Air” na MTV e no canal Multishow, uma participação ao vivo no programa Atitude.com, na TVE, além da ótima aceitação do público e da imprensa carioca. O FOLCORE já tocou em diversos lugares, do underground à zona sul carioca.

Mesmo morando no Rio de Janeiro, o FOLCORE não foi esquecido em sua terra. Nesse meio tempo, a banda foi eleita Banda Revelação de 2003 e levou os prêmios de Instrumentista Revelação e Melhor Vocalista (os três escolhidos pelo público) no Prêmio de Música Hangar 2003 (RN).

O Folcore é um projeto musical formado em Fevereiro de 2003, conta com Franklin (voz e pandeiro), Wilder (voz e ganzá), David (baixo), Riva (guitarra) e Victor (bateria).

Opiniões sobre a banda:

Revista Laboratório Pop

Hard Coco

De Natal vem o Folcore, um dos mais interessantes trabalhos pop do Nordeste.

Jornal O Dia

Vem do Rio Grande do Norte uma das mais gratas revelações do pop nacional.

Folcore é um quinteto arretado que traduz já no seu nome (uma fusão de 'folclore' com 'hardcore') a sua intenção de apimentar o rock pesado com ritmos nordestinos (embolada e coco, sobretudo) e com linguagem eletrônica.

A mistura não chega a ser novidade e está sendo feita há pelo menos dez anos pelos seguidores de Chico Science, mas o primeiro álbum da banda potiguar surpreende positivamente pela qualidade das músicas e pelo instrumental azeitado.

O talento dos rapazes atenua o tom caseiro da produção.

São 19 faixas de beats acelerados, com destaque para Briga dos Estilos (o maior trunfo do CD), Essa Turma É Muito Louca e Drum'n'Base Mau Criado. O clipe de Ollie Air já roda na MTV.

Revista Laboratório Pop

O Folcore é o melhor do pacote. Guitarras hardcore, emboladas de quem entende do assunto e muito humor nas letras. Os natalenses merecem um disco mais bem produzido. As sacadas são excelentes, como o hilário “Drum’n Base mau criado” [sic] e o coco “ABC x América”, em que eles mostram o humor nada inocente dos cantadores de feira. Outro destaque é o coco-hardcore “Briga dos estilos”, com a guitarra emulando uma viola sertaneja, e a pesada “Velhice”, de execução acima da média.

Zine Core -  www.zinecore.blogger.com.br

E o despojamento do quinteto Folcore está de volta em seu primeiro full lenght oficial, lançado de forma independente com 20 músicas, sendo que uma está na faixa escondida ("O encontro de Bush com Saddan Hussein").
Do primeiro mCD "A rockocada" vieram algumas músicas ("Pirataria", "Essa turma é muito louca", "Cadê o dinheiro" e "Reiôsse, lascôsse, vôte"), agora um tantinho melhores na gravação, e vale ressaltar que utilizaram um estúdio de garagem sem modernices, mas como eles mesmos dizem, a custa de muito suor, sangue e paciência.

Das faixas novas, a mistura de música pesada, as vezes totalmente hardcore, com elementos regionais como: côco, embolada e repentes, ainda é o forte deles. A musicalidade continua solta com muito vigor e poesia rudimentar.

O que mais atrai no Folcore é a criatividade das letras invocadas, que falam de temas dos mais diversos, de fuleragens bem sacadas a problemas do cotidiano, e também a forma irreverente com que transmitem tudo isso.

Este é um CD que tem destaques até demais, na verdade cada música é única."Takanika Nakaneka", por exemplo, é uma bem construída sátira com o idioma japonês; "ABC x América" é uma espécie peleja entre os dois times mais tradicionais do Rio Grande do Norte, estado do grupo; "Ollie air" é outra sátira, desta vez com as manobras dos esportes radicais que são em inglês; e pelo título de "Ilhado em SP", creio que dá pra perceber que ela fala da vida louca de São Paulo. Isto sem falar das críticas sociais já vistas nas canções que estavam no trabalho anterior e também das letras que não puderam estar no encarte por falta de espaço (nem tudo é perfeito!).

O grupo é bem novo, foi formado no início de 2003, e hoje está no Rio de Janeiro tentando mostrar toda essa originalidade por outros ares.

Muita sorte pra eles...

Jornal O Globo

O grupo potiguar FOLCORE faz uma mistura interessante de rock, db e embolada no seu primeiro e homônimo CD.

Jornal do Brasil

Embolada, coco e repente turbinado por furiosas ''gritarras'' e letras no talo. (...). Eles debutam no CD homônimo, num inovador roteiro entre Briga dos estilos, Relôsse, lascôsse, vôte, Cadê o dinheiro, Ilhado em SP, Pirataria.

Tárik de Souza

Ouça as músicas do Folcore no site da banda

Sousa, poeta e contista

José de Sousa Xavier (Sousa) nasceu em Macau na rua Baixa Verde no dia4 de agosto do ano de 1963. Filho de José Arinete Xavier e Salete de Sousa Xavier, passou boa parte da infância no bairro do Porto do Roçado, onde começou os estudos na saudosa escola Joana Sampaio. Foi no Porto que se deparou por duas vezes com a irremediável de todos nós: a tão falada “Moça de Branco” citada nos versos de Manuel Bandeira. Perdeu o avô que partiu silenciosamente no meio da noite sem se despedir e certamente, pelas qualidades de homem bom que tinha, foi ao lugar que merecia. Perdeu também um irmão para a difteria, na sua forma mais grave e conhecida como GRUPE.

Depois morou o restante da infância e adolescência na rua São José e estudou na Escola Ressurreição. Foi naquela época em que começou a se interessar por Literatura, embora de modo tímido. Sempre se dedicou aos estudos e nunca esqueceu o que aprendeu com alguns professores. Em português, Oscarina; em matemática, Luís Alves, e em ciências, Eunice (foi com esta que seu desejo de ser médico, já cultivado desde a época em que o avô era vivo, aumentou).

No ano de 1980 veio morar em Natal para estudar na ETFRN (atual CEFET). Neste mesmo ano, antes dos 17 anos, começou de fato a se dedicar à Literatura, sendo classificado em dois concursos de contos (2º colocado e menção honrosa) na ETFRN. Concluiu o curso de Edificações, mas, com o forte desejo de ser escritor e estudar Letras, além da indecisão por Engenharia Civil, resolveu seguir o coração e a orientação dos pais e do avô: fez vestibular para Medicina, conseguindo aprovação no primeiro ano. No período da ETFRN, escreveu muitas poesias e contos, mas por infelicidade, e por um longo tempo afastado da Literatura, perdeu todos os seus textos.

Formou-se em Medicina e especializou-se em Cirurgia Geral, profissão em que atua no Serviço Público e Privado. Depois de um grande silêncio, e estimulado por um concurso de poesia local em 2003, voltou a escrever. Nesse curto espaço, dividido entre a profissão e a Literatura, tem produzido muitos textos, sendo em sua maioria poesias. Muitos desses textos lhe deram algumas classificações importantes em concursos locais, nacionais e internacionais.

Alguns resultados expressivos:

1. I Concurso Literário Histórias de Natal - 2003. Promovido pelo Movimento de Vida Cristã/Petrópolis/RJ - A poesia “Histórias de Natal” foi classificada em segundo lugar na categoria adulto;

2. XII Concurso Internacional de Primavera - 2003. Promovido pelas Edições Arnaldo Giraldo/São Paulo/SP - A poesia “Morte de um poeta” foi classificada em sexto lugar. Participação na antologia “Idiossincrasias”. Categoria poesia;

3. Concurso Nacional de Poesia dição Cruz e Sousa - 2004. Promovido pelo Clube Brasileiro dos Escritores e Poetas Profissionais e Amadores/São Paulo/SP. A poesia “Passar”, com média 86,5, foi a décima quinta colocada. Incluída na antologia;

4. XXI Março Mulher – II medalha dra. Áurea Maria de Jesus - 2004. Promovido pelo Departamento de Cultura da Secretaria Municipal de Educação e Cultura de Guaratinguetá/SP. O conto “A esquina” foi o quinto colocado da modalidade na categoria “B” adulto;

5. Primeiro concurso Zila Mamede - 2004. Promovido pelo jornal Potiguar Notícias de Parnamirim/RN - O grupo de poesias “Elegia a Zila Mamede, A rosa chinesa, Revoluções, Segredos domésticos e Impressões” foi escolhido entre as 12 menções honrosas;

6. IV Prêmio Brito Broca de Literatura de Guaratinguetá - 2004. Promovido pelo Departamento de Cultura da Secretaria Municipal de Educação e Cultura de Guaratinguetá/SP. A poesia “Vocação” foi classificada em quinto lugar na categoria “B” adulto;

7. IV Concurso Internacional de Poetrix - 2004. Promovido pelo Movimento Internacional de Poetrix/Salvador/BA. O poetrix “Desmatamento” foi classificado em quinto lugar;

8. IV Concurso Literário Cleber Onias Guimarães - 2004. Promovido pelo Conselho Comunitário de São Paulo Tatuapé/SP - A poesia “Sem viço” foi classificada em terceiro lugar na categoria adulto nacional;

9. II Prêmio Literário A Gazeta - 2004. Promovido pelo Editora Jornalística A Gazeta dos Sinos/Campo Bom/RS. O conto “Presságio”, com nota 8,7, foi o primeiro colocado, e o conto “Última memória”, com nota 7,39, foi escolhido entre as 10 menções honrosas categoria conto;

10. XIV Concurso Internacional Literário de Primavera - 2004. Promovido pelas Edições Arnaldo Giraldo/São Paulo/SP. O conto “Virtualidades” foi o quarto colocado na sua categoria;

11. I Concurso Internacional de Poesia Moderna. Prêmio Oswaldo Névoa Filho - 2005. Promovido pelo Congresso da Sociedade de Cultura Latina – seção Brasil/Mogi das Cruzes/SP. A poesia “Prece de um soldado” foi a sexta colocada.

Além disso, tem participação em mais de trinta antologias nacionais e internacionais conseguidas por processos seletivos. Só na Câmara Brasileira de Novos Escritores, acumula mais de 15 participações. Na Internet, além do site pessoal, tem trabalhos publicados nos sites:

1. http://www.camarabrasileira.com/jsxavier.htm

2. http://www.camarabrasileira.com/cs05.htm

3. http://www.blocosonline.com.br/literatura/autor_poesia.php?id_autor=1571&flag=nacional

4. http://www.clubeletras.net/837.html

Já teve, também, trabalhos publicados nos jornais O Mossoroense e Diário de Natal.

Em maio de 2005, lançou seu primeiro livro solo (produção independente), com o título de “Assim é o cotidiano”. Filiou-se à Sociedade de Poetas Vivos e Afins do Rio Grande do Norte, onde costuma dizer que teve um encontro real com a poesia, pois foi lá que viu carne no corpo da poesia. Atua, ainda, no Movimento Internacional de Poetrix através do Grupo Poetrix no site Yahoo.

Mad Dogs, banda

Com aproximadamente dez anos de existência e um trabalho calcado na fusão do blues/rock com ritmos brasileiros, o Mad Dogs é uma banda que se caracteriza pelo bom humor e pela irreverência.

Referência no cenário musical norte-rio-grandense, o grupo é um veterano do Prêmio Hangar de Música, onde por três vezes seguidas foi eleita melhor banda, além de ter faturado os troféus de melhor vocalista, melhor instrumentista de percussão, melhor instrumentista de cordas e melhor show.

Em 2000, a banda lançou seu primeiro CD, “Mad Dogs”, gravado em alguns dos melhores estúdios do Rio de Janeiro e São Paulo. O disco conta com a participação especial de grandes músicos norte-riograndenses, além da guitarra de Roberto Frejat (Barão Vermelho) na faixa “O Blues da Sala”.

Mestres na arte de rir de si mesmos, os cachorros loucos potiguares colocam be-bop no samba, chamam o tio Sam pro tamborim, misturam inglês com português, trocam o bourbom pela cachaça e reinventam o som tradicional do sul dos Estados Unidos, divertindo-se com essas possibilidades. A formação atual conta com CBI/vocais; Paulo Sarkis/baixo; Marco França/teclado; Carlinhos Suassuna/guitarra; Neemias Lopes/sax e Fernando Suassuna/bateria.

Em agosto de 2003, o Mad Dogs teve a honra de representar o Brasil na 20ª International Beatle Week, realizada na Inglaterra, em Liverpool. Primeira banda do norte-nordeste a participar desse evento, o grupo também foi considerado revelação do festival. Ainda em 2003, coroando a boa fase do grupo, o Mad Dogs foi um dos vencedores do Projeto Cosern Musical, um festival de importância relevante no cenário local, obtendo a mais expressiva votação dentre os premiados.

Em Junho de 2004, o Mad Dogs lançou o seu segundo CD, cujo título é “Bar doce Lar”. Com músicas de autoria própria e letras marcadas pelo humor, o novo CD também apresenta novidades tecnológicas como o uso de samplers, além de influências que vão do Pop ao Rock, do Brega ao Blues e do Jazz à musica Latina.

Em agosto de 2004, o Mad Dogs viajou novamente a Liverpool como uma das atrações da 21ª edição da International Beatle Week. Suas performances em solo inglês chamaram a atenção do público e da organização do festival mais uma vez. Um grande show realizado no Canecão, Rio de Janeiro, celebrou a partida das bandas brasileiras convidadas para a Beatle Week 2004.

Em Setembro, o Mad Dogs lançou seu terceiro CD, “Mad Dogs Interpreta The Beatles”. Gravado ao vivo, este disco mostra uma forma bem original de interpretar as músicas do grupo inglês, misturando ritmos brasileiros como baião e bossa nova com muitos outros elementos musicais inusitados.

Como resultado da boa campanha realizada na Inglaterra, a banda foi convidada a participar da 4ª Semana Beatle latino-americana, realizada no mês de novembro em Buenos Aires, Argentina. Assim como em Liverpool, a energia dos Dogs encantou nossos amigos “hermanos” com suas versões próprias de músicas dos Beatles. Na bagagem, além de boas lembranças, novas amizades e o carinho com que foram recebidos, trazem também o convite oficial para participar da próxima edição do festival, que será realizado em 2005.

Em 2004 o Mad Dogs participou do projeto Oi Blues by Night, onde a banda teve a oportunidade de acompanhar grandes músicos do gênero como Dominic Nichillo (USA – ex-Santana e Buddy Guy), Kenny Bronw (USA), Danny Vincent (Argentina), além de ter aberto shows de Phill Guy (USA) e Peter Mad Cat (USA).

Mais do Mad Dogs em www.maddogs.com.br.

Músicas:

Henrique José, fotógrafo e artista multimídia

Henrique José Cocentino Fernandes nasceu em Aracati, no Ceará, mas foi criado em Natal.

Trabalha na DHnet desde seus primeiros passos, sendo responsável pela manutenção do sitio, concepção visual e arte final (Design Gráfico e HTML).

É sócio fundador da primeira entidade de fotografia do estado dedicada ao fotojornalismo, documentação, banco de imagens, eventos e cursos de fotografia desde maio de 1994.

Participa da coordenação executiva do Fórum Engenho de Sonhos e desenvolve atividades de educação popular, através das oficinas de fotografia e identidade para jovens e adolescentes da periferia de Natal.

E acumula até hoje as funções de repórter-fotográfico, educador popular e designer e desenvolvedor de sites para Internet.

Exposições individuais

- Colagens (lançamento do livro de Henrique José)

- Bar Pão & Circo Praia de Areia Preta - Natal, agosto 1995

- IV Semana Sergipana de Fotografia - Aracaju/SE, setembro 1995

- Feira do Livro e Semana de Humanidades da UFRN - Natal Novembro de 1995

- Ovo de Eva (itinerante)

- Capitania das Artes - Natal, setembro 1995

- IV Semana Sergipana de Fotografia - Aracaju/SE, setembro 1995

- Lançamento Virtual (disquete e BBS) - novembro 1995

- Projeto lambe-lambe - João Pessoa/PB, agosto 1996

- Projeto Intercambio -Convento Sao Francisco - João Pessoa/PB, outubro 1996

- Maratona Fotográfica - Natal, abril 1997

- Epidemídia 9.7 – Curso Comunicação/UFRN - Teatro Alberto Maranhão 1997

- Impressões Potiguares - UFRN/50 Reunião da SBPC - 1998

Mais sobre Henrique José em www.dhnet.org.br/henrique

Chico Antônio, embolador, coqueiro e cantador

Francisco Antônio Moreira. Embolador. Coqueiro. Cantador. Nasceu em Cortes, nas cercanias de Pedro Velho, cidade que fica a sudeste do Rio Grande do Norte, na fronteira com a Paraíba no começo do século. Há controvérsias quanto a sua real idade. Na certidão de casamento, consta o ano de 1904 e numa carteira de trabalho, tirada no Rio de Janeiro, consta o ano de 1908. Assim como os pais, sempre trabalhou na roça. Embora tenha freqüentado seis anos de escola, acabou não se alfabetizando. Começou a cantar com cerca de 12 anos.

Foi descoberto em 1929, pelo pesquisador e escritor Mário de Andrade que o transportou para os livros. Em 1979, foi redescoberto pelo poeta e folclorista Deífilo Gurgel. Gravou um disco em 1982 pela Funarte/UFRN/FJA. Cantava os seus cocos acompanhando de um ganzá e de seu companheiro de dupla Paulírio. O seu mais famoso trabalho foi o coco "Boi Tungão".

Chico Antonio é personagem lendário. Foi para Mário de Andrade, em suas pesquisas musicais, o que o vaqueiro Manuelzão representou para Guimarães Rosa na elaboração de Grande Sertão: Veredas. Ouvindo este cantador de coco, anônima figura do interior nordestino, o esteta Mário escreveu: "Estou divinizado por uma das comoções mais formidáveis da minha vida".

Redescoberto por Deílfilo Gurgel e Aloísio Magalhães, em 1979, o velho Chico, então com 80 anos de idade, gravou o que pôde. A voz cansada é ainda expressiva, embora já não arrebate com os improvisos que deslumbraram Mário no final dos anos 20. De qualquer modo, tem-se no disco um grande momento da história cultural do Brasil. Chico Antônio faleceu em 15 de outubro de 1993.

Ainda jovem e contrariando a vontade do pai, que não o achava bom cantor, foi prosseguindo na lida de embolador. Passa a vencer desafios com famosos cantadores de coco de sua região como Zé Fulô, Mané Matias, Cícero Matias, Antônio Matias, o preto João Perigoso, Domingos Gregório e outros. Seu trabalho passa a ser então uma referência para outros cantadores.

Em janeiro de 1929 estava trabalhando no Engenho Bom Jardim, quando foi levado a cantar para o poeta e escritor modernista Mário de Andrade, que estava de visita naquele lugar. O encontro entre os dois foi registrado por Mário de Andrade no livro "O turista aprendiz".

Anos mais tarde, Chico Antônio foi tentar a vida no Rio de Janeiro, onde trabalhou em Bonsucesso, Botafogo e Jacarepaguá. Em seguida, retornou, para sua cidade natal, voltando a trabalhar na roça e a cantar cocos nos finais de semana. Embora sua arte continuasse a ser apreciada em sua região, caiu no esquecimento do resto do país.

Em 1979, o estudioso do folclore brasileiro Deífilo Gurgel, em viagem pelo interior do Estado, em pesquisa para a Fundação José Augusto, tomou conhecimento da existência de um cantador de cocos que parecia ser o lendário Chico Antônio, registrado por Mário de Andrade. Foi então até Porto Velho e confirmou a informação. Levou então o cantador para Natal, onde este se apresentou em congressos e festivais, além de conceder entrevistas para diversos jornalistas e estudiosos.

Em 1982, um convênio entre o Conservatório Brasileiro de Música do Rio de Janeiro e a Funarte, possibilitou a gravação do único registro fonográfico do mestre coqueiro. A gravação ocorreu nos dias 26 e 28 de agosto daquele mesmo ano, na casa de Chico Antônio e na do seu filho. Foram registradas nove composições, todas de autoria de Chico Antônio e Paulírio, entre as quais "Boi tungão", "Onde vais, Helena", "Curió da beira-mar" e "Vou no mar".

Em 1983 apresentou-se no programa "Som Brasil", da TV Globo, apresentado por Rolando Boldrin. Um dos mais ilustres representantes do coco foi o único que recebeu um estudo pormenorizado de sua obra, chegando a ser personagem de dois textos ficcionais de Mário de Andrade.

Em 1995 teve o coco "Usina (tango no mango)", parceria com Paulírio, gravado pelo grupo pernambucano Mestre Ambrósio.

Em 1997 foi homenageado pelo cantor e compositor pernambucano Antônio Nóbrega no show "Na pancada do ganzá".

Em 1999, o Acervo Funarte lançou o CD "No balanço do ganzá", com interpretações de Chico Antônio feitas 54 anos depois de seu encontro com Mário de Andrade.

No mesmo ano, teve a música "Eu vou, você não vai", foi gravado no CD "Nação Potiguar", lançado em homenagem aos 400 anos da cidade de Natal.

Também foi homenageado pela banda FOLCORE no ano de seu centenário de nascimento, que gravou um single com 5 músicas do embolador (Luquinha da lagoa, Boi Tungão, Usina, Tinguelê e Helena).

Obra

Boi tungão (c/ Paulírio)

Curió da beira-mar (c/ Paulírio)

É Luquinha da lagoa (c/ Paulírio)

É tinguê-lê

Eu vou, você não vai

Onde vais, Helena (c/ Paulírio)

Pinto pelado (c/ Paulírio)

Serrador, bota o pau na serra (c/ Paulírio)

Usina (c/ Paulírio)

Vou no mar (c/ Paulírio)

Fonte: site da banda Folcore - www.folcore.com

Eloísa Faria, ceramista

Eloísa Maria de Faria nasceu em Caicó, no ano de 1964. Graduou-se em História e Educação Artística - Artes Plásticas. pela UFRN.

Ceramista, sua expressão artística dá-se por meio do trabalho com a argila. Ao optar, na pintura de suas peças, pelo uso de pigmentos coloridos retirados das argilas, procura manter na sua produção artística o teor da terra.

Se formas abstratas, suas esculturas têm uma linguagem vinda da flora, seja essa do sertão ou do mar, è também um traço do seu trabalho a procura das diversas texturas que a argila possibilita que dela se extraia, o que enriquece a superfície da peça.

Exposições realizadas

* Salão de Artes de Natal - Fundação José Augusto, 1995

* Atelier Regina Guedes, 1996

* Artistas Etfernianos - CEFET-RN, 1997

* Artifície - Natal Shopping, 1999

* Cerâmicas - Eloísa Faria e Henrique Araújo. Espaço Cultural da CBTU, 1999

* Cerâmicas II - VI Encontro da LIRNE, 2000, no Pirâmide Palace Hotel. stico/UFRN - 1998

* Vestes e Arreios – Pinacoteca do Estado / Palácio da Cultura, 2005

Sua última exposição, Vestes e Arreios, derivou de sua monografia “Vaquejada – uma extensão do trabalho do vaqueiro do Seridó”, especificamente do capítulo que discorre sobre as vestimentas e arreios do vaqueiro, fundamentado no livro Encouramento e Arreios do Vaqueiro do Seridó do escritor norte-riograndense Oswaldo Lamartine de Faria, na então finalização do curso de História Licenciatura e Bacharelado/UFRN.

A exposição é concebida em quinze trabalhos, sendo sete esculturas de centro e o restante concebidos para a parede, trazendo desenhos de Oswaldo Lamartine contidos no já referido livro. A cerâmica, neste caso, alia a arte a um dado cultural especifico do sertanejo do seridó: o cotidiano do vaqueiro no lidar com o gado.

Ao optar por uma cerâmica não vitrificada e pigmentada com argilas coloridas ressalta-se o meio ambiente do vaqueiro - a terra. Esta opção parte do desejo de querer a permanência do teor da terra nos trabalhos finalizados, visto que, a cerâmica vidrada por ser envolvida com uma película de vidro perde parte da percepção da sua matéria constituinte, a argila.

Sobre o trabalho, o jornal TRIBUNA DO NORTE escreveu em sua edição do dia 15 de junho de 2005, a reportagem intitulada "Cultura de vaqueiro em argila". O texto está abaixo:

Partindo do valor cultural e histórico que o vaqueiro do Seridó representa, a ceramista Eloísa Faria montou a exposição “Veste e Arreios”, em cartaz a partir de amanhã no Palácio Potengi da Cultura/ Pinacoteca do Estado. Os trabalhos foram inspirados e fundamentados no livro “Encoura-mento e Arreios do Vaqueiro do Seridó”, do escritor potiguar Oswaldo Lamartine de Faria.

A artista optou por um trabalho com cerâmicas não vitrificadas: “Fiz essa escolha para preservar o teor da terra nas obras finalizadas, uma vez que a cerâmica vidrada perde parte da percepção da sua matéria constituinte, a argila. Esse detalhe aproxima as peças (15 ao todo) do objeto de estudo”, explicou Eloísa, que utilizou pigmentos naturais para preparar o engobe (tinta usada para pintar cerâmica).

O interesse da ceramista pela cultura do vaqueiro vem desde a infância, quando passava férias com no sítio da família no Seridó potiguar. “Tenho toda uma relação com o campo, e percebi que a vaquejada de hoje preservou muito pouco as tradições que a originaram. Antes, o gado era todo solto nos pastos, não existiam cercas, e a identificação era toda feita através das marcas dos brasões. Quando os vaqueiros iam buscar o gado, brincavam disputando para ver quem derrubava mais animais.”

Encarando a cerâmica como arte, Eloísa diz que existe um certo preconceito no Rio Grande do Norte em relação aos trabalhos com argila: “As pessoas logo relacionam a argila ao artesanato de uma forma pejorativa. São esferas diferentes e, em nenhum momento, podem ser consideradas superior ou inferior em relação a outra. Gosto de trabalhar com argila porque ela proporciona uma gama de possibilidades de texturas quase infinita. Moldada com as mãos, a cerâmica imprime e expressa sensações e sentimentos, além de servir como um receptáculo da cultura.”

Eloísa Faria trabalha com cerâmica desde 1995 e faz suas peças em casa, em um forno que atinge a temperatura de 1 mil graus Celsius. Ela explicou que a cerâmica tem quatro momentos: o ponto de modelar; o ponto de couro (momento onde são trabalhadas as texturas e incisões sem problema de quebra); o ponto de osso (seca em temperatura ambiente e pronta para ir ao forno); e o ponto de biscoito (já cerâmica).

“Picolé de manga espada no calor do sertão”

“Eloísa nos chega como um picolé de manga espada no calor do sertão, servido entre um galope e outro para refrescar as cabeças dormentes pelo peso da argila enquanto barro primordial. Segue adiante forte e obstinada como os vaqueiros destemidos, retratando suas formas harmônicas, relevos, texturas e cores terrenas, se apossando da história/cultura, barro, pigmentos e calor que permeiam o solo ressecado das terras quentes do Seridó transformando-os em obras de Arte”, escreveu a ceramista e professora aposentada do Departamento de Artes da UFRN, Regina Guedes, sobre a exposição da ex-aluna.

Além de formada em artes plásticas, Eloísa Faria também é historiadora formada pela UFRN; justamente o curso cuja monografia “Vaquejada — uma extensão do trabalho do vaqueiro no Seridó” culminou com a exposição.

João Natal, artista plástico

Iniciado na arte a partir da implantação pela Fundação José Augusto de uma oficina de gravuras, comandada pelo mestre gravurista Rossini Perez, João Natal nasceu em Natal, Rio Grande do Norte, em 15 de agosto de 1960.

Sobre João Natal muito se vai falar ainda. Este registro tenta fixar no artista alguns aspectos da dimensão da sua capacidade criativa. As suas gravuras são o exercício de um tema maior sobre o mangue e seus habitantes. Caranguejos estilizados tomam aspectos fantásticos de inusitadas formas, redescobertas soluções, onde o grafismo está a serviço da criação, eliminada a narrativa subjetiva, mas sempre presente pela abordagem pura e simples do tema.

Da mesma família de uma Renina Katz ou de um Oswaldo Goeldi no Brasil, ou de um Grosz Kokoschka, só para citar alguns exemplos clássicos, o artista gravador João Natal possui a mesma atmosfera, a mesma dramaticidade, os mesmos propósitos desses mestres consagrados. É no mangue que ele exercita seus temas, numa estilização que difere do expressionismo

exaltado de acentuada tendência sentimental e literária.

João Natal parece conhecer os limites da narrativa e onde se inicia a criação propriamente dita. Seus cancerianos-símbolos estão dotados de uma inequívoca força criativa.

Diz José Roberto Teixeira Leite, no seu livro "A Gravura brasileira contemporânea", que "o ponto culminante a que atingiu no Brasil a arte da gravura, representa-o a obra de Oswaldo Goeldi". Franklin Jorge diz de João Natal, com muita propriedade, "que ele vai acordando os monstros abissais que nas profundezas do pesadelo velam os sonhos do ser humano".

Para Sussanne Langer, "o artista formula esse aspecto esquivo da realidade que comumente é considerado amorfo e caótico, quer dizer, objetiva a esfera subjetiva".

(Dorian Gray Caldas in Artes Plásticas do Rio Grande do Norte - Natal, 1989)

Luiz Rabelo, poeta e escritor

Nasceu em Natal em 4 de março de 1921 e morreu também em Natal no dia 29 de novembro de 1996.

"Uma vida simples, consagrada à poesia." Com esta frase, o crítico literário Manoel Onofre Jr. resaltou o papel que a poesia exerceu no curso de toda a vida de Luiz Rabelo. Sua estréia nas letras se dá em 1944, com o livro de poemas Meditações. Os próximos anos assistiram ao lançamento de outros títulos de poesia, com uma única exceção: O Vigário do Conto, volume bisexto na obra do poeta, e que o revela como prosador entre o satírico e o anedótico.

Nos últimos anos, dedicou especial atenção à trova, revelando grandes dotes para esse gênero poético ligeiro.

Luiz Rabelo estudou no Ateneu Norte-rio-grandense até a quarta série ginasial. Deixou os estudos ´para ingressar na Polícia MIlitar do Estado como soldado radiotelegrafista. Seu último emprego foi o de funcionário da Fundação José Augusto, onde exerceu o cargo de diretor do Museu de Arte e História, depois Museu Casa Café Filho, ficando, em seguida, à disposição do Instituto Histórico e Geográfico do Rio Grande do Norte.

Pertenceu à Academia Norte-rio-grandense de Letras, ao Instituto Histórico e Geográfico do Rio Grande do Norte, à Academia de Trovas do Rio Grande do Norte, à União Brasileira de Trovadores, e deixou vários inéditos.

Ninguém melhor do que Dorian Gray Caldas definiria o poeta Luiz Rabelo no prefácio de Poemas, publicado pelo Departamento de Imprensa em 1999: "É que o poeta Rabelo por formação, absorveu outras fontes no que de melhor sentiu nos bardos castelhanos e portugueses, nos poetas clássicos, nos cantos de Os Lusíadas, nos rigores dos poetas das Arcádia, na filigrana dos parnasianos, no arrebatamento dos românticos; nas metáforas dos simbolistas. Rabelo foi o navegante de toda a extensão desse rio, como um barco (não ébrio) lúcido em busca do verdadeiro caminho ou da luz que acena (irreal) aos navegantes." E, logo adiante: "Escreveu em todas as modalidades do fazer poético; dos decassílabos aos alexandrinos, das oitavas às sextilhas, das décimas às glosas e às trovas, versos brancos livres e versos rimados metrificados. Foi e é em sua poesia um esteta."

(Deífilo Gurgel in 400 Nomes de Natal - Natal, 2000)

Obras:

Meditações - Caicó/RN, 1944

Último Canto - natal/RN, 1950

Rumos - Natal/RN 1953

Caminho dos Mortos - Natal/RN, 1961

Trovas que a Vida me Deu - Natal/RN, 1968

Os Símbolos Inúteis - Natal/RN, 1970

Troval Potiguar - Natal/RN, 1970

Antologia Poética - Natal/RN, 1982

Cid Augusto, poeta e escritor

Cid Augusto da Escóssia Rosado, 33, jornalista, mestrando em Lingüística Aplicada pela UFRN, repórter do jornal O Mossoroense, colunista da revista Coragem, integrante de instituições como Instituto Histórico e Geográfico do Rio Grande do Norte (IHGRN), Instituto Cultural do Oeste Potiguar (ICOP), Sociedade Brasileira de Estudos do Cangaço (SBEC), Comissão Mossoroense de Folclore e Associação Brasileira de Jornalismo Científico, autor dos seguintes é poeta e escritor. Mais sobre Cid Augusto você vê em: www.cidaugusto.blog-se.com.br.

Obra:

Monografia: A arte xilográfica de João da Escóssia em O Mossoroense (1902 a 1906), 2003.

Livros:

Estados do Verso, Coleção Mossoroense/Sebo Vermelho, 2002 (poemas).

Escóssia, Coleção Mossoroense, 2000 (História).

Daltonismo, Coleção Mossoroense, 1997 (poesia).

Introspecção–crônicas e contos não-selecionados, Coleção Mossoroense, 1996.

Cordéis:

A peleja da bufa estrategista, edição do autor, 2001.

Justiça, Coleção Mossoroense, 1999.

O Padre Cangaceiro, Coleção Mossoroense, 1999.

Marcelo Fernandes, artista plástico

Marcelo Fernandes Pinheiro, nascido em Natal-RN no dia 17 de fevereiro de 1957, filho de seu Valdilon Pinheiro de Melo e dona Terezinha Fernandes Pinheiro, desde a infância já demonstrava seu interesse pelos lápis, pincéis e pelo mundo abstrato.

Criou artesanalmente seu próprio instrumento de trabalho, um lápis de giz de cera multicolorido com formas diversas. A partir dessa criação, desenvolveu uma nova técnica que enriqueceu o seu trabalho como artista plástico.

Trabalhou na TV Universitária. Participou do programa Despertar da FUNDAC, realizando oficinas de arte de giz de cera;

Fez teatro, participando do grupo NUVEM VERDE encenou as peças: Execução, e Regras de Fuzis da Senhora Carrar;

Viajou a Europa, visitando 6 países e participando de exposições e oficinas em Paris;

Criou junto a outros artistas o Atelier UNIR, onde eram administradas oficinas e restaurações;

Em Pernambuco, seu trabalho foi selecionado entre os dez melhores do Nordeste;

No 1º Salão de Artes Plásticas de Natal em 1998, ganhou o 1º lugar na exposição de telas. Em 1992 o 2º lugar com a capa para a LISTEL.

Marcelo Fernandes criou e patentiou a substância que deu origem ao giz multicor, seu instrumento de trabalho.

Marcelo Fernandes pinta para o futuro, suas telas vem à ser uma fotografia abstrata do mundo, está sempre subordinado a obediência das leis do universo.

Sem nenhum excesso de vaidade e sim com uma necessidade interior, imperiosa de dar cor e forma aos seus sentimentos, Marcelo torna-se plural como o universo.

Poucos artistas têm a lucidez de si próprio, Marcelo Fernandes através do seu profundo autoconhecimento eleva e eterniza a arte através de suas obras.

"Acompanho Marcelo Fernandes de perto; sempre perplexo pela beleza que ele transmite, o sortilégio que anima os verdadeiros vocacionados, usando materiais inusitados à base de ceras concentradas em bastão, Marcelo Fernandes reanima texturas, compatibiliza manchas, faz nascer formas nunca antes experimentadas, pelo uso arbitrário, provocador e decisivo da própria dinâmica do fazer.

Não procura, encontra. Não estabelece nasce. Há uma dictomia perfeita do autor com a arte, que produz o milagre da sua verdade, setas agudas para os céus;manchas texturadas, como veios da terra agreste; largos horizontes expectantes entre fagulhas crespulares e remotos vulcões extintos.

Marcelo Fernandes, faz-se mago de uma visão dionisíaca esplendores de uma terra de frutas e folhas do paraíso. onde encontrar na arte antiga ou na natureza apreendida estas supresas da criação? Da inventiva o instrumento do seu trabalho participa de sua arte influindo-a da direção da emoção de uma nova natureza. A arte de Marcelo Fernandes ainda será objeto de estudo comparativo e de louvores que certamente a colocarão entre artistas que difinitivamente contribuiram para uma linguagem nova rica de aventura."

Dorian Gray Caldas

Encontre mais informações sobre Marcelo Fernandes no site do artista: www.mfemabstrato.z6.com.br

Antônio Francisco, poeta

O poeta Antonio Francisco, de Mossoró, é a prova viva de que a poesia popular não está morta, nem precisa ser resgatada de lugar nenhum.

Antonio Francisco é um poeta cuja história é peculiar, uma vez que, apesar de ter mais de cinquenta anos de idade, começou a publicar folhetos de cordel há pouco tempo, embora tenha se criado no meio da poesia. Ele conta como, quando menino, lia folhetos de cordel para aqueles que não sabiam ler, e durante a leitura incluía versos que ele próprio fazia, ainda criança.

Curiosamente, resolveu assumir oficialmente a condição de poeta há poucos anos, e é como se uma represa de inspiração, há tanto tempo armazenada, de repente se rompesse sob o impacto de um poderoso cataclisma.

A poesia que jorra da mente desse homem simples, divertido e simpático é algo que merece análise, estudo e reflexão por parte dos que constroem o saber acadêmico acerca da cultura popular.

Poesia pura, prá ninguém botar defeito!

Clotilde Tavares

Naírton da Silva, artista plástico e poeta

Artista plástico e poeta, Naírton da Silva nasceu no dia 2 de janeiro de 1962, em Natal, capital do Rio Grande do Norte. No entanto, passou a maior parte de sua infância com os avós maternos na praia de Tibau, desfrutando das belezas naturais do lugar. O convívio no dia-a-dia com aquele povo lhe rendeu grande parte da inspiração de seus trabalhos, onde a sua imaginação voa com as diversas cenas de pescadores puxando as redes e os peixes malhados; os barcos indo e voltando da pesca; até o repouso das jangadas na praia. A vida do homem no campo também é fonte de inspiração em alguns de seus trabalhos.

A arte surgiu na vida de Naírton aos 9 anos de idade, época em que fazia desenhos e esculturas na areia da praia em maré baixa, chamando a atenção de todos que ali passavam. Alguns diziam: "esse menino tem futuro". Ele conta que na escola não prestava muita atenção as aulas e que enquanto o professor falava, ia desenhando nas páginas de seu caderno. Em casa, a sua mãe (dona Maria do Carmo Segunda, já falecida) perguntava pelos deveres. Todo orgulhoso, mostrava os desenhos que tinha feito e ela dizia: menino, essa escola só te ensina a desenhar? "Não, mãe, na escola também faço os deveres, mas só guardo os desenhos porque são mais bonitos", respondia sempre.

Naírton ressalta que não se prende a nenhum estilo ou técnica específica (até porque nunca fez curso na área das artes plásticas) bem como não usa ferramentas convencionais, como pincéis, espátulas e etc., preferindo o que há de mais simples: cotonetes, pedaços de algodão, palitos de dente, esponjas, dedos, pequenas lâminas de alumínio ou plástico. Os traços de hoje, embora mais aperfeiçoados, "é uma continuação dos desenhos que fazia na infância, nas areias da praia". Revela que o seu primeiro trabalho vendido ocorreu quando completou 20 anos e que não liga muito prá saber se seu estilo é clássico, moderno, abstrato ou surrealista. Também não está preocupado em ganhar muito dinheiro, quer apenas divulgar o seu nome e os seus trabalhos. "O que importa é que as pessoas olhem e gostem do meu trabalho, cujos desenhos procuro sempre dar um toque de vida, alegrando o ambiente com muita luz, cor e energia positiva".

Em 1985 e 1986, Naírton ganhou dois concursos de arte (categoria amador), realizados no Colégio Estadual Walfredo Gurgel, numa promoção do Jornal A República. Ainda em 86, no mesmo colégio, expôs os seus trabalhos na Semana da Cultura . Anos depois, participou de exposição realizada pela Coordenadoria de Atividades Culturais do Município e de um concurso para catálogo da Telern. De 22 a 25 de novembro de 1995, participou de exposição promovida pelo Salão de Artes Plásticas da Fundação José Augusto, no Centro de Convenções. E, em 1999, de 22 de abril a 5 maio, aconteceu a sua primeira individual, na Capitania das Artes, exposição essa que superou a expectativa do artista, que além de vender 18 dos 30 quadros expostos, recebeu um grande número de público. Hoje, Naírton está com uma exposição virtual pela Internet.

Dos críticos de arte locais, que analisaram alguns de seus trabalhos, recebeu os seguintes comentários: "Naírton faz refletir em todas as suas vertentes, as suas alegorias de vida, seus personagens e sua visão mágica de mundo. Ele sabe adequar as cores aos seus trabalhos, fazendo dos seus trabalhos um universo inacabado de espantos e descobertas que evidenciam nos espectadores a certeza de que o artista, como criador, busca a perfeição na imitação da natureza". (Iaperi Araújo). "Naírton pratica uma pintura intuitiva, onde transborda de si para as figurações que espelha na tela, a anatomia identificadora da sua consciência artística. Através de janelas anatômicas, faz rolar do mundo mágico de menino de interior, sonhos de navegações em redor do exterior de si mesmo". (Celso da Silveira).

Como artista plástico, Naírton diz que hoje já domina com segurança os traços e a forma simples e mágica de pintar. Na sua opinião, a arte e o amor representam o encontro do homem com o que ele tem de melhor, na sua beleza imortal, na sua sabedoria, no seu mundo de inspirações. A sua arte é o seu desabafo, criando traços, definindo a natureza morta ou viva. E como poeta, acredita que a arte é luz, vida ou simplesmente uma pequena fantasia.

(Ana de Fátima Silva de Siqueira, jornalista, in Potiguarte - www.potiguarte.com.br)

Jussara Santos, artista plástica

Natural de Caicó/RN, iniciou seus estudos de pintura no Rio de Janeiro, tendo feito o curso de iniciação à pintura no Parque Lajes.

Trabalhou na Gênesis - Oficina de Cenografia, em São Paulo, onde também fez parte do grupo de montagem natalina para a empresa Cipolatti.

Bisneta do carpinteiro e artista plástico "Velho Zé Quinino" (como era conhecido na cidade de Caicó), que fazia instrumentos musicais para orquestras de outras capitais do país, além de peças para igrejas (o altar da igreja do Colégio Santa Terezinha foi uma delas). É irmã do artista plástico Mano, que já realizou várias exposições em Natal. "Jussara, é uma artista de múltipla atividade, ela pode estar organizando um evento ou cuidando da restauração de uma imagem. Fazendo uma vitrine ou pintando um quadro. Em suas ocupações, age sempre com grande força intuitiva", afirma Mano.

Seus trabalhos foram apresentados pela primeira vez em 1999, numa exposição apenas para amigos.

Em sua 2ª exposição, desta vez aberta ao público, a artista apresentou experimentações em tela, reunindo diversas técnicas, com ênfase para a papietagem (trabalhos feitos a partir de celulose e pigmentos naturais).

Inpirando-se em inúmeras formas de expressões artísticas da humanidade, faz dessas expressões - pintura rupestre, arte egípcia, arte grega, festas religiosas da cultura popular brasileira - tema da produção.

Um estilo que dá forma e movimento à cor da sensibilidade de Jussara Santos.

Folguedos pernambucanos, o nome da última mostra, é de origem afro-brasileira. Como as congadas, inspira-se nas coroações de reis negros. Num cortejo real, os blocos saem pelas ruas nos dias de Carnaval, divididos em alas que representam nações africanas.

Edinor Avelino, poeta

Edinor Avelino é uma dessas realidades fascinantes puras de vocação, profundas de inteligência, altas de espírito. Os poemas de Edinor Avelino batem asas na mesma altura dos melhores.

(Luis da Câmara Cascudo)

Cascudo foi o autor da apresentação do único livro de poesias de Edinor Avelino, Sínteses, publicado no Rio de Janeiro em 1968, mas o poeta deixou inúmeros poemas inéditos e outro tanto publicado em jornais de Mossoró, Natal e Rio, além das colaborações na Folha Nova, de Macau, sua terra natal. Na então capital da República, teve destaque na Ilustração Brasileira, no A Manhã e na Seleta.

Da geração literária que unirá os dois séculos, XIX e XX, algo tardiamente, pois a sua estréia em livro se dá em pleno apogeu da correntes modernistas, Edinor Avelino se reserva o direito, curial em realção à província, de ainda se ligar aos sonetistas romanticos-parnasianos, ou ao poema mais longo, de corte neoclássico, que também resumaria naquela fase de indecisão e vertentes estéticas que se atropelavam.

José Edinor Pinheiro Avelino nasceu em Macau no dia 14 de julho de 1898. Os primeiros estudos foram feitos na terra natal, no colégio Aurora e no externato Pax. Mais tarde se transfere para Natal, frequentando o Atheneu Norte-rio-grandense, aí "concluindo seus estudos". Rômulo C. Wanderley (Panorama da poesia norte-rio-grandense) faz referência a um primeiro livro de versos de Edinor Avelino, Divagações, livro "da mocidade".

Após publicar seus poemas em jornais de Macau, Assu, algumas produções suas terão destaque no A República, no O Opinião e O Democrata, todos de Natal, quando recebeu de manoel Rodrigues de Melo o seguinte eleogio: "Burilador do verso, alma de esteta, mágico da rima, feiticeiro da forma, joalheiro in9mitável da poesia, Edinor Avelino é, sem exagero, um dos maiores poetas do Rio Grande do Norte".

Da geração de João Lins Caldas, Palmyra Wanderley e Othoniel Menezes, este, já em 1923, referia-se a Edinor Avelino "a mais bela afirmação entre os novos". Um de seus poemas mais conhecidos, Macau, se tornaria popular ao ser musicado por Fernando Almeida, sendo tido por muitos como "o hino oficial da terra das salinas". Aposentando-se como funcionário autárqueico, o poeta volta à terra natal. Membro da Academia Norte-rio-grandense de Letras, atualmente seu filho, Gilberto Avelino, o substitui na Academia.

(Assis Brasil in A Poesia Norte-Rio-Grandense no Século XX - Natal, 1998)

De Macau, Edinor Avelino, jornalista, colaborou em diversos jornais da capital ("A Imprensa", "A República", "A Opinião" e "Democrata") e em outros do interior: "Folha Nova" (Macau), "A Cidade" (Açu), "O mossoroense" (Mossoró).

No poema Macau, considerado como sendo sua obra-prima, escreveu:

"A minha terra, calma e boa, trago-a

nas cismas de saudade em que ando atento,

contemplando-a com os olhos cheios d'água.

nos grandes vôos do meu pensamento.

É das mais ricas terras pequeninas.

Apraz-me repetir, quando converso;

possui alvas e esplêndidas salinas,

as melhores salinas do universo"...

Jornada lírica

É solitária a estrada que palmilho.

Ferem-me os cardos, o percurso enfada,

sigo, apesar da dor e do empecilho,

sempre cantando pela minha estrada

Diante do pôr sol, da madrugada,

da fonte azul, das árvores, do brilho,

da luz pela amplidão disseminada,

diante do que Deus fez, me maravilho.

Divinas emoções experimento,

cismas profundas, êxtases diversos,

dentro do universal deslumbramento.

Louvo o som, louvo o aroma, louvo as cores.

Hei de viver dizendo nos meus versos,

a harmonia das coisas superiores.

(Sinteses, 1968)

Marize Castro, poeta

Marize Castro publicou o seu terceiro livro de poesia em 1996, Poço, festim, mosaico, tendo antes editado Marrons, crepons, marfins, em 1984, e Rito, de 1993. A sua vida cultural está ligada a dois órgãos culturais de grande importância para o Rio Grande do Norte e Brasil de modo geral: a revista/jornal O Galo, onde divulgou muitos poetas nacionais e estrangeiros de 1988 a 1990, e a revista Odisséia, onde reparte a editoração com Ilza Matias de Souza, atualmente.

O primeiro órgão deu-lhe o prêmio de repercussão nacional, ou seja, o Prêmio Incentivo à Cultura da União Brasileira de Escritores do Rio de Janeiro, recebido na Academia Brasileira de Letras em 1989. Como poetisa, Marize Castro recebeu o prêmio de Poesia da Fundação José Augusto, em 1983, pelo seu primeiro livro, Marrons, crepons, marfins. Figurou na importante coletânea de Olga Savary, Antologia da nova poesia brasileira, de 1992, e recentemente (1996) apareceu na coletâneua de Aluízio Mathias, Poesia circular/Por uma leitura pública e gratuita.

Nas biografias esconsas das antologias e dos seus próprios livros, sabe-se apenas que Marize Castro nasceu em Natal em dezembro de 1962 e aí fez todos os seus estudos, graduando-se em Comunicação Social e Jornalismo pela Universidade Federal do Rio Grande do Norte. Ainda no setor cultural, tem também prestado seu trabalho ao setor de Difusão Cultural da Capitania das Artes.

"O perigo é/ ser anônima"... A poesia de Marize Castro se conserva numa linhagem a que chamamos de "tradição da imagem", quando revolve a norma culta da língua para se revelar lírica e contundente. Esta linhagem vem de Marly de Oliveira e desemboca em Lélia Coelho Frota. Martin Heigger situa bem esse tipo de poesia que tem convivido, tranquila e altaneiramente, ao lado das vanguardas e dos experimentalismos os mais radicais, quer com a palavra, o espaço neutro da página ou consígnos de linguagens plásticas: "A poesia não é propriamente, não é nuNca somente um modo mais alto da linguagem cotidiana. Ao contrário, é antes o discurso de todos os dias que é um poema escapado e por esta razão um poema exaurido da usura, do qual aindfa se faz ouvir um apelo".

(Assis Brasil in A Poesia Norte-Rio-Grandense no Século XX - Natal, 1998)

Uma poeta de qualidade quase ignorada no sul é Marize Castro, autora do surpreendente Marrons, crepons, marfins.

(Haroldo de Campos)